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| [#7219] 經典CD縱橫觀1──樂曲解析與學派特性 @ 焦元溥 蕭邦鋼琴大賽竟然能夠扭轉世人對蕭邦的演奏觀點？！音樂與政治居然能在柴可夫斯基與哈察都亮的鋼琴協奏曲中交鋒？！德布西的音樂真的只是印象派？李斯特不過是炫技天王？藉由詳盡錄音蒐集與精闢詮釋解析，焦元溥帶領您進入作曲家與演奏家的世界，一探精采有趣的音樂詮釋史與表演藝術秘辛。 以歷史的角度衡量各個演奏的時代意義，向是作者評論關切的核心。藉由豐富的錄音資料，我們也確實能得到釵h關於樂曲詮釋與表現轉變的知識，並得以掌握不同的美學標準。 例如李斯特第一號鋼琴協奏曲的詮釋，從二十世紀初李斯特學生所講求莊嚴的堂皇慢速，逐漸發展至注重技巧的凌厲快速，其間的差異是截然不同的美學思考。德布西《二十四首前奏曲》由作曲家原意解析與法國風格出發，最後竟呈現出差異甚大的不同觀點，詮釋逐漸抽離作曲家的意圖，甚至以純音樂的方式表現。蕭邦的兩首鋼琴協奏曲經由蕭邦鋼琴大賽的提倡與影響，使其演奏風格在二十世紀逐漸簡瞍痝兜礎＆鷅帕ㄙ爾堭i，轉為精確、理性、健康的明朗表現；同樣是比賽影響，柴可夫斯基第一號鋼琴協奏曲在柴可夫斯基大賽上的詮釋變化卻和蕭邦鋼琴協奏曲相反，不僅呈現出極為有趣的對比，眾多經典詮釋也成為二十世紀鋼琴史上最燦爛的紀錄之一。 透過廣泛的對比，作者在音樂詮釋的歷史脈絡下探討各個演奏的時代意義，分析藝術家在傳統與創新之間的努力。至於創作於二十世紀的哈察都亮鋼琴協奏曲，從作曲家與俄國(世界)首演者、俄國重要詮釋者、英美兩地首演者和亞美尼亞鋼琴家的演奏，都完整地記錄在有聲資料之中。此曲的詮釋與風格變化幾乎能從錄音中完整呈現，是二十世紀音樂中少數所有重要演奏皆被完整記錄的作品，其詮釋史本身就值得研究，也是錄音時代的特色。 本書特色 ◎華文世界第一部呈現音樂詮釋史觀的版本比較專著 ◎目次：蕭邦：兩首鋼琴協奏曲(Frederic Chopin: Piano Concerti No.1 & No.2) 柴可夫斯基：第一號鋼琴協奏曲(Peter Tchaikovsky: Piano Concerto No.1) 李斯特：第一號鋼琴協奏曲(Franz Liszt: Piano Concerto No.1) 德布西：二十四首前奏曲(Claude Debussy: 24 Preludes) 哈察都亮：鋼琴協奏曲(Adam Khachaturian: Piano Concerto)  |
george1977 正式會員58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 09:51 | |
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| [#7220] 莫札特音樂CD評鑑 @ 焦元溥 生於1756年的莫札特，2006年剛好是音樂神童誕生250年的盛大紀念年。由現今最具活力的樂評家焦元溥以他一貫精闢獨到的眼光，?讀者從茫茫無數的莫札特音樂中，精挑細選出重要曲目，並佐以莫札特生平與音樂之間的巧妙關係。又小又巧的介紹加上幾張精選推薦錄音與最佳CD的封面，將對莫札特的音樂有興趣的入門愛樂者，帶入古典的門檻。 本書特色 每篇簡短精闢，由樂曲的典故與音樂的特色啟動導聆的弁遄A讓愛樂者及讀者同時具有欣賞莫札特生平與音樂的雙重感動。每篇附上精選推薦CD，並附最佳推薦封面。  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 09:53 |
| [#7221] 淡掃蛾眉朝至尊—齊柏絲坦的音樂傳奇 @ 焦元溥 任何見過鋼琴家齊柏絲坦(Lilya Zilberstein)的人，都不會忘記她的爽朗笑聲與活潑個性。成左漕こ~，幸福的家庭，無論舞台或生活，她都讓人羨慕與佩服，是音樂界的明星。 然而很少人知道，光采的背後，竟是難以想像的略禲C 一如眾多神童，齊柏絲坦從小就展現出非凡稟賦，進入訓練天才的吉尼辛音樂院(Gnessin School)就讀。學業和生活都一帆風順，她知道自己的才華，也相信有朝一日終將站上舞台，向世人傳播音樂的美妙。 然而，齊柏絲坦怎麼也沒想到，自己竟然遇上蘇聯最強烈的種族歧視—早以琴藝聞名的她，竟因猶太人身份而連莫斯科音樂院都報考不得！「我以前每天都很開心，從來不知煩惱。天是藍的、草是綠的、人們是微笑的，怎知剎那間天翻地覆…我什麼虧心事都沒做，何以世人要如此對我？」 生平第一次，齊柏絲坦嚎啕大哭。 蘇聯音樂家欲出國競藝，必先通過國內初賽，但無論她彈得再好，上級就是不選。看著一個個比她不如的同儕抱著獎牌回國，單純而堅強的齊柏絲坦加倍苦練。縱使屢戰屢敗，她仍純真地相信評審終會還她公道。直到又一次失利，列寧格勒音樂院名師卡芙仙珂(Tatiana Kravchenko)忍無可忍，跑到後台對這後輩「曉以大義」： 「莉莉雅，妳是真笨還是裝糊塗呀！妳如果還想成就一番事業，現在就找個俄國男人嫁了，用夫姓改掉猶太人身份，妳就可以出國了！」 第二次，齊柏絲坦嚎啕大哭，哭得肝腸寸斷。 重重陰霾最後仍透出一絲曙光。一九八七年布梭尼大賽，蘇聯甄選辦在偏遠的烏克蘭Donetsk，在前後各有其他重大比賽，各派好手無遐他顧下，齊柏絲坦終於取得代表權。「我只有一次機會！」告訴自己此生成敗在此一舉，她不敢多想，挑了心愛的曲目，和其他代表一同前往義大利。 這一去，布梭尼賽史就此改寫。誰也沒想到那綁著馬尾，笑容可掬的捎@閨秀，琴前坐定竟成了呼風喚雨的女王。無論譜上技巧多麼艱難，齊柏絲坦都能歌唱出發自心靈的詠嘆，在美得驚人的色彩與一音不誤的精準中震懾聽眾。首輪結束，吃驚的評審紛紛央求一份比賽錄音，因為如此完美的演奏實是前所未聞；複賽告終，數家經紀公司接連致電格尼辛音樂院，表明無論結果都願高價簽約。當她奏完普羅柯菲夫第三號鋼琴協奏曲，不待評審宣布，全歐聆賞轉播的聽眾都已認定，齊柏絲坦是毫無疑問的冠軍！一如卡拉絲曾在史卡拉劇院立下無人敢唱《茶花女》的禁咒，布梭尼大賽自此連續四屆冠軍從缺，只因大家忘不了齊柏絲坦的萬丈光芒。 衣錦還鄉，怎料歧視依舊，眼光更因嫉妒而惡毒。當官方Melodiya唱片公司為該屆第二名錄音，卻回絕齊柏絲坦以示羞辱時，和善的她知道不能再受欺壓，「聽清楚！我也絕不會為你們錄音！」一週後，執全球唱片牛耳的DG奉上和約，Melodiya終是自取其辱。 對那無緣的祖國，早已移居德國的齊柏絲坦仍有些鹵翽恁C直至今日，她都沒能在莫斯科舉行一場獨奏會。新一代俄國鋼琴家來聽她的音樂會，多半為了求證那傳說中的名字是否真實存在。「我只有一次機會！」，面對重重險阻，齊柏絲坦在天真爽朗中展現生命的韌性，以令人感動的堅毅照亮時代黑暗，用音樂寫下歷史的見證。 http://www.books.com.tw/CD/classical/media/0000015790.htm  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 09:56 |
| [#7222] 俄國絃樂巨擘 Rudolf Brashai @ 焦元溥 當代偉大的指揮家中，與所指揮作品的當代作曲家關係最為密切的，肯定是魯道夫•巴夏。他跟隨蕭斯塔可維契 (Shostakovich) 學習作曲，與浦羅可菲夫 (Prokofiev) 討論管絃樂配器法，並確立自己為洛克辛 (Alexander Lokshin) 作品的強力擁護者。然而還是有釵h作曲家為巴夏的管絃樂團創作演出曲目，該樂團於西元一九五五年創立，且經常舉行巡迴演出，而這個為他贏得世界聲譽的樂團就是：莫斯科室內樂團 (Moscow Chamber Orchestra)。第一位將巴洛克音樂與室內樂團文學介紹給俄羅斯聽眾的，就是巴夏。他不僅接受作曲家委託首演其作品，還改編作曲家的作品。他最為人所熟知的改編之作，大概就是改編自蕭斯塔可維契《第八號弦樂四重奏》(Eighth String Quartet) 的《室內樂交響曲》(Chamber Symphony)。 魯道夫•巴夏對二十世紀俄羅斯音樂作品的詮釋，具有無人可及的準確性，因為他與這些作曲家全都合作過。他與其中釵h人合作過，且蕭斯塔可維契常以鋼琴與巴夏聯合演奏作曲家的作品：不只是以指揮家，而是以小提琴獨奏家的身分，因為巴夏是位無人可與之匹敵的器樂大師。他定期與歐伊斯特拉夫 (David Oistrakh，小提琴家)、李希特 (Sviatoslav Richter，鋼琴家)、吉利爾斯 (Emil Gilels，鋼琴家) 和柯岡 (Leonid Kogan，小提琴家)、羅斯托波維奇 (Mstistav Rostropovich，大提琴家)、曼紐因 (Yehudi Menuhin，小提琴家) 演奏室內樂作品。 蕭斯塔可維契過世後，巴夏移民西方，在那兒開始指揮世界優秀的管絃樂團演奏古典演出曲目，範圍從巴哈、莫札特、舒伯特、布拉姆斯，到馬勒與蕭斯塔可維契的作品。他指揮過維也納交響樂團 (Vienna Symphony)、倫敦交響樂團 (London Symphony)、BBC交響樂團 (BBC Symphony)、愛樂管絃樂團 (Philharmonia Orchestra)、法國國家管絃樂團 (Orchestra National de France)、巴黎管絃樂團 (Orchestre de Paris)、柏林德意志交響樂團(Deutsches Symphonie-orchester Berlin)、巴伐利亞廣播交響樂團 (Bavarian Radio Symphony)，以及其他位於歐、亞、北美的多所知名管絃樂團。英國南漢普敦大學 (University of Southampton) 頒給他音樂博士榮譽學位。 雖然巴夏曾經錄製無數張有聲品，他總是避開喧鬧的媒體活動─其最近的主要企畫為，指揮科隆廣播管絃樂團 (Cologne Radio Orchestra) 錄製蕭斯塔可維契十五首交響曲的系列，且近期剛發行上市。他極為認真地避開任何一種形式的浮華與誘惑力，也不隸數那些時常奔走世界、演奏未經排練的節目的闊氣指揮家之列。巴夏的名字代表了能精采、真實呈現作曲家意圖。以維護作曲家的想法為原則，將他傳奇的能力用在，將管絃樂團的聲音迅速雕琢成表達其概念這個唯一的目的：清澈、明確地傳達。 這個方法來自巴夏在莫斯科時所受的訓練。這個與一九四○與五○年代，用來製造出形成二十世紀中後期所有知名俄羅斯音樂家的訓練相同。在莫斯科音樂院就讀期間，巴夏開始跟隨名人柴特林 (Lev Zeitlin) 研修小提琴。由於巴夏對演奏四重奏的熱愛快速增長，不久就從小提琴轉而學習中提琴，以便能組成一隻具一流水準的四重奏。接下來就成為波羅定四重奏 (Borodin Quartet)，與柴柯夫斯基四重奏 (Tchaikovsky Quartet) 的創團成員。他第一次管絃樂團演出經驗也在就學期間取得，當時擔任波修瓦劇院管絃樂團 (Orchestra of the Bolshoi Theatre) 的第一小提琴手 (first-desk violin)。他與蕭斯塔可維契的友誼，也就是始於這個時期。波修瓦勇敢反抗巨大的官僚政治，在西元一九六九年指揮他的樂團為蕭斯塔可維契的《第十四號交響曲》(Fourteenth Symphony) 做首演，而且與作曲家有密切且具創意地共同研究。當巴夏移民西方後第一次回到俄羅斯時，在莫斯科音樂院的大廳 (Great Hall) 中以一首法國曲目獻給老聽眾：馬勒的《第九號交響曲》(Ninth Symphony) 與貝多芬的《莊嚴彌撒曲》(Missa Solemnis)。 西元一九九二年，魯道夫•巴夏受邀指揮在萊比錫布商大廈舉辦的，德國入侵蘇聯五十週年慶祝紀念音樂會。青年德國愛樂 (Junge Deutsche Philharmonie) 的第一區，坐著莫斯科愛樂 (Moscow Philharmonic) 的成員。巴夏也指揮青年德國愛樂巡迴演出馬勒的《第五號交響曲》(Fifth Symphony)──如同CD中所捕捉到的，是─張嬝牧氳eading，同時也被視為這首作品最傑出的一個錄音版本。西元一九九四年夏天，巴夏在柏林戶外的森林舞台 (Waldbhne) 指揮紀錄同盟國撤兵的一場音樂會。現場聽眾超過二萬人次，與全世界數百萬的廣播聽眾與電視觀眾，共享巴夏對威爾第《安魂曲》(Requiem) 的詮釋，該次演出也出版了CD與錄影帶。巴夏與老友李希特於西元一九九三年三月三日在日本舉行的最後一場音樂會，也有CD可買；以及巴夏最新指揮科隆廣播交響樂團，收錄蕭斯塔可維契十五首交響曲的CD，他以此套CD在古典排行榜上立下了新標準。 除了詮釋別人的作品，巴夏也一再尋求從事個人創作、作曲、管絃樂配器與改編的機會，他一直在尋找新的聲音。他最近將蕭斯塔可維契的弦樂四重奏，改編給小型管絃樂團演奏的作品，相當討喜，繼《第四號絃樂四重奏》之後，尤以《室內樂交響樂》(Chamber Symphony, op. 83a) 為最。西元二○○○年 ，巴夏指揮演出他改編自馬勒《第十號交響曲》(Tenth Symphony) 的作品。由於他這個版本的完整與管絃樂配置，音樂史上偉大的「未完成作品」之一，終於得以以令人信服的形式呈現。巴夏這個版本，無疑幫交響曲演出曲目加添了一個新的、有意義的版本。 ◎焦元溥眼中的巴夏 文 / 焦元溥 巴夏是當今音樂界的大師，就弦樂改編而言，更是當年讓管絃樂法極精的蕭士塔高維契都不得不大力讚賞的新銳後進，認為他自己改自己的作品都不可能比巴夏改得好，他近年改編補完的馬勒第十號交響曲，這次巴夏來台指揮兩場，都是極為精采，但不易上演的曲目。 蕭士塔高維契的第七號交響曲《列寧格勒》－是聖彼得堡(共黨革命後改成列寧格勒)當年被納粹圍城三年(1941年九月到1943年二月)，身處列寧格勒的蕭士塔高維契所寫的音樂創作(只有第一樂章; 蘇聯不敢把自己最重要的作曲家放在戰地受險,蕭士塔高維契完成第一樂章後就被官方帶到莫斯科,第二至四樂章是在大後方完成)。 這是音樂史上最震憾人心的作品之一•第一樂章完全是戰爭縮影，一開始是蘇聯人民的奮鬥，中段則是德軍滑稽、詭異，但又不斷進逼的死亡進行曲，堪稱情景歷歷在目的音樂史話•此曲當年首演時，近三百萬在風雨飄謠中的列寧格勒市民(圍城三年中約六十至一百萬人喪生,是近代城市中最長也最慘烈的圍城戰)，在戰火中集全城之力演奏，軍隊釋出所有參戰的音樂家上台，音樂會更全程廣播，全城皆安裝擴音器，讓每一個角落都能聽到這首蕭士塔高維契的新作。 "這首交響曲獻給列寧格勒和其中的人民" 聖彼得堡的孩子以這首長達七十多分鐘的交響曲為自己至愛的城市與人民加油，戰爭雖然殘酷，卻奪不走列寧格勒人民熱愛藝術的心，這首交響曲終成列寧格勒的勝利、蕭士塔高維契的勝利，也是所有反侵略反暴政人民的勝利。 至今，聖彼得堡每年開幕音樂會都會演奏這首《列寧格勒》交響曲，紀念那段最悲慘的歲月，然而，此曲並不好演奏，釵h指揮把此曲奏成廉價電影配樂；如今是由巴夏親自指揮，應當是嚴正而深刻的詮釋，大家切勿錯過。 第二場絃樂團音樂會，不用說－是巴夏的獨門經典，柴可夫斯基第一號絃樂四重奏的第二樂章就是舉世聞名的"如歌的行板"，旋律優美至極，由絃樂團演奏應當更為迷人，而貝多芬的《大賦格(Grosse Fuge)》，更是極難上演的作品，去年其鋼琴版手稿重現更讓世人驚嘆 (編按: 請見作者於聯副的專欄《賦格•告別》一文)，愛樂者更不該錯過。  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 09:59 |
| [#7223] 唱片就是音樂的罐頭 - Erich Kleiber 克萊柏被公認為是二十世紀最偉大的指揮之一，他與托斯卡尼尼、福特萬格勒、華爾特及克倫培勒四位大師，並稱為二十世紀前半葉指揮界「五巨頭」，由此可見他不朽之地位。其指揮生涯於二次世界大戰期間達到巔峰，擅長德奧經典曲目，本集收錄的作品是1949-55年間他為DECCA錄製的多首交響曲，展現所謂「經典」之權威意義。其中貝多芬第3與第6號交響曲分別收錄不同年代的兩種版本（第3號：1950 & 1953年﹐第6號：1953 & 1948年），供樂迷做版本比較，並深入認識大師在不同時期的詮釋心境。 「唱片是罐頭音樂。想吃蘆筍，我會儘量去找新鮮的，如果找不到才會吃罐頭蘆筍。唱片就是音樂的罐頭。」——克萊柏 艾里希•克萊柏（Erich Kleiber 1890-1956）被公認為是二十世紀最偉大的指揮之一，他與托斯卡尼尼、福特萬格勒、華爾特及克倫培勒四位大師，並稱為二十世紀前半葉指揮界「五巨頭」，由此可見他不朽之地位。 克萊柏對於錄音有著複雜的情感。一方面他認為演出者與聽眾之間存在著一種奇妙的關係。對他而言，錄音只是一種貧乏的替代品：它讓演出與獨特的情緒僵化凍結，使得每一次聆聽的感覺都一樣，然而從來沒有兩個音樂演奏會是完全一樣的。而另外一方面，他又頗有遠見，他了解錄音保存了音樂的演出，而且充滿了娛樂性。 克萊柏生於維也納，原本學習小提琴的他，在聽了一場馬勒指揮的音樂會之後，決定改攻指揮。1908年赴布拉格研讀音樂、哲學與藝術史。1911年以一首交響詩獲作曲獎，同年被任命為布拉格德意志歌劇院合唱指揮。1912年轉赴達姆斯塔特任宮廷歌劇院指揮。1919-23年輾轉於巴爾門-艾柏菲爾德、杜塞爾多夫及曼海姆等地任職。1923年首次於柏林指揮上演貝多芬的《費黛里奧》大獲成央A三天之後，立即被任命為柏林國家歌劇院音樂總監。由於對納粹政府干預文化的政策不滿，在貝爾格的歌劇《露露》被禁演之後，他仍然指揮演出該歌劇選曲，隨即辭去了柏林的職位。1939年入籍阿根廷，定居布宜諾斯-艾利斯。 克萊柏時常遊走世界各地擔任客席，1927年造訪蘇聯，1930年指揮紐約愛樂作美國首演，1935年首次踏上英國指揮倫敦交響樂團。此外，他也是阿姆斯特丹、布魯塞爾等地的常客。1938年首度於柯芬園登場，指揮《玫瑰騎士》。戰後返回歐洲，再度擔任柏林國家歌劇院指揮，1955因抗議政治干預而辭職。 克萊柏在演出前總是不厭其煩地鑽研樂譜，演奏時嚴格遵循原譜指示，避免投入過多個人主觀感情。他總能掌握住作品的整體性，以理性的態度尋求結構與情感要素的平衡，排斥錯誤的傳統演奏方式。他最擅長的是莫札特、貝多芬與理查•史特勞斯諸位作曲家的作品，所灌錄的《玫瑰騎士》、《費加洛婚禮》及貝多芬交響曲等，都是唱片史上的珍品。 在兩次的世界大戰期間，他曾經錄製了釵h78轉的唱片，然而真正為他建立永續名聲的錄音卻是他在戰後為DECCA所錄製的作品，也就是收錄在這套六張ＣＤ的錄音。儘管這些錄音還無法展現克萊柏音樂活力的真正實況，卻也讓我們見證了他音樂生涯中所指揮作品的核心價值。 http://www.books.com.tw/CD/classical/media/0000001695.htm  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:02 |
| [#7224] 賦格•告別 - 貝多芬 《大賦格》@ 焦元溥 歲末將近，回顧2005年音樂界的重要大事，除了釵h巨匠名家凋零外，或陷N是貝多芬《大賦格(Grosse Fuge)》鋼琴重奏版手稿，在消失一百一十五年後於費城重現天日最引人注意。這本厚達八十頁的樂譜在貝多芬生前最後幾個月完成，一直由作曲家保留直到逝世。逃過火災，躲過戰亂，《大賦格》手稿最後在蘇富比拍賣會上以一百七十二萬美金賣出，是幾十年來最震撼人心的發現。 「賦格」來自拉丁文Fuga(原文是逃跑、遁走之意)，是複調音樂與對位法的極至表現。主題在各聲部依次進入，隨樂曲發展而不斷出現，將樂思做高度邏輯化的延展。不是每位作曲家都有傑出的對位奶O，也不是每個人都喜歡賦格。崇尚革新，連和聲學「禁止平行五度」規律都敢打破的德布西，自是厭惡這種處處受限的音樂形式。他為巴黎音樂院畢業考所繳交的作業，就是其一生惟一的賦格。 令人玩味的是，雖然形式嚴格，釵h作曲家竟不約而同地選擇賦格作為人生的總結。巴赫以自己名字作主題的《賦格的藝術》，便是傳奇的肇端。透過對位法的縝密邏輯和嚴謹結構，謙卑事主的巴赫見到宇宙的和諧，人性與上帝的榮光。莫札特最後一首交響曲《朱彼特》，終樂章也是神乎其技的賦格。我們無法得知莫札特是否意識到《朱彼特》會是他交響曲的告別之作，但至少在《安魂曲》手稿上，他的確也欲在〈略穭坐憿r後寫下〈阿門〉賦格。可惜這音樂史上兩大絕作皆因作曲家辭世而未完—《賦格的藝術》令人錯愕地中斷，莫札特門生索性把〈阿門〉當作兩個和弦補完。作曲家心中的完美賦格，只有上帝才能知道。 「我只能立一次遺囑」，理察史特勞斯顯然視《奇想曲》作為他歌劇的終點。和威爾第最後一部歌劇《法斯塔夫》相同，這兩大歌劇聖手皆不尋常地在告別舞台時寫了長大的賦格。拉威爾最後一部鋼琴獨奏作品《庫普蘭之墓》，第二樂章則以優雅而感傷的賦格，在斷壁殘垣中紀念過去的美好。他畢竟是含蓄的作曲家；柴可夫斯基《悲愴》交響曲第一樂章的賦格，層層疊疊的主題，音音句句都是控訴，預示即將到來的悲劇。 為什麼這麼多作曲家選擇以賦格作終？《大賦格》手稿筆法狂放，譜上墨漬斑斑，甚至還因施力過度而劃破紙張。貝多芬早年寧可離開名動公卿卻俗務纏身的海頓另拜名師，就是要潛心修習對位法。當《大賦格》以弦樂四重奏形式首演時，聽得一頭霧水的觀眾大罵貝多芬蠢驢。多年失聰的作曲家早已不在乎世人觀點，卻害怕這首賦格從此被人遺忘……焦慮中他一改再改，冀望以鋼琴版得到更多知音。當告別的時刻來臨，或陶o些作曲家又都想起自己音樂人生的開始，那為對位法搜索爰z的青澀時光。於是，他們再次提筆，要在一首首賦格中證明自己終是無楨瓴ョK… 音樂終究是良心事業，半點騙不得人。曾為貝多芬持火炬送葬的舒伯特，臨死前還想學習對位法，一探音樂的無窮奧義。《大賦格》的前衛遠遠超越了貝多芬的時代，手稿重現舉世驚歎—賦格因此不只是賦格，更是略藾P汗水灌溉下的智慧，作曲家藝術人生的縮影。  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:04 |
| [#7225] 森林中的浪漫－布魯克納第四號交響曲《浪漫》@ 胡耿銘 該怎麼來談布魯克納的音樂呢？他的作品盡是些交響曲或彌撒曲類型的教會音樂，彌撒音樂在台灣不受歡迎，而他的交響曲又缺乏優美的旋律線條，這樣的東西似乎不容易得到共鳴，於是布魯克納被冷落了。真的那麼難聽嗎？其實若稍作瞭解，再靜下心來多聽幾次，終有一天會豁然開朗，發現桃花源。畢竟意境高的東西需要比較多的時間去體會，一旦頓悟，自然會有一種莫名的喜悅。 可是布魯克納寫了十多首的交響曲，真不知從何開始，就以他最著名的第四號交響曲當作起頭吧。但在聆賞前，先要學習一下什麼是布魯克納音樂的特色哦！首先是「布魯克納式的起頭」：他的交響曲一開始通常是神秘感十足的絃樂顫音，然後在顫音漸強下出現主題旋律。接著是「布魯克納式的休止」：指布魯克納交響曲行進中常突然出現的休止，他喜歡利用這種休止方式來區分兩種不同的樂念。然後是「布魯克納式的節奏」：就是逐漸加速加強的三連音，給人一種昇華的感覺。此外，布魯克納也偏好在交響曲中使用教會風格的聖詠曲，或是各類型的管風琴語法，還有不斷重複的主題旋律等。而他的交響曲總是以四個樂章構成，從小聲開始，猶如貍苳l般一直堆砌和聲的磚塊，使結構愈來愈龐大，最後終於以最強的總奏結束全曲。 對布魯克納音樂特色有了初步認識後，即可進入第四號交響曲的大門。第一樂章開始果然是絃樂微弱的顫音，烘托出法國號吹奏的主題，布魯克納式的開始馬上得到驗證。布魯克納曾親自為此樂章寫下聆導文字：「中世紀城堡－破曉－塔上傳出清晨的信號－城門打開－騎士們騎馬出城－進入神秘森林－林中細語－鳥兒歌唱－由此開展浪漫情景。」延續這段引介，應可領悟第一樂章內容。第二樂章先是送葬的陰霾主題，接著又穿插另一祈禱般的主題，最後卻以明朗氣氛寧靜消逝，巧妙接續了第三樂章的詼諧曲。在這個樂章中到處有法國號的蹤影，中間則穿插了木管奏出的蘭德勒舞曲（Landler）主題。終樂章則為宏偉的管絃樂總奏，負有統一全曲的重任，結尾更是號角齊鳴，在無比燦爛的音響下達到昇華的感覺。 聽了布魯克納的第四號交響曲有什麼感想呢？欣賞這部作品可別嫌棄主題不夠優美，畢竟創造旋律不是布魯克納所擅長的，何不將欣賞的重心穡鴙腋T與氣氛呢？布魯克納把音響作為他交響曲的基礎，由於喜愛彈奏管風琴，很自然的在創作交響曲時植入持續低音和釵h樂器齊奏等類似的音效。而對華格納的崇拜，也使他追隨模仿華格納碩大的管絃樂和聲，於是創造出布魯克納特有的音響美。在這樣的音響基礎下，布魯克納的交響曲常顯出一種宗教性的氣氛，快板樂章雄偉莊嚴，慢板樂章則和諧寧靜。當然，在第四號交響曲中，還有森林的神秘氣氛，與布魯克納對大自然的情感。 一八七四年十一月，布魯克納在五十歲時完成了這闕交響曲，但初稿卻於維也納愛樂試演後被誘W「第一樂章以外，其餘不值得演奏」的烙印，致使布魯克納又在一八七八至一八八○年間重寫第三、四樂章。一八八一年在維也納首演雖然還算成央A不過布魯克納仍不滿意，又在一八八一年及一八八六年分別再作修正，於是版本特多就成為第四號交響曲的另一特色。 除了作曲者自己數次修訂外，其後更出現門生雷維（Ferdinand Lowe）增減配器之改訂版，雖與作曲者原意不符，改訂版卻也風行了好一陣子。而今日我們一般使用的布魯克納樂譜主要有二種，一是一九三五至一九四四年間，哈斯（Robert Haas）和歐雷（Alfred Orel）依布魯克納原版手稿，編纂出版了哈斯版樂譜。另一種乃一九五一年起諾瓦克（Leopold Nowak）進行相同工作，所出版的諾瓦克版樂譜。 包括第四號在內，布魯克納的交響曲之所以會出現釵h版本，其實是因為當時世人不瞭解他的作品，為了爭取被演出的機會，他不得不應允演出者要求來作修改，這實在是非常殘酷的事情。今日布魯克納的音樂終於逐漸得到平反，因為他音樂中樸實恬適的特質，剛好是現代人所追求講究的。如果不想成為落伍的人，就趕快從第四號交響曲開始追求吧！ （本文節錄自「音樂史上最偉大的三十首交響曲」，雙木林出版社） 推薦版本 : 布魯克納：交響曲全集 / 約夫姆 (指揮) 德勒斯登國立管弦樂團 1902年生於德國南部的約夫姆，出身於慕尼黑音樂院，二十四歲時與慕尼黑愛樂演奏貝多芬第三號雷奧諾拉序曲，以及布魯克納第七號交響曲首度登台。他歷任柏林廣播、漢堡歌劇院、巴伐利亞廣播、阿姆斯特丹大會堂、倫敦交響樂團等指揮，擅長德奧系作品。尤其是布魯克納交響曲，他曾在78轉時代帶領漢堡愛樂錄製了第四、第五號交響曲，之後則和柏林愛樂以及巴伐利亞廣播錄製第一至第九號交響曲。 本輯則是約夫姆帶領德勒斯登國立管弦樂團，也是他第二次的九首布魯克納交響曲錄音，版權來自EMI。約夫姆在平實舖陳中展現出布魯克納樂曲宏偉的結構，他緊湊的演繹帶領聽者進入交響曲最崇高而神聖的境界。加上德勒斯登國立管弦樂團古樸豐厚的音響，讓本輯榮獲日本唱片藝術首選版本。由於約夫姆始終拒絕演奏布魯克納第０號交響曲，Brilliant特別收錄波蘭指揮家史克羅瓦契夫斯基指揮薩爾布魯根廣播交響樂團錄製的第０號交響曲，使本輯成為完整的全集。  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:06 |
| [#7226] 是催命符嗎？－柴可夫斯基第六號交響曲《悲愴》@ 胡耿銘 關於俄國作曲家柴可夫斯基的死因真是眾說紛紜，最早大家公認是喝了不乾淨的水導致霍亂而死，接著又有不知原因的自殺之說。到了同性戀流行的二十世紀，最新的謎題解答更是驚世駭俗，竟然發現他是因為斷袖之癖被發現，在秘密審判後被命令服毒而死的。由於第六號交響曲作於一八九三年，也就是柴可夫斯基逝世之年，釵h人又將他的死與這首交響曲的內容牽連想像，甚至說是他自殺前的一部遺書呢！ 當然，寫這首曲子的動機與緣由只有作曲者自己知道，而這首交響曲是否與他的死有著不尋常的關聯，我們自然可以隨意揣測，硬要把它說成是柴可夫斯基的「預知死亡紀事」也悉聽尊便。無論如何，第六號交響曲裡所充斥的濃濃憂鬱感傷，實在很容易讓人和死亡劃上等號。就連柴可夫斯基也多次談到這首曲子出色的表現了悲愁，特別是最後樂章那近似「安魂曲」的氣質。 至於第六號交響曲的《悲愴》標題是怎麼來的，則有段由他弟弟記錄下來之小插曲：「首演音樂會的次日，我哥哥愉快的坐在嶽鉈ョA手裡拿著準備付梓的總譜，但尚不能決定標題……，我提出《悲劇》的名稱，他不以為然，當我要離去時，突然想起《悲愴》一辭，於是趕快折返告訴他，他聽從建議，就當著我的面，在總譜上加了《悲愴》標題。」 《悲愴》交響曲構想於一八九二年末至一八九三年初出國旅行時期，但柴可夫斯基正式投入工作，如他於第一樂章手稿所記，是一八九三年二月四日。他在該年二月十一日寫信給朋友說：「我在旅行途中，心中浮現另一首交響曲的輪廓，這回是標題性的，但只是個謎樣的標題……這個標題充滿著主觀性，我在漫遊時構想它，時而為之略U。現在我回來了，坐下起稿，工作進行得如此熱情而迅速，不到四天已經完成了第一樂章，其他樂章也已經在腦中清楚地成型，第三樂章完成了一半。這首交響曲在形式方面有釵h創新，末樂章將不是響亮的快版，相反地，是最柔的慢板。」 的確，這首交響曲的形式較古典交響曲還自由一些，第一、三個樂章還算比照傳統，分別為附序奏的快板與詼諧曲的快板。第二、四樂章可就沒有依循慣例了，柴可夫斯基將古典形式的二、四樂章對調，原本該慢的第二樂章跑到最後面去了，該快的第四樂章則變到前面。樂曲一開始先由低音提琴及低音管奏出沈思和嘆息似的陰鬱序奏，接著湧出焦躁的第一主題與感傷的第二主題，然後再發展出更多的煩悶和苦惱。第二樂章是以俄國民謠旋律為基調的優雅快板，似乎在回憶中有著無限的甜蜜辛酸，愉快和痛苦的感觸在此相混。第三樂章為全曲最潑辣戲謔的部份，戰鬥似的進行曲主題，好像是痛苦心事爆發時的激烈疾呼。哀歌的慢板第四樂章，則超脫了一般交響曲的壯麗終曲，把人生所有的絕望、傷慟、哀怨等負面情緒，在此一股腦兒的傾訴出來，陣陣哀鳴、啜泣後，於沈靜嘆息中結束全曲。 柴可夫斯基對第六號交響曲的完成十分滿意，他在一八九三年八月快完成時給友人的信中提到：「我肯定的認為它是我所有作品中最出色的，而且是最真摯的。我對它的喜愛，勝過自己的其他任何音樂作品。」一八九三年十月十六日，這首新作由作曲者本人指揮在聖彼得堡首演，無奈聽眾理解力不夠，演出反應只是差強人意而已。九天後，柴可夫斯基即溘然辭世，難道，《悲愴》交響曲真的是柴可夫斯基的催命符嗎？ （本文節錄自「音樂史上最偉大的三十首交響曲」，雙木林出版社） 推薦版本 : 柴可夫斯基：交響曲全集 / 慕提 (指揮) 愛樂管弦樂團 ; 費城管弦樂團 http://www.books.com.tw/CD/classical/media/0000011192.htm  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:08 |
| [#7227] 浪漫主義的先聲-白遼士:幻想交響曲 op.14a @ 風雲唱片 一位帶有病態感受性、想像力豐富而敏銳的青年藝術家，因為失戀而服下鴉片自殺。但因為劑量過少而未能致死，因此夢見一連串離奇且荒誕的夢幻場景。在這作品之中，他所瘋狂愛戀的一名女子，則是以一個旋律呈現。’ 在白遼士的幻想交響曲總譜開頭幾頁，充斥著諸如此類的介紹性文字，加上在每個樂章都不厭其煩地添加大量註解，在在說明他對當時劇團女演員史蜜森（Harriet Smithson）的熱烈情感。這一首管弦樂作曲技法與樂曲規模都超乎當時代人們想像的劃時代鉅作，是白遼士處於這樣原始而激烈的動機之下所譜寫的。白遼士把得不到史蜜森的所有反應，一股腦地灌入這闕作品裡，意外地在音樂史上留下不可磨滅的重大民Z。以音樂學者的角度來看，幻想交響曲在結構、和聲、旋律等方面都還有強化的空間，但是這種衝動的風格，卻給了後來的李斯特與華格納深遠影響，成為往後幅員遼闊之浪漫主義，最重要的導火線。 幻想交響曲共有五個樂章，每個樂章還有描寫意味強烈的標題，令人想到貝多芬的第六號交響曲《田園》: 第一樂章 夢、熱情 (Reveries - Passions) 第二樂章 舞會 (Un bal) 第三樂章 原野風光 (Scene aux champs) 第四樂章 走向斷頭台 (Marche au supplice) 第五樂章 魔鬼的晚會之夢－魔女的迴旋曲 (Songe d’une unit du Sabbat-Ronde du Sabbat) 這首將近五十分鐘長的交響曲，1830年由亞伯尼克(Francois Antoine Habeneck)在巴黎音樂學院的演奏會舉行世界首演。第一樂章描寫年輕的藝術家在還沒遇見愛人之前，內心所不安與憧憬的種種面象，在戲劇的興奮感之後，是宗教氣氛的寧靜收尾。第二樂章描寫年輕人在一場熱鬧的舞會中，遇見了他的愛人，他內心的激昂與圓舞曲的華麗結合在一起。第三樂章描寫年輕人在某個夏日黃昏，在原野上聆聽著牧童的笛聲，心裡則浮現出愛戀的不安與恐懼，剩下的孤獨與寂靜。第四樂章描寫年輕人殺了他的愛人，被判死刑而走向斷頭台。第五樂章描寫年輕人夢見自己的葬禮，葬禮上出現釵h妖魔鬼怪與令人毛骨悚然的魔女，而他的愛人也出現了，但氣質盡失，變成一名妓女，整個樂章在狂亂之中結束。 可以這麼說，這首彷彿全部處在夢境之中的幻想交響曲，白遼士把史蜜森當做最佳女主角。白遼士首創固定樂念，把女主角的形象化身為一條旋律，以各種不同的節奏與樂器變化隱身於五個樂章之中，這種作曲技法深深影響了後來的華格納。對一個人的純純愛戀，竟引發出音樂史上承先啟後的重要作品，這恐怕是白遼士事前完全沒有預想到的。 推薦版本 : 柯林．戴維斯爵士 (指揮) 倫敦交響樂團 很弔詭地，若要提起現今最具權威的白遼士作品指揮家，人們第一個想到的卻不是任何一位法國指揮家，而是印象中當代最具英國風格的柯林．戴維斯爵士。柯林．戴維斯爵士細膩多情的弦樂處理，向來是這位指揮能夠響譽樂壇的重要武器。仔細一看，釵h歌劇名盤，都是由柯林．戴維斯爵士指揮的，只可惜聲樂家向來在歌劇錄音中搶了指揮家的風采，以致柯林．戴維斯爵士在台灣市場始終缺乏了些明星味。 這套在LSO Live灌錄的白遼士幻想交響曲，可說是柯林．戴維斯爵士在成熟時期，對自己先前深受好評的白遼士錄音再做一次總檢視。他將心得最深的幾首曲子重新讀譜，與他合作最密切的倫敦交響樂團再次合作，縝密地把這首交響曲的所有細節再刻劃一次，優異的戲劇性無需多提，這張錄音更將柯林．戴維斯爵士通透的圓融感呈現出來。錄音師Tony Faulkner是TAS發燒盤的常客，他之前與柯林．戴維斯爵士合作的西貝流士錄音(BMG)之優異，一直是發燒友眼中的最愛，而也正是他，才能將柯林．戴維斯爵士深刻琢磨弦樂的細緻感一絲不漏地呈現出來。  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:10 |
| [#7228] 布拉姆斯：c小調第一號交響曲，Op.68 @ 風雲唱片 儘管生在浪漫風潮狂飆的年代，布拉姆斯一生卻謹守古典的傳統與編制，耗費心神於創作古典形式的交響曲上。布拉姆斯嘔心瀝血，耗費了21年構思醞釀，直至 43歲才完成的第一號交響曲，是古典音樂史上具有重量級地位的一闕作品。雖然指揮家畢羅譽稱此曲為「貝多芬的第十號交響曲」，但是這首布拉姆斯琢磨了二十幾年的交響曲，絕對不是「貝多芬精神的承繼」這麼一個簡單的觀點能夠打發的。事實上，布拉姆斯創作此曲的動機，是他在聆聽舒曼《曼弗雷德》序曲之後激盪不已的情緒所引發的。 就曲式結構方面來看，這首交響曲共有四個樂章： 第一樂章 近似如歌似的行板（Un poco sostenuto）－快板（Allegro) 第二樂章 持續的行板（Andante sostenuto) 第三樂章 溫雅而略快的稍快板（Un poco allegretto e grazioso） 第四樂章 慢板（Adagio）－稍快的快板（Piu andante）－不快而燦爛的快板（Allegro non troppo ma conbrio） 由充滿強烈悲劇感的第一樂章展開。布拉姆斯也對第一樂章著力最深，這段時間約十五分鐘的樂章，花了他自1855-1874年，將近二十年的時光，說是他錘鍊再三的作品並不為過。個性內斂深沉而堅毅的他並未將這樣戲劇性的情緒徹底爆發，而是選擇優雅的在第二樂章沉澱情緒，整理轉換心情再向上升騰，在第四樂章堂皇壯麗的終結。布拉姆斯將自己的滄桑，磨難與苦澀的愛戀，都在這闕曲子堨[以昇華到一個全新的境地。 此曲在1876年底首演，此曲沉鬱的北德性格，質樸的管絃樂法，整體起承轉合可說是已臻完美之境。面對著宣告「交響曲已死」說法甚囂塵上的年代，這絕對是浪漫樂派交響曲邁向巔峰的經典時刻。代表著德奧交響曲正統的傳承，莊嚴、悠然、壯麗、深沉，各種形容詞恐怕都不能精準地描繪這首曲子意境之高。以一首值得用一生的時間去聆聽的交響曲而言，布拉姆斯第一號交響曲的存在，可謂是歷經千錘百鍊的經典，人類音樂史上無庸置疑最偉大的資產之一。 http://www.books.com.tw/CD/classical/media/0000003929.htm  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:14 |
| [#7229] 海飛茲 - 柴可夫斯基的D大調小提琴協奏曲 (XRCD2) 海飛茲的演奏技巧已不需贅言，除了招牌曲「流浪者之歌」外，還收錄聖桑「哈巴奈拉舞曲」、「序曲與隨想輪旋曲」、蕭頌的「詩曲」、貝多芬「浪漫曲第一、二號」、布拉姆斯「匈牙利舞曲第七號」和瓦克斯曼「卡門幻想曲」。精彩到不行了！無論是演奏者還是曲子都是一等一的作品，不管從音樂層面來欣賞還是演奏層面來欣賞都是絕品！ 海飛茲的演奏技巧出神入化，可以細細的聽，不僅在最高處還能急轉直"上"，同時還可以在音階的最高處快速抖音而不破音，真的可稱的上是超技小提琴！ 小提琴神童 1901年，海菲茲生於俄國，他是猶太人的後裔。他一生活了八十六年，但卻有八十三年的時間是演奏小提琴，而且其中超過六十個年頭，他站在演奏舞台上，讓所有的樂迷們為之傾倒。 三歲的時候，海菲茲由父親啟蒙學習小提琴，身為交響樂團首席的海菲茲爸爸隨即發現，他的孩子對於小提琴的領力，就像是與生俱來的天賦一般，於是他將海菲茲轉給另一位教師馬爾金（Elias Malkin）。兩年之後，海菲茲才六歲，卻已經有演奏孟德爾頌小提琴協奏曲的能力了。馬爾金後來將海菲茲介紹給奧爾(Leopold Auer，他是俄國當時的小提琴教父)，奧爾聽後也將海菲茲視為不可多得的英才。於是在1910年，也就是當海菲茲九歲的時候，奧爾帶他進入聖彼得堡音樂院就讀，並親自指導他演奏小提琴。但是因為俄國排斥猶太人，外地的猶太小孩不能到俄國首都唸書，所以在音樂院院長葛拉茲諾夫(Glazunow)的協助之下，把海菲茲的爸爸也弄到音樂院裡，以便取得居留權。因此，海菲茲「父子」在音樂院裡卻成了「同學」。而且在以後的日子裡，海菲茲爸爸常常和海菲茲一起上課，甚至比海菲茲還要認真，把老師說的話一一記下來。海菲茲爸爸這些筆記，竟然就成了海菲茲日後練習小提琴的根據。可見，海菲茲爸爸在培育兒子方面確實投入不少心力。 嶄露頭角 1911年的四月，海菲茲在聖彼得堡舉行了數場演奏會，演奏曲目的難度之高，即使是小提琴老手也會為之頭痛，所以，當時的聽眾不免為這個才十歲的孩子擔心，就連奧爾也在後台緊張的走來走去。但是，不久之後大家即認為，這些同情都是多餘的。因為，海菲茲不僅毫不費力的克服了困難的樂段，音樂表現流暢，台風更是充滿自信。不但聽眾被他完美無瑕的技巧所折服，而且奧爾也被這個小徒弟的才華嚇到了，最後不得不服氣的說：「海菲茲做到了！」 隔年，奧爾送海菲茲到德國的柏林演奏，在鋼琴伴奏之下演出孟德爾頌的小提琴協奏曲。這一次登場造成轟動，樂評反應也很熱烈，而最令人津津樂道的是，據說克萊斯勒當時在台下聽完演奏之後便說：「我想我可以把自己的琴砸了！」而這場演奏也使得大師倪基希 (Arthur Nikisch)提出邀請，同年，海菲茲即在當地與柏林愛樂合作，在倪基希的指揮之下演出柴可夫斯基的小提琴協奏曲。 離開俄國，移居新大陸 1916 年，正是第一次世界大戰期間，蘇俄境內也爆發革命，奧爾帶著學生出走挪威避難，海菲茲和他的師兄希德(Toscha Seidel)一起搭檔演奏，令釵h挪威聽眾如癡如狂。然而，1917年，海菲茲第一次收到來自美國的邀請，從此以後改變了他的一生。他們一家坐火車穿越西伯利亞，經過千山萬水與重重艱難才抵達紐約。而就在這一年，海菲茲第一次在卡內基音樂廳登台，吸引了幾乎全美國最有名的小提琴家一起來參加這場音樂會。十七歲的海菲茲卻一點也不畏懼台下的眼光，把艱難的技巧玩弄在手掌之間，一時，這些所謂的小提琴大家們都被嚇得目瞪口呆。 而海菲茲輕易的征服美國樂壇，並且在往後的十年之內，除了克萊斯勒還保住他的地位之外，其他的人無不臣服在海菲茲的技巧之下，尤其是當時極受歡迎的艾爾曼(Mischa Elman)，個人聲望也因海菲茲而節節下滑。而想要超越海菲茲，雖然也成了後輩音樂家們努力的目標，但卻猶如緣木求魚一般的困難。 所向披靡，穩如泰山 海菲茲是屬於早慧型的天才音樂家，風格似乎很早就定型了。他演奏的時候，把小提琴拿的高高的，眼睛盯著手指頭，身體直直的站立，一動也不動，也從來沒有什麼花誇張的表情。他的速度總是比一般要快，而且快的很多，如果碰上技巧本來就相當艱難的樂曲，那麼就更令人嘆為觀止了。而演奏結束之後，儘管台下的聽眾歡聲雷動，他也是一樣不動聲色。難怪一般人對他的評語是：「他太酷了！」 海菲茲和一般講求「感性」的音樂家不同，他完全沒有個人的花巧。而且不僅他的演奏技術讓全世界著迷，他追求客觀、無暇的觀念，也為詮釋音樂的態度立下了一個新的典範。 無遠弗屆的聲名 海菲茲的名聲是在美國建立的，但是他的名氣卻幾乎傳遍了整個世界，而這主要是得力於他的錄音事業。他錄音的曲目非常寬廣，這也釧M他在二０年代中不斷擴充曲目有關。然而，在1934年前，他只錄簡短的小品，或者大作品的第一樂章，但是1934年之後，他便開始錄協奏曲和奏鳴曲了。1941開始，他更將興趣轉向室內樂，與不少有名的獨奏家們組成搭檔。其中有鋼琴家魯賓斯坦、大提琴家費勒曼，以及後來取代費勒曼的皮雅提高斯基(Piatigorsky)，都是固定和海菲茲一起演出的好伙伴。而事實上，皮雅提高斯基的演奏感情熱烈，和海菲茲的節制與冷酷是兩種極端的典型，但是他們卻合作愉快，是一種非常特別的融合典型。 音樂之外的海菲茲 海菲茲的偉大，除了天分與努力之外，他也付出了相當的代價。他有兩次婚姻，都是以離婚作為收場；雖然養育了三個孩子，卻沒有為他帶來太多家庭生活的樂趣。他的女兒Josepha Heifetz是一位作曲家、鋼琴家兼作家，她曾經表示，他們的家庭生活完全以海菲茲為中心，而且是冷漠、嚴肅的。她甚至必須事先預約，才能夠見到他的父母，而這種生活令人難以忍受，簡直就像一場惡夢！但是，家庭生活中也有美好的部分，那就是經常有偉大的音樂家來家裡作客。 雖然海菲茲的家居生活非常舒適，但是，他是位對自己非常小心的人，同樣的，他的生活形態也是如此。凡是參加過他的家庭聚會的人都知道，如果約好了是三點鐘見面，三點零一分的時候，大門就已經關上了，而且不論客人的身份如何高貴，只要是遲到，結果都是一樣不得其門而入。 然而，這樣一個對一切要求都很高的人，他內心的寂寞也是可想而知的！ 春風化雨，成效不彰 1962 年後，海菲茲抱著春風化雨的崇高心志，決定在南加大授課，只可惜卻沒有很好的效果。釵h人說，海菲茲的性格複雜、不易捉摸，而且他相當自負，缺乏與人溝通的技巧。他不但對學生的資格要求很高，教學也很嚴格。而因為自己在成名的過程中也是不斷苦練，所以他更督促學生要勤練不懈，尤其特別重視他們在音階和運弓等基本練習上所下的奶牷A為的就是要藉此達到追球技術紮實完美的目標。除此之外，在教學的過程中，海菲茲也會親自示範演奏，充分表現他在教學上熱情和專注的一面；但是，因為他不擅表達，解釋起來常詞不達意，所以學生也無從領會。所以，儘管海菲茲的嚴格是出於好意，但是他的高標準卻讓他的學生覺得吃不消，最後都一個一個的離開。十年之間，他收了一百五十位學生，但是最後卻沒有一個真正成了大器。所以，即使有釵h青年音樂家們都紛紛模仿海菲茲的演奏，甚至效法他所選用的小提琴配件，但是，他們都不是海菲茲的學生，海菲茲的風格也沒有真正傳承的弟子了。 但是，海菲茲的影響力，卻在現代的小提琴家身上繼續找到延續。正如小提琴家帕爾曼所說：「我把海菲茲當成『現代的小提琴技術之父』。不僅指演奏技術，還包括現代大師應有的風範。」海菲茲不僅只是自我表現，他還是一位影響力長久的、不朽的藝術家. Auer當年卻將柴可夫斯基小提琴協奏曲批評為粗暴的作品......當然之後Auer又改口說柴可夫斯基為小提琴協奏曲是部偉大的作品,並將部份樂段改為三度或六度的雙音,使之聽起來更輝煌! 而海飛茲更延續恩師Auer的作法,將部份樂段改為八度雙音演奏,音樂聽起來更加宏偉雄壯 海飛茲是世上公認本世紀最偉大的小提琴家，不單是他的技巧已達出神入化的境界，同時他的詮釋向來以明確流暢，不矯揉做作為其一慣風格。因此當時稱他這種樂風為「新即物主義」。其實海飛茲的內涵及對樂曲的深度又豈是任何流派所能侷限。布拉姆斯及柴可夫斯基的D大調小提琴協奏曲同為「四大小提琴協奏曲」，又大約在同時寫成，已成為小提琴演奏的重量級曲目。由萊納領導的芝加哥交響樂團的傾力烘托及路易士萊頓的錄音，堪稱最能清晰刻畫樂團氣勢和提琴松香味的代表作。 指揮: 萊納 樂團: 芝加哥交響樂團  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:17 |
| [#7230] 維瓦爾第：四季 (XRCD2) @ Yvonnetai (moninet BBS) 專輯名稱：維瓦爾第：四季/第3、4小提琴協奏曲(The Four Seasons/Concertos for 3 & 4 violins) 作曲: 維瓦爾弟 Vivaldi 演奏: 阿卡多 Salvatore Accardo 唱片公司: Philips 出版日期: September 1988 唱片編號: 422065 DDD/1CD http://bbs.moninet.com.tw/board/topic.cgi?forum=227&topic=531&show=25 總時長：63'57" 專輯介紹 《企鵝唱片指南》三星帶花名版。 又是一張一代名盤，四季必聽必搜的版本，阿卡多用四隻史特拉底名琴演奏四季，是發燒友必備的一張古典名盤。 阿卡多版的四季音色講究，悠揚，除第一小提琴之外，另一個角色起到了至關重要的作用——羽管鍵琴（布魯諾•卡尼諾），在釵h時候小提琴與羽管鍵琴處於平等的位置，個別樂句中它甚至單獨發揮作用。阿卡多版注重音色，這正迎合了“春”的詩句要求：阿卡多演奏速度偏慢，加之稍強的羽管鍵琴，使人感覺春意融融，暖風拂面；以G弦模擬鳥兒的叫聲靚麗悅耳。在“夏”的第一、二樂章和“秋”的第二樂章中，作為獨奏家的阿卡多顯示出了強勁的實力，他右手的運弓非常有力度。 英國版 企鵝三星帶花系列 (4220652) 維瓦第：《四季》小提琴協奏曲，「和諧的靈感」第十號B小調四把小提琴與大提琴、弦樂及數字低音協奏曲，F大調三把小提琴、弦樂以及數字低音協奏曲 ☉阿卡多(小提琴)卅那不勒斯音樂週獨奏家合奏團 (Naples International Music Week Soloists) 義大利小提琴家阿卡多三歲在父親的指導下開始接觸小提琴，先後跟隨阿斯圖呂克夫人與米爾斯坦等人學習，十三歲就能在舞台上演出帕格尼尼《二十四首隨想曲》。阿卡多在一九五八年得到日內瓦國際小提琴比賽首獎，同年又得到帕格尼尼小提琴大賽第一名，是第一位錄製帕格尼尼六首小提琴協奏曲的小提琴家。 這張阿卡多與那不勒斯音樂週獨奏家合奏團於一九八七在義大利克雷蒙納音樂節的演出實況錄音，是喜愛小提琴音樂樂迷的必備名盤，因為阿卡多在《四季》四個季節分別使用不同的史特拉第瓦里小提琴，帶給愛樂者欣賞各種不同名琴的難得機會。舉例來說：「春」使用的是一七一五年的「克雷蒙納」（Il Cremonese），它的特色是清脆的共鳴；「秋」使用的是一七一八年的「火鳥」（Firebird）雖然是因其紅色的外表得名，但是「秋」第一樂章的琶音也可以先識到它如火一般熾熱的音色。阿卡多的詮釋追求舊有學派的嚴謹，錄音效果具有現場演出所有的優點卻沒有現場演出的缺點 演奏家介紹 薩爾瓦多??•阿卡爾多 Salvatore Accardo (1941- ) 薩爾瓦多??•阿卡爾多是現代著名義大利小提琴家。六歲開始學小提琴，1958年參加了第四屆帕格尼尼國際小提琴比賽榮獲第一，從此一舉成名。此後在那不勒斯的聖•彼得音樂學院任教。他組織了都靈室內樂團並親任指揮。後在歐洲、美國、南非及遠東與世界馳名的交響樂團合作舉行音樂會。他的演奏輝煌而富有歌唱性，具有精湛的小提琴演奏技巧，感情豐富，有異乎尋常的音樂感，能使聽眾深深著迷。其拿手的演奏曲目是帕格尼尼的小提琴曲，以及巴赫、維瓦爾第與塔蒂尼等古典作曲家的作品，近年來他的演奏曲目不斷擴大。是當前世界上最活躍的小提琴家之一。  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:20 |
| [#7231] 充滿田園詩情畫意的佳作 - 舒伯特第十三鋼琴奏鳴曲@ Yvonnetai (moninet BBS) 解析Schubert: Piano Sonata No. 13 in A major, Op. 120 (D. 664) 如果一首完美的曲子，必須是簡潔、完成度高、包含所有音樂中的動人元素，而且特別是美麗動聽，那麼可別忘了舒伯特這首A大調第十三號奏鳴曲。短短的三個樂章，我們就可以聽到抒情、優雅、緊湊、與熱情，緊密巧妙地結合在一塊。鋼琴唱出抒情的第一主題開始，整個氣氛都出現了。單純動人的主題，由右手呈現，左手的伴奏，搭配的恰到好處。左手的琶音上下起伏，據說彈起來可不像聽起來那麼輕鬆愉快，而且，似乎影響了後來的布拉姆斯。以雙手八度音開始的展開部，給曲子帶來小小的高潮。李希特的速度彈的比一般慢，譜上標記的是中快板(Allegro moderato)，他彈成快中板。此外，他除了反覆呈示部之外，展開部與再現部也反覆一次。儘管如此，能夠聆聽如此美麗的音樂，聽再多次反覆，我們也不會抱怨的。 第二樂章行板，大調的主題由沉重的重奏連音音型所組成，不是幸福，不是甜美，反而比較像是純真，原始，帶有憧憬，但同時又讓人聯想到死與少女的不安。轉調發展之後，主題第二次出現時，凌駕在左手分解和絃的伴奏之上，彷彿要展翅高飛似的，不過略為激昂的心情很快就和緩下來了。這裡李希特處理的真是精美(大約三分四十五秒附近)，淡淡的，釋懷地，轉入主題第三次出現，這個時候，左右手不再是第一次的重奏，也不是分解和絃的伴奏，彷彿還未恢復過來似地不協調的卡農。最後一次主題出現，飛翔的夢似乎在夢境中實現了。有時覺得，舒伯特大概是所謂New Age的先驅吧，他的慢板樂章，總是那麼寧靜，孤芳自賞，帶有濃濃的大自然氣息。 第三樂章快板，鋼琴在抒情的第一主題與激昂的第二主題之間穿插。熱情的樂段，讓我聯想到貝多芬，彷彿要一股腦地把所有的不安與困擾一掃而空的氣魄。李希特很成它a作到不同強弱與速度之間的對比，怎不令人讚嘆這是現場錄音！ 李希特這首奏鳴曲的錄音，至少有四次。我手邊有一九七九年分別在東京(Olympia OCD 288)以及倫敦的演奏實況(BBC BBCL-4010-2)。基本上，兩次演出的詮釋方式是相同的，唯一的差別是，由JVC發行的Olympia版的錄音效果略勝一籌。  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:22 |
| [#7232] 艾爾加作品精選輯 - 謎主題變奏曲、威風凜凜進行曲@ Yvonnetai (moninet BBS) Track 1-15 艾爾加：謎主題變奏曲 Variations on an Original Theme “Enigma” 由此看《謎主題變奏曲》的傑出表現，雖是他自身能力水到渠成的一種展現，實際來看，樂曲更是暗示出艾爾加本身如藝術家似的孤獨情感。這首著名的音樂畫像，音樂中描繪了十三位艾爾加的好友，更在終樂章中描繪了自身的畫像，這樣的謎語展現了雙重的意義，一是在樂曲演奏的過程中，微微顯露出的另一個大主題的進行（孤寂的自身），而且對謎的猜測也像是作曲家的「憂鬱的話語」，最後突顯出自己的簽名，一種強而有力的完美終曲。每段變奏都是由多個饒富意味的英文字母組成，背後描述的卻是作曲家生命中與親人摯友間一段段令人動容的情感，宛如一部雋永摯性的生活散文，讓音符乘載了更多人間珍貴的情感。 Track 16-20 艾爾加：威風凜凜進行曲 Pomp and Circumstance Marches (1-5), Opus 39 英倫地區自十六世紀以降，文學巨匠備出，詩人雲集。其中莎士比亞堪稱開山祖師，他的三十多部劇作洞悉人性百態，為偉大的文化遺產。至十九世紀，華茲華斯、拜倫、濟慈等偉大詩人相繼領軍，成就更是非凡。只是，當英國文學家在世界文壇打下一片天時，於音樂上卻讓歐陸韓德爾、孟德爾頌二人的領風騷近百年，本土音樂家反之毫無建樹，直到艾爾加的出現，才讓向來自傲的英國人在音樂天際重新看到一線希望。 艾爾加在1897年首度展現他掌握節慶氣氛的作曲手法，成布陘k皇創作「帝國進行曲」（Imperial March）之後，便開始計畫創作一組大型進行曲。他並借用沙士比亞四大悲劇之一「奧賽羅」（Oth#llo）第三幕第三場景的著名台詞「威風凜凜」（Pomp and Circumstance）為標題。最後，艾爾加總寫了五首「威風凜凜」進行曲。其中以第一號最著名。 由於艾爾加才在1899年完成一部重量級作品「謎之變奏曲」，因而曾有人批評這第一號「威風凜凜」創作水平偏低，但艾爾加回應指出，「我知道有很多人喜歡在慶典時使用音樂，而這首樂曲正是獻給他們的作品」。果然，百年以來，這庶民風格強烈、精彩而熱鬧的「第一號威風凜凜進行曲」一直是艾爾加最受歡迎、也是最偉大的作品。 Track 21-23 E小調小夜曲 (艾爾加) 有關小夜曲，在此引用一段來自西元1794 年維也納《劇院年鑑》的文獻記載，「在夏天，幾乎每天的任何時間都可以在街頭碰到演奏小夜曲的人。有吉他與曼陀林伴奏的歌曲、也有管樂或弦樂的合奏，有時候是一整個交響樂團。再也沒有比這些社交音樂會更能顯示，維也納普遍而令人嘆為觀止的偉大音樂熱潮了。比如說，不論多晚，只要有人想演奏小夜曲，數分鐘之內，演奏家們立即就會被熱情的聽眾包圍，甚至於演奏完畢之後，還沉醉在美好的音樂裡遲遲不肯離去。」 英文裡的小夜曲serenade，它的字源有著沉靜、安詳的意思。一般我們熟悉的小夜曲作品譬如柴可夫斯基與德弗札克的小夜曲，都是柔美寧靜的音樂。其實艾爾加也創作了一首《E小調小夜曲》 (Serenade in E minor, op.20)，這是1892年的夏天，艾爾加與他妻子好友，兩家人計畫去德國渡假探險前完成的作品，同樣也是曲風輕柔、抒情的小夜曲。完成之後，便成為艾爾加自己最喜愛也最滿意的作品。 今天就跟大家分享英國指揮家約翰•巴畢羅里(Sir John Barbirolli,1899~1970)指揮倫敦小交響樂團(Sinfonia of London)演奏艾爾加《E小調小夜曲》。巴畢羅里年輕時候是位優秀的大提琴獨奏家，對於弦樂器有深刻的認識，因此在他指揮的時候特別留意弦樂的效果，於是也擁有了「巴畢羅里之聲」(Barbirolli’s Sound)的稱號，而他灌錄的英國作曲家弦樂作品是值得好好欣賞的，喜愛弦樂之美的朋友們不妨多留意巴比羅里的錄音。 本片是企鵝三星評鑑的名盤, 巴畢羅里指揮英國愛樂者樂團卻是面面俱圓, 既有英倫陰柔的風格, 又無失去巴畢羅里的精確而濃列的弦樂造句, 速度偏快而生動, 令聽者精神奕奕 、 無可匹敵的柔情、 絲絲入扣,真正扣人心弦的魅力. http://bbs.moninet.com.tw/board/topic.cgi?forum=227&topic=424&show=25  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:25 |
| [#7233] Gershwin Piano Solo @ Yvonnetai (moninet BBS) 交 響 樂 ？ 爵 士 樂 ？ 藍色狂想曲的創生與意義 誧々慦漲a位雖然並非從《藍色狂想曲》的推出而奠立，但是《藍色狂想曲》將他的創作生涯再度推上高峰倒是毫無疑間的事…… 今天說起誧々憛A您會先想到他的哪一部作品？是《波奇與貝絲》，還是《一個美國人在巴黎》呢？不論您先想到何者，事實上，誧々撜怢膆N表性的曲目是《藍色狂想曲》。對於這個答案或雪|有釵h人持不同意見，但是目前誧々慦漣@品錄音之中，版本最多的就是《藍色狂想曲》，在筆者整理的清單中數目高達80種，而且還有釵h漏網之魚未被列入。如果《藍色狂想曲》不夠Popular，那麼為何會有如此多的錄音版本呢？ 貧瘠的美國音樂 說到誧々憛A就不能不說說美國的音樂史。如同眾所知的一樣，美國雖然是數一數二的強國，但是一說到歷史文化，那就只能算是弱小國家了。自從美國獨立之後，是以英國居民為主，再加上來自歐洲各地的移民融合在一起，成為名符其實的民族融爐。在音樂上，很自然的受到來自歐洲主流派的影響，因此雖然政治上獨立於歐洲，但是音樂上卻仍然是殖民地。在梅森（Lowell Mason）於1832年創立了波士頓音樂學院之後，美國人開始真正致力於找出屬於美國人開始真正致力於找出屬於美國自已音樂屬性。到了十九世紀初，出現了五位重要的作曲家，他們就是亨利部]Anthony Philips Heinrich, 1781-1861）、弗瑞（William Henry Fry, 1813-1864）、布里斯托（George Frederic Bristow, 1825-1898）、高夏克（Louis Moreau Gottschalk, 1826-1864），以及大名鼎鼎的佛斯特（Stephen Foster, 1826-1864）。弗瑞雖然首創了美國的大歌劇《蕾奧娜拉》（Leonara），但是仍然明顯的受到董尼才第與貝里尼等人的影響。高夏克與佛斯特則充分的融入了美國的民謠色彩，無論是黑人或民歌都被引用在作品之中。這五人是美國的第一代重要的作曲家。 那麼接著就是誧々憭s了罷？還沒，這五人之後出現了所謂的美國第二派音樂家，代表人物為查德維克（George Whitefield Chadwick, 1854-1931）與麥克杜威（Edward A. MacDowell, 1861-1909）。這兩人將浪漫派的樂風融入自已的作品之中，特別在晚期已經明顯的排拒了德國音樂的影響。 《藍色狂想曲》的出現 1898年出生的誧々撋L疑是個極具天份的作曲家。在1900年前後，紐約開始流行起一種新的音樂風格，這種音樂風相當具有特色，複合了猶太、黑人、歐洲移民、美國民歌的音樂要素而互相同化而形成，並進而影響了百老匯的喜劇演出。誧々憳K是這種風格的佼佼者，尤其在去世前兩年所做的《乞丐與蕩婦》（Porgy and Bess）更是登峰造極之作。美國人對百老匯劇的演出具有無比狂熱的熱情，因為這種風格實際說來已經可經可以屬於真正的「美國產品」，具有美國風格。但是美國人還少了用「美國語言」譜成的交響樂曲呢？因此美國人一直引頸企盼出現一首具有美國風格的交響樂曲，即使是管弦樂曲或協奏曲都可以。在這種背景下，《藍色狂想曲》是因應誕生的最後產物。其實說起來也實在很諷刺，因為誧々憒b此前所寫的一直都是流行音樂，不然就是吵吵鬧鬧的歌舞劇，但是他卻寫出真正了具有美國風味的管弦樂曲。當時正處盛年的美作曲家還有柯普蘭（Aaron Copland）與艾伍士（Charles Ives），但是他們卻都著重於個人色彩，要不就是深入哲學意境，對寫淺薄簡單的旋律反而興趣缺缺。 《藍色狂想曲》的委託創作者是有「爵士樂之王」之稱的保羅．懷特曼（Paul Whiteman, 1890-1967）。懷特曼比誧々憭j八歲，兩人有著很好的交情。懷特曼出身正統音樂界，但是後來卻致力於爵士樂的發展。他一直希望的發展。他一直希望創造出「交響式的爵士樂」（Hybrid Symphonic Jazz），但卻一直未能如願，越搞越大的樂團，雖然能創造出巨大的聲響與熱鬧的氣氛，但是距離「交響化」還是有很大的距離。1924年，懷特曼來找已經在百老匯炙手可熱的誧々憛A告訴他的理想是如何如何。誧々憭]推託不得，於是只好答應下來。誧々憟物銗k想，什麼才是真正的「美國風格」呢？誧々憪鋮茼菑w的哥哥艾拉（Ira Gershvin）研究，於是便以幾個迷人的旋律作為主題，然後開始了創作的過程。此時的誧々憟縝b波士頓試演新完成的音樂劇作品，於是只得往來於波士頓與紐約之間。報社從側面得知懷特曼委託誧々憪@曲之事，於是便在報紙上大肆報導，讓誧々撜こP壓力。在往來於波士頓的火車上，誧々撟鵀髡捲ㄔ秅F釵h靈感，並在三週後將之完成。 1924年2月12日，保羅．懷特曼在紐約伊俄里安音樂廳（Aeolian Hall）舉行了演奏會，並將《藍色狂想曲》在演奏會中舉行首演，由誧々敹辿蛨嵽蘄W奏，懷特曼擔任樂團指揮。鑒於當時誧々慦熔惘W，釵h偉的大的當代音樂人物都到場聆聽這首交響化的爵士樂，包括小提琴家海飛茲（Jascha Heifetz）、艾爾曼（Mischa Elman）、克萊斯勒（Fritz Kreisler）、作曲家拉赫曼尼諾夫（Sergui Rachmaninov）、史特拉汶斯基（Igor Stravinsky）、指揮家史托考夫斯基（Leopold Stokowski）、孟根堡（Willem Mengelberg）等人皆為座上客。此後《藍色狂想曲》的盛名不逕而走，成為美國管弦樂中最重要的一首作品。 稱不上嚴謹的經典之作 在二十世紀初的美國，爵士樂被視為是商業音樂，不僅一般大眾如此想，誧々憭H也抱著同樣的看法。但是懷特曼的看法並非如此，他認為爵士樂是美國足以傲世的偉大產物，真正代曲家往爵士樂方面尋找出路也是一件很自然的事。誧々憡過正統的音樂訓練，以自已敏銳的音樂嗅覺，並在爵士樂的成分之外，還加入繁音（Ragtime）與藍調（Blues）的成分在其中，從而創造出這首曠世作品。其實《藍色狂想曲》為何不稱為《憂鬱狂想曲》或《藍調狂想曲》呢？若由「Rapsody in Blue」這個名稱來看，其實三種名稱都可以，不過筆者認為是《憂鬱狂想曲》比較貼切曲意。當然，若要把《藍色狂想曲》拿來與同時期的歐洲重要作品相比，是明顯的在重量質量上都要遜色釵h，但是有益輕鬆迷人的旋律方面，的確是部擲地有聲的重量級作品。嚴格說起來，幾個主要的旋律是靠鋼琴的裝飾奏與獨立表現串聯起來，因此在結構上其實是相當虛弱的。對此曲極為喜愛的指揮家兼鋼琴家伯恩斯坦便認為此曲有如麵粉攪水，只是將散亂的樂念糊在一起而成。但是同時他也認為作曲與寫旋律是兩碼子事，這個看法實在是相當正確的。最後附帶一提的是當時誧々撠ㄓF鋼琴部分之外，管弦樂伴奏是為了配合懷特曼的爵士團而寫。今天我們所聽到的管弦樂團演出版本，是由葛羅菲（Ferde Grofe, 1892-1972）改寫。而原來的爵士樂版則存於華盛頓國家圖書管，未曾付梓印行。 儘管《藍色狂想曲》（Rhapsody in Blue）是誧々慦爾g典代表作，而誧々憭S是美國現代作曲家中的重要人物之一，但是，對釵h食古不化的古典樂迷（包括筆者在內）來說，這種包?媯菪j典外衣骨子裡卻充滿爵士味兒的曲子，一時之間是很難去接受的。不過，誧々憟H身為一位通俗音樂作者，為當時美國本土（二○年代）流行的黑人歌曲──Blues的旋律與節奏，賦予古典樣式之一的狂想曲形式，結合成爵士樂提到藝術的水準，其成就與地位是無庸置疑的。 自由隨性的狂想曲 被定義為爵士交響樂的《藍色狂想曲》，在誧々慦漲w排下，充分利用爵士音樂的特色，即強多變的節奏與狂野感性的裝飾奏，特別是源自黑人音樂的藍調（Blues），其狂放直接的曲調與特有的繁音拍子，在此表露無遺。所謂繁音拍子（Ragtime），是爵士音樂的一種特殊節奏，最主要的特徵是運用切法（註）來移轉拍子強弱的位置，將原本應為的弱拍變為加強的地方，進而改變節奏的規律性。因此，在《藍色狂想曲》裡，隨處可見切分音被大量的使用。至於，在借用古典形式的狂想曲上，由於狂想是一種構造自由，且無固定曲式的短曲，而這樣的特性正符合爵士音樂不受約束的發展，所以，打從樂曲一開始，依序出現的主題，在毫無章法的循環安排與速度的自由運用下，藉由四段鋼琴Solo的串接，便併貼出整首曲子的風貌了！此外，在樂器編制上的豐富多元，以及使用弱音器來改變色等作法，更是在其他管弦樂曲中難以得見。 1. Jasbo Brown's Blues [From Porgy and Bess] 2. Rhapsody in Blue (日劇交響情人夢片尾曲) 3. Man I Love 4. I'll Build a Stairway to Paradise 5. 'S Wonderful 6. I Got Rhythm 7. Do It Again 8. Clap Yo' Hands 9. Oh, Lady Be Good 10. Fascinating Rhythm 11. Somebody Loves Me 12. My One and Only 13. That Certain Feeling 14. Swanee 15. Sweet and Low Down 16. Nobody But You 17. Strike Up the Band 18. Who Cares? 19. Do Do Do 20. Liza (All the Clouds'll Roll Away) http://bbs.moninet.com.tw/board/topic.cgi?forum=227&topic=633&show=50 Frank Braley Harmonia Mundi HMC901883  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:30 |
| [#7234] 拉赫曼尼諾夫鋼琴改編曲(Ashkenazy)@Yvonnetai (moninet BBS) 阿胥肯納吉所詮釋的拉赫曼尼諾夫作品倍受尊崇，不僅出版過拉赫曼尼諾夫的主要鋼琴作品全集（Decca 455 234—2 企鵝唱片評鑑三星帶花），更擔任拉赫曼尼諾夫協會的主席。此為大師加盟DECCA三十餘年來，首度錄製拉赫曼尼諾夫改編的鋼琴作品，而大師之妻與其子也參與其中六手聯彈與四手聯彈的作品。拉赫曼尼諾夫除了改編自己的作品，更有釵h古典名曲的改編。別緻的內容，絕對是所有鋼琴迷、拉赫曼尼諾夫迷與阿胥肯納吉迷必備的專集。2002, 11月出版 俄羅斯著名作曲家拉赫曼尼諾夫生平喜歡改編其他作曲家的管弦樂及小提琴作品. 每首改編曲除有原曲的精髓, 亦滲入了拉氏十九世紀末的俄式獨有的浪漫曲風, 美不勝枚. 鋼琴改編曲收集巴哈無伴奏小提琴組曲, 舒伯特的冬之旅, 孟德爾遜仲夏夜之夢的詼諧曲, 比才阿萊城組曲小曲., 穆諾索夫斯基‘哈柏’, 卡莎哥夫的名作大黃蜂飛行, 柴可夫斯基的搖籃曲, 克箂斯納的愛的喜悅及愛的憂愁, 拉赫曼尼諾夫本人的作品 六首音詩、華爾玆, 浪漫曲 (改編其名作第二鋼琴協奏曲著名的第二章), 意式波爾卡舞曲, 約翰史密夫的名作 – 星條旗下 (現成美國國歌). 1937 年 7 月 6 日，阿胥肯納吉出生於俄國高爾基，父親是位雜耍鋼琴師，具有極優秀的即興演奏能力。母親則對他寵愛有加，覺得他頗具音樂天賦，在他四歲時便延請老師為其啟蒙。 7 歲時他已經可以上台演奏海頓的鋼琴協奏曲。二次大戰爆發時，他們被迫過著顛沛流離的生活，雖然受限於整個大環境的不利因素，但母親總是設法維持他的音樂學習。兒時受到父母無限的關愛與自己的苦學，奠定了他日後發展的雄厚根基。他曾獲 1955 年的第五屆「蕭邦鋼琴大賽」第 2 名、 1956 年的「伊莉莎白皇后大賽」首獎及 1962 年的「柴可夫斯基大賽」冠軍。目前他則身兼柏林電台交響樂團首席指揮，倫敦皇家管弦樂團音樂總監與克利夫蘭主要客席指揮。身為一位傑出的鋼琴家與世界知名樂團的指揮，阿胥肯納吉的音樂總是能迅速擄獲人心，帶給聆賞者極大的震撼。他所灌錄的的曲目極多，在鋼琴作品方面他已完成了巴托克、貝多芬、莫札特、普羅可菲夫及拉赫曼尼諾夫的鋼琴協奏曲全集、全套的蕭邦鋼琴獨奏作品及舒曼的大部份作品。指揮的作品更是廣泛，從貝多芬到二十世紀的作品均有涉獵。他與 DECCA 唱片公司自 1963 年合作至今，多方面的藝術才華以及眾多的錄音作品成就了阿胥肯納吉今日的大師地位。他不但是笛卡唱片公司的重要瑰寶，更是全球樂迷最鍾愛的音樂寶庫 http://bbs.moninet.com.tw/board/topic.cgi?forum=227&topic=540&show=50  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:33 |
| [#7235] 貝多芬《第四交響曲》Carlos Kleiber @Yvonnetai (moninet BBS) 在小克萊伯所有的錄音中，ORFEO公司發行的為追悼卡爾-伯姆(Karl Bohm)而演出的貝多芬《第四交響曲》的現場音樂會無疑是他本人最滿意的。他認為巴伐利亞國立管弦樂團很好地表現了他想要的東西，並且認定此生不可能再超越。這場音樂會，小克萊伯將貝多芬交響曲中黑暗到光明對比的幅度和神秘的緊張感都刻畫得淋漓盡致。音樂會結束時熱烈的返場掌聲超過了3分鐘，成為佳話。 http://bbs.moninet.com.tw/board/topic.cgi?forum=227&topic=401&show=50  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:36 |
| [#7236] Carlos Kleiber 貝多芬第五、七交響曲@Yvonnetai (moninet BBS) 貝多芬這兩部作品的錄音多如牛毛，小克萊伯對“貝五”嶄新的處理對這部作品的詮釋達到了一個新的高度。這套唱片史上最暢銷的錄音幾乎成了貝多芬這兩部作品完美演繹的代表了。在“貝五”中那強勁的衝擊力和細緻柔和的處理都是令人屏息的；而《第七交響曲》中那酒神的氣質非小克萊伯莫屬。強烈的節奏、鮮明的戲劇性，難怪有人說這部作品幾乎是為小克萊伯量身定制的。這張唱片獲得包括《日本唱片藝術》、《企鵝唱片指南三星帶花》、《留聲機》等權威評論的一面倒的最高讚譽。 http://bbs.moninet.com.tw/board/topic.cgi?forum=227&topic=401&show=50  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:37 |
| [#7237] Carlos Kleiber 布拉姆斯《第四交響曲》@Yvonnetai (moninet BBS) 小克萊伯對布拉姆斯《第四交響曲》的深刻理解和驚人的音樂表現力成為這部作品的典範。那份蕭瑟的愁緒很少有人能表達得比他更深邃，而自然流淌的樂思和細膩的情緒以及作品後部堅毅的熱情都賦予這部作品無可取代的成就。 http://bbs.moninet.com.tw/board/topic.cgi?forum=227&topic=401&show=50  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:39 |
| [#7238] Carlos Kleiber 貝多芬第七交響曲 @Yvonnetai (moninet BBS) 指揮: 卡洛斯-克萊伯 (Carlos Kleiber) 樂團: 德國巴伐利亞國立管弦樂團 除了指揮皇帝卡拉揚在歐美受人尊祟外, 還有哪位很屌的指揮家能有此能耐? 有哪位指揮家錄音極少卻羸盡芵日美歐的樂評及樂迷一片喝彩? 有哪位指揮家敢大刺刺的說: 「我不愛工作, 討厭錄音, 只愛在陽光海灘下與美女造愛.」….他是誰? 不就是天才指揮家 - 卡洛斯-克萊伯 (Carlos Kleiber)! 一位連卡拉揚亦親自發邀請函,請他參加薩爾玆堡音樂節的天才, 卻是生性低調龜毛, 只喜長年隱居德國巴伐利亞州南部森林的別墅中度日, 只有雪櫃?堛滬鼓咻Y得七七八八(引述自卡拉揚與小卡洛斯-克萊伯的對話), 他才出山參加音樂會和參與商業錄音掙錢!! 這張首次發行的SACD記錄了這個傳奇性的1982年的現場音樂會, 同場演奏有貝多芬第四及第七交響曲, 但此SACD只有貝多芬第七交響曲. 和多年前的那版《貝多芬第四》一樣，最後收錄下了來自觀眾席的掌聲和歡呼聲。可能是由於當時那場音樂會的主題是悼念一代指揮大師伯姆 (Karl Bohm)，所以觀眾在最後的音符落定之後顯得很斯文，但數秒鐘後鋪天誚a的歡呼聲突然不絕於耳地迴響起來。我更願意相信，起初那一9那的沉寂是因為很多人被小克萊伯的演奏驚呆了…… 有評論說道貝多芬的這個作品是因為小克萊巴的頻繁演出而發揚光大，其實不然。真正深入瞭解這部作品的人們會發現它的魅力甚至比貝多芬的英雄，命運都大。 小克萊巴的第七演奏一貫的風格是聲部平衡，弦弓犀利，抑揚頓挫。他的第七根本算不上是太快（拋開切利那種獨一無二的風格），比他快的大有人在，比如說納索斯出版的理查 施特勞斯指揮一款同名CD以及所謂最好的卡拉揚62年。 小克萊巴追求的是聲部的靈活多變，觀看他的DVD錄影就會發現他總是追求某個聲部的突然發聲以及戛然而止。 第七的木管組在第一樂章的悠揚在第二樂章末的急促在第三四樂章的風都被小克萊巴很好的把握住，和其他指揮相比較他對木管的處理更細緻。樂團重音踩的恰到好處，讓人不禁想跳舞。 小克萊巴還是對這個作品有著獨到見解的人之一。歷史上對第二樂章的處理有以富特為代表的一派還有以小克萊巴為代表的堅持小快板的一派。雖然貝多芬自己曾經懷疑過自己的憂鬱的小快板說明是否符合第二樂章的意境，但是當時的很多人已經認為採用小快板來演出的效果十分不錯。所以小克萊巴選擇這種速度，並且終生演出保持不變，我們可以體會到小克萊巴的用心良苦。 第二樂章最後部分小克萊巴沒有用注明"arco"而是採用撥弦的表現手法，這種手法也是在演出中仁者見仁智者見智。觀看小克萊巴的錄影，可以發現他對這幾個撥奏音符特便重視，我們不難體會到他想表現的那種心靈的震顫感覺。（巧合的是他的父親也是採用的撥奏） 這張CD的出版，看來是迄今為止長度最短的SACD，但是因為主人公是小克萊巴自然會有筆者一類的大批小克萊巴熱衷者買賬。看到介紹說小克萊巴患上了發行恐懼症，除了對這張碟的出版感到高興，還想起小克來把最後一次指揮第七後說的一句話“他們似乎不是太喜歡，我真遺憾！” 不清楚是奧菲歐公司生財有術抑或是談判合同的問題，他們沒有選擇將這個第七和業已出版的第四一起合集出版 註: 此曲第一樂章(開首)於1999年被著名香水品牌香奈兒(Chanel)作電視廣告曲 生平: 卡洛斯-克萊伯(Carlos Kleiber) 1930年7月3日出生在德國柏林，人稱小克萊伯。他是受人尊敬的偉大指揮家埃?塈J-克萊伯(Erich Kleiber)的兒子，他有一個姐姐名叫維羅尼卡，現居義大利。老克萊伯在1934年為抗議納粹政府禁止上演保羅-欣德米特的《畫家馬蒂斯》，從柏林移居阿根廷，並加入了阿根廷國籍。 小克萊伯在南美洲上了寄宿學校，最早接受的是英語教育。儘管他非常喜歡音樂並且顯示了很高的才華，但父親勸他不要在音樂方面謀求發展，並在公開場合反對兒子的選擇。大學期間，小克萊伯在瑞士主攻化學，但他的音樂才能沒有受到壓制。20多歲的時候，他正式選擇指揮作為自己的事業。1954年小克萊伯第一次登臺指揮，演出卡爾米洛克的輕歌劇“GASPARONE”，節目單上使用的是他的筆名，因為這樣會免去沾光父親之嫌。 小克萊伯的指揮才能在1956年老克萊伯去世後很快被人們認識。他先後在杜塞爾多夫的萊茵德意志劇院、斯圖加特的沃特堡國家劇院、慕尼克巴伐利亞國家歌劇院以及維也納國家歌劇院工作。但是從1973年開始他就沒有擔任過常任的指揮職務，只擔任客座指揮。 1980年小克萊伯在倫敦科文特花園指揮《奧賽羅》，由多明戈扮演“摩爾人”。當時，劇院的經理Bram Gay這樣評價克萊伯：“我從沒見到過誰對作品有如此深的研究。我們這?媞t出了很多次《奧賽羅》，但很少有指揮告訴我們要留意莎士比亞的臺詞，因為這對於威爾第的創作非常重要。”小克萊伯對於歌詞的嚴格要求給多明戈以深刻印象，他告訴《衛報》(1987，1月13日)的記者：“小克萊伯是一個有魔力的指揮，他對樂譜的研究如此深刻，到了可以通過樂譜發現所有的戲劇和音樂的感覺的水平，所有作曲家的想像似乎都在他的掌握中……音樂生活中沒有比與他一起排練更好的事情了，你可以學到那麼多的東西。” 巔峰在美國成就 小克萊伯在美國首次亮相是1978年10月指揮芝加哥交響樂團，這是他惟一同意指揮的美國樂團。WALL STREET雜誌在1983年小克萊伯再次來到芝加哥(1983年1月17日)說：“小克萊伯的演出使作品在清晰方面沒有特別的方式，而只是用陳述來製作每一個瞬間……他的指揮讓所有著名的音樂產生新鮮感覺，就像它們是新作品一樣。”他大多數的指揮活動是在歌劇院，但是世界各地的樂團都渴望與他簽約。儘管他拒絕了大多數這類請求，他還是同意在芝加哥指揮，因為樂團中的一位高級官員與他私交很好。 經過大都會管理層10年的努力，小克萊伯終於在1988年1月走上了紐約大都會歌劇院的舞臺指揮《波西米亞人》。他不像其他的指揮家要求新的製作，他的排練完全是針對音樂的。《鄉村之聲》 (1988年2月9日)評價說：“他給予了《波西米亞人》一個清晰的、有力的和可愛的演繹，可與1945年托斯卡尼尼的廣播演出媲美。”他最後一次在大都會演出是1990年9月指揮《玫瑰騎士》。 作為一個有世界聲望的指揮家，小克萊伯實際的演出曲目並不多。他指揮的歌劇只有十多出品，沒有莫札特的作品，瓦格納的只有過《特?奡筒Z和伊索爾德》，威爾第的僅有《茶花女》和《奧賽羅》。指揮貝爾格的現代歌劇《沃采克》使得貝爾格的遺贏鴾p克萊伯的指揮非常滿意，她把貝爾格身前的大衣和結婚戒指都送給他作為紀念品。1975年錄製的貝多芬《第五交響曲》給小克萊伯帶來了世界範圍的聲望。對於這個錄音，米切爾-瓦爾士在《泰晤士報》上(1983年6月13日)說：“他的演出展示了歐基米德命題式的清晰，錘子砸下的劇烈。人們像發現新大陸一樣歡呼，更確切地說，是一個把作曲家譜寫在紙上的東西的再創造。好像荷馬轉世，再次為我們朗誦《伊?堥?德》。”小克萊伯在1989年和1992年的維也納新年音樂會執棒並灌錄成唱片。此後，他的錄音計畫都沒有具體實施。 怪脾氣創造音樂魔術 小克萊伯永遠不宣佈他將要指揮什麼，直到他到達排練現場前。樂團的日程表，只是簡單地寫明：節目正在安排中。在此之上，他要求音樂方面的絕對權力。他不僅會命令與他合作的所有人，而且如果事情不按照他的路數走，可能會馬上離開。1970年代，他曾計畫與義大利鋼琴家米開朗傑?媬?製貝多芬的《第五鋼琴協奏曲》，兩人在音樂會上有很好的合作，但在錄音室出現了麻煩。蒙特卡羅歌劇院的指揮、EMI唱片公司的製作人John Mordler回憶說：“錄音前，大提琴首席問米開郎傑?堙A你喜歡什麼速度？話音剛落，只見小克萊伯走了出去。等到這個突然事件結束的時候，他已經坐上了去慕尼克的飛機。” 評論家一直在努力分析小克萊伯讓人難以捉摸的個性，但是都得不到確切結論。小克萊伯經常會寫一些注釋送給歌唱家和演奏家給予提示。他不像一個態度嚴肅的人那樣打拍子，一些樂隊演奏員發現他的揮棒技術含糊而且困難，但是效果有驚人的活力和自發性。哈威-薩赫在《亞特蘭大》雜誌上(1988年2月)說：“小克萊伯的音樂製作經常被描寫成狂想曲或者富有酒神意味，他真的把他的樂手帶到自我放縱的邊緣。努力去實現所有作品細節，然後再努力地刪除所有的約束痕跡。……有時，在演出的狂熱中，小克萊伯也失去了自我控制，達到了興奮之極的邊緣。” 小克萊伯只在他喜歡的時候指揮。他從來不接受採訪，並禁止與其合作的公司出版他的傳記資訊。小克萊伯對新聞媒體的沈默和蔑視的原因在於，他對把自己與父親對比表示反感。與卡拉揚這樣的指揮不同，小克萊伯對於自己在公眾面前演出魅力的多寡並不太關心，他更喜歡在慕尼克郊外的家中呆著，那?埵酗j量的書和唱片，他有一兒 (Marko)一女(Lillian)，都居住在慕尼克。卡拉揚曾經告訴英國作家理查-奧斯伯恩：“他是一個我認為最值得敬佩的人。”多明戈說道：“他最後的六年一直在重新研究歌劇，學習更多的交響樂。我打電話給他說，‘CARLOS我們希望你出來，到華盛頓來。’可他說音樂會現在離他太遠了……” 小克萊伯不可思議的性格是他的藝術的一個重要元素。按照威爾-克魯切菲爾德的說法：“演奏者好像在與他的接觸中感覺到了直率和脆弱，我們可以在演奏中聽到它。”《觀察家》曾評論說：“當他走上舞臺，看起來很笨拙，好像為來到這?埵蚢D歉。但是一旦他舉起指揮棒，所有的懷疑都遠去了，接著音樂的魔術就開始了。 貝多芬第七交響曲賞析 『人』與『自然』的關係是一個重要的生命價值觀；在東方思想價值體系中，人與自然往往是一種『人企圖溶入自然』的關係；最明顯的就是華人文化中的『逍遙』傾向。另一方面，在西方思想價值體系中，『自然』往往意謂著一個有位格的上帝 ── 一個獨立自主的個體，容酗H與之進行對話與爭辯的上帝；於是，人與自然的關係往往帶出一種『人與自然對話』的特色。 從這樣的一個觀點做一個巨觀性的音樂欣賞：從貝多芬田園交響曲呈現的『人與自然對話』風貌開始，到了第七交響曲，貝多芬進一步把『自然』這個主體更人性化，『自然』並不是獨立超脫的看待人生，而是有情感、有個性的參與進人生。 貝多芬的第七交響曲被稱為是『舞蹈的音樂』，在這首交響曲中貝多芬仍然描述了自然風光的企盼，然而他與這個『自然』的關係卻更深入的人性對話，造成貝多芬更以人性角度看到『自然』──在田園交響曲，還可以勉強地說貝多芬釵h樂段是使用旁觀大自然的超脫心情來看待『自然』；但是在這首第七交響曲，貝多芬不再旁觀、超脫，讓『自然』沾滿了貝多芬自己獨有的感情，而與貝多芬積極的對話，積極的情感交流。 在貝多芬第七交響曲第一樂章開頭冗長的序奏中，我們便注意到貝多芬音樂心靈深處與自然對話的衝動。音樂一開始，便以木管樂器暗藏著玄機。在音樂範例中，正是第一樂章剛開始前30秒。這 30秒的序奏以雙簧管為主體，以四個二分音符的簡單旋律不停的綿延發展這條序奏主旋律。但是這個序奏事實上是一個卡農型式的作曲方法，雙簧管引出四個二分音符後，6.2秒時單簧管承接這個主題，17.6秒後法國號承接這個主題，25.1秒時輪到低音管承接這個主題。如此一個複雜的結構後，一陣管弦樂強音合奏，帶出長笛所演奏出來的主題，這個主題就是音樂範例一開始的旋律。這種由管弦樂合奏帶出長笛的風格重覆呈現一次後，從1分01秒開始轉成長笛加雙簧管與弦樂的『對唱』，從而引出1分28.5秒處由長笛獨奏的第一樂章之第一主題。 我們很容易聽出，這個第一主題是由一開始的序奏主題所演變的。若說第一主題是活潑的精靈，那麼序奏主題可以說是沉睡的精靈吧？ 我個人以為本樂章精彩之處正是樂章中轉小調的一段音樂範例。這段音樂是在這個『奏鳴曲式』樂章的『再現部』。從7.1秒開始就己經把第一主題轉成小調來呈現，12.2秒處更是發展成一個哀怨動人的小調主題。先由雙簧管演出，然後是長笛，到了單簧管這種『憂鬱性格的樂器』手下，18.5秒開始這段主題更令人覺得如泣如訴。與低音管對話後這個小調主題依次從單簧管、雙簧管到長笛，接手到小提琴後沒一會兒就又回到舞蹈式的第一主題風格(35秒處)。 換句話說，在這個第一樂章中，貝多芬一直使用木管樂器帶出他想要表達的情緒：從閒適的序奏主題，到舞蹈式的第一主題，到困頓的小調主題，木管樂器以最多樣的表情，訴說了貝多芬與自然的對話。 第七交響曲的第二樂章被我在『賦格曲』一文中拿來當貝多芬中期作品心靈的範例，這個樂章真的是完全符合『卻彷彿是狂歡後的寂寞與悲涼』這樣的形容。第二樂章一開始是由中提琴、大提琴與低音提琴合奏出『寂寞』的第一主題，然後如音樂範例呈現的，第二小提琴接下這個『寂寞』主題，由中提琴與大提琴合奏出一個『悲涼』的對位主題。再接下去，如音樂範例呈現的，第一小提琴承接『寂寞』主題而第二小提琴承接『悲涼』主題。 為什麼一個是『寂寞』另一個是『悲涼』呢？『寂寞』主題使用單純的節奏，近乎同名音持續反覆，再加上旋律本身的小調性格，聽起來真的就是一種『寂寞』的感覺。同樣的，『悲涼』的對位主題之所以悲涼，因為該旋律的第一個音符與第二個音符是半音階，這半音階特性徹底使用在旋律的後半部，也就是音樂範例第21.3秒開始的第一個音符與第二個音符，為了半音階特性還加以臨時轉調一時延續到29.5，一直是這種轉調與半音階的特性。小調轉小調與半音階旋律是很容易產生『悲涼』感受的作曲方法。 但是，指揮家的詮釋也很重要。在本段音樂的指揮家貝姆，他使用的速度非常慢，而且加上釵h彈性速度：例如音樂範例 15.8秒起『悲涼』對位主題的音符變多，貝姆為了加強每一個音符的重量感，很明顯的速度放慢來強調每一個音符。於是這樣的詮釋聽起來便有非常強烈的情感蔓延。 經過平和的中間樂段後，『悲涼』對位主題以十六分之一音符切細後無窮無盡的蔓延，『寂寞』第一主題的音符不再以同名音反覆，轉以上行音階的風格呈現，再加上一個新添附屬對位主題進行高低音符的跳躍，而形成這個樂章極美的一個賦格樂段。音樂範例是本賦格樂段的後半，『悲涼』主題被切細成十六分之一音符後，不再一味陷溺在半音階，音樂範例一開始甚至因為脫離了半音階風格，『悲涼』主題發展至此己經不再悲涼，竟因為十六分之一音符不斷的持續而產生『堅毅前進』的感受，於是發展到32.7處的樂團合奏，長笛以最大的音量帶領所有的木管樂器強烈的演奏出變形的『悲涼』對位主題來呼應弦樂部還原的『寂寞』第一主題。這樣的感覺不再是暗自憐傷，而是有一種英雄式的悲壯感了。 比起樂章開始的樂團合奏樂段，因為『悲涼』對位主題是由第一小提琴在高低音之間跳躍呈現原貌，所以該樂段自我陷溺成強烈悲涼感非常強烈。而在本段賦格樂段中，透過一開始賦格曲式的變形，整個情緒就轉變成英雄悲壯的情懷了。 這樣的主觀感受嘗試以上述的客觀舉證，不知道能不能引起你的共鳴？ 第四樂章被稱為『酒神式的狂舞』，在我們看來卻是『自然』的人性化到了極致。在強烈的兩個節奏後，音樂範例呈現了快速音符起伏的第一主題，這個由第一小提琴主演的旋律本身充滿了『酒神狂舞』的氣氛。但是在貝多芬音樂的結構中，我們更需要注意的是伴隨第一主題出現的，由木管聲部合奏的副主題，這個副主題在樂章中段出現的賦格樂段佔了非常重要的角色。在一陣激烈合奏之後，10秒起帶出這個輪旋曲式樂章的Ｂ段部分。這裡順便簡介一下『輪旋曲式』，它的基本結構是『Ａ－Ｂ－Ａ－Ｃ－Ａ－Ｂ－Ａ－結尾』，第一主題便是Ａ部分。Ｂ段開始把主題使用一如第一樂章一般輕快的田園風格呈現出樂念，隨後以狂暴的合奏結束，回到Ａ段。這時木管的副主題逐漸在第一主題的壓抑中掙脫出來，成為Ｃ段賦格樂段的主角。最後，在本樂章的結尾樂段，貝多芬驅使第一小提琴與第二小提琴依次交互競奏第一主題(27秒處)，如綻放光輝；低音大提琴執著演奏賦格樂段的副主題(第9秒開始)，無比莊嚴而憂鬱；兩者交織形成本樂章最精彩的高潮。 在這樣的樂章中，『酒神的狂舞』固然是第一主題的中心樂思，但是副主題在賦格樂段與結尾樂段的低音部之憂鬱，與這個中心樂思強烈的對話。Ｂ樂段是如此的追尋『人與自然合一』的田園逍遙，但是貝多芬無法與自然合一，再怎麼樣的狂舞，最後總是把自然人性化之後與之激烈對話；所以貝多芬對Ｂ樂段的依戀總是一瞥而過，他仍然把『自然』人性化成那個充滿莊嚴憂鬱的賦格副主題。酒神之狂舞只能伴隨著人性化後的自然，而無法伴隨著逍遙的自然。 於是從田園交響曲到第七交響曲，貝多芬曾在一時間期待從素樸的田園風光寄託個人心靈；不與自然爭辯的閒適心情或野i以成為貝多芬的歸宿，但是貝多芬主動的放棄。他無法不進行對話，他總是向一個看不見的超越者爭辯，所以他的音樂總是忍不住要進行激烈的人性對話，對話，對話。他仍然寄情於大自然，但是一個期待能對話的大自然，卻往往遙指一位與人類同行的上帝。 面對一個能與人對話的自然，或酗~是貝多芬音樂充滿激烈情感的原因吧！ http://bbs.moninet.com.tw/board/topic.cgi?forum=227&topic=401&show=50  |
george1977 正式會員 58.xxx.xxx.189 |
2007-10-23 10:43 |
