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| [#8782] 肯普夫與俄羅斯鋼琴學派"佼佼者"--李希特 Part2 ..........(繼續嬝) 李希特一直被愛樂者朋友們認為是最尊重原譜的鋼琴家,原因是在於他在事業的後半期都是帶著樂譜與他一起演出.但是如果有人認為李希特早年的貝多芬奏鳴曲的演奏也是尊重原譜的話,老實講,我不會認為那是一個正確的理論. 其中,很明顯的一點問題就是李希特在釵h樂曲裡用了大量的彈性速度,使得作品出現了極度不穩定的狀態,熱情奏鳴曲的第一樂章就是一個很好的例子. 從第14到15小節,51到56小節,78到92小節,然後在218到228小節,在這些樂句裡,李希特基本上都是由慢速到突然的快速,或者再是由快速到慢速,使人覺得樂句與樂句間的連慣性根本不存在.這是李希特在早年時演奏的熱情奏鳴曲最大的敗筆之處,也是讓釵h人百思不解的地方.我在上一段有提到李希特給我的”壓抑”感其實有一大部份就是來自於速度上的極端變化.我是不認為貝多芬的鋼琴奏鳴曲是須要像蕭邦的鋼琴作品運用到大量的彈性速度.不過,我在猜想的是,李希特很有可能以此來發揮俄派鋼琴家們所特有的戲劇性效果. 當然,這也只是我個人純粹猜想而已. 在末樂章的表現,李希特的彈奏其實氣勢相當浩大也具有極端的壓迫感.我很少在鋼琴家上運用到”壓迫感’這一詞,可是李希特在這裡的演奏確實是如此.他的演奏充滿著力道以及速度,很能夠滿足釵h樂迷們在感官上的刺激,由其是在後半段的Presto之處,他更是表現出他巨大的能量,這也是釵h樂迷們所追求的. 可是在我們聽到他用如此”誇張”的演奏手法去詮釋眾多貝多芬奏鳴曲的時候,我們是不是也因為這樣而失去了樂曲本身的涵意與精神呢? *李希特--＞＞肯普夫 肯普夫在氣勢上絕對不及李希特,這點應該是可以被肯定的,但是我們所聽到的是更多靈巧的詮釋與平滑的觸鍵.在我看來,肯普夫是一位頭腦相當清楚的鋼琴家, 他能夠理解到樂曲與作曲家本身的意圖,或者是作曲家本身的特質.肯普夫不是那種你給他樂譜開演奏會,他就會彈一大堆作品的鋼琴家,這我在之前有說過,他對於自我認知的感覺很強烈,所以才把自己的曲目範圍減小.,到了晚年的演奏,更是只有貝多芬,莫扎特,布拉姆斯,舒曼以及舒伯特而已 (還有一部份的巴哈). 肯普夫漫長的九十七年歲月中,他其實錄過了三次貝多芬奏鳴曲全集.第一次並不是DG 50年代的單聲道版,而是在1920s-1940年之間為舊Polydor公司所錄製的全集唱片錄音,但有些人說這份錄音肯普夫少錄了幾首.就我目前的收藏來講,肯普夫是有幾首沒有錄製,可是幾部重要的,有代表性的奏鳴曲,肯普夫基本上都有錄製.第二次的版本應該是為大家所熟悉的DG-1950s的單聲道錄音版,這份錄音一直是被釵h愛樂朋友認為是他最完善的一份演出,其技巧以及修養都在頂鋒時期.最後一次錄製是在1960s,這份錄音是立體聲版,鋼琴音色相當的清晰透明,只是肯普夫的技巧大為衰退,使得此全集錄音失去一些”精準”度. -技巧 我們其他的不多說,直接先來分析這兩位鋼琴家的不同. 李希特一直被認為是俄派鋼琴技巧派的佼佼者之一,我雖然覺得這樣子認定似乎有失妥當性,但也無法否認他多年以來在技巧上的磨練.不過,說句老實話,李希特的鋼琴技巧其實並不高,這在他演奏熱情奏鳴曲的終樂章裡,我們可以聽到他不穩定的手指與莫名的快速 (快速的演奏以及大量的踏板運用常常可以掩誘漇的破綻,有學過鋼琴的人應該都知道這一點) ,這就是最好的證明.說他是一位技巧大師,他在這部奏鳴曲裡所演奏的錯音卻又比一般的鋼琴家還要多出釵h (找一下所福羅尼斯基在同時代的現場版錄音就知道了). 在我看來,李希特的技巧缺點在部份演出裡可以找到他的不穩定性,這打壞了他在現場演奏會的表演質量.至於肯普夫,他從青年時代起就不是以一個炫技鋼琴家的身份聞名的,取而代之的是他個人的修養以及人文精神,這在那個充滿浪漫主義年代的鋼琴家裡是相當罕見的.從另一方面來看,我們要挑肯普夫的錯音並不是一件難事.基本上,對音感有些熟悉的朋友,便能很輕易的從肯普夫的演奏裡抓出為數不少的錯音.但我之前有說過,肯普夫的鋼琴技巧並沒有問題,這是在指他手指的獨立性.肯普夫有的是十隻具有相當獨立性質的手指,他能夠將樂曲的聲部與對比之間的差別很完整的表現出來,這也是讓他成為與眾不同的原因.有關這點,我們可能無法從熱情奏鳴曲裡真正的體會到他的手指獨立性,但若是在漢馬克拉維奏鳴曲的終樂章或是第三十一號奏鳴曲的復格曲,聽者不難發現到肯普夫手指頭的獨立性,由其是在這種多聲部的鋼琴作品裡更能表現出來.李希特有著靈活快速的手指可以用感官上的刺激來尋求觀眾的注意力,可是他沒有像肯普夫那樣子獨立的手指頭.我反而認為,李希特的技巧要是一碰上多聲部的鋼琴作品,他的破綻很容易就會顯示出來. 我們回頭看看李希特所演奏的熱情奏鳴曲的終樂章.我們在他快速的手指頭裡聽到了他極不穩定的手指,其中包括左手音階與琶音的不穩定,我個人很主觀的認為, 李希特是因為理解自己的手指頭上有不穩定的現象,才將此樂章用急板去演奏.要不然,貝多芬所標示的”Allegro ma non troppo” (不太快的快板) 也是白標了.講到手指的不穩定,李希特其實在莫扎特的鋼琴奏鳴曲裡也有更多的不穩定的成份,因為莫扎特的奏鳴曲其實講究的就是十手指的配合度與默契,李希特顯然是有他自己的手指問題.這種違反樂譜標記的例子其實不只一兩個,蕭邦升C小調練習曲Op.10-4,因為他的快速,使得樂句根本不清楚,無法理解到為何李希特用了快速來取代原速可有的清晰?唯一的解釋就是他手指的獨立性與穩定性是完全不合格的. 這樣的解釋可能會遭到非議,但是為何一位自稱是”很尊重原譜演奏”的鋼琴家,會用”違反原譜”標記的速度與樂曲架構去演奏? 這本身就不合邏輯,完全是一個前後矛盾的說法.肯普夫從來沒有過Horowitz or Volodos等超技名家的技巧,但是他換來的是手指的穩定與獨立,這在詮釋貝多芬奏鳴曲集裡,其實也是相當重要的一環.我覺得貝多芬奏鳴曲不應該只是用來尋求手指的快速與氣勢上的感官刺激而已,而是要用更細膩的技巧去詮釋整部作品. http://blog.roodo.com/wallaceandclassicalm/archives/5992753.html  |
george1977 正式會員222.xxx.xxx.52 |
2008-07-19 22:37 | |
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| [#8783] 霍洛維茲1986年在列寧格勒 以前在買一張唱片之前,都一定會左思右想,看曲目,看錄音,甚至有一陣子還龜毛到連封面也要看. 不過我在買唱片的時候,只有三個人是例外,那就是肯普夫,費雪以及霍洛維茲. 這三個人,其中或釩e面兩個的風格還比較接近,可是別忘了,肯普夫還彈了不少的蕭邦跟李斯特. 我到是沒注意到費雪有彈什麼蕭邦或李斯特的大作品,光是這點,我就會亂把肯普夫打上"浪漫主義"的標籤. 可是,我又從另一個角度來想,肯普夫又何嘗不是浪漫主義者? 從他自己的作品,詮釋風格以及鋼琴改編曲來看,肯普夫的確是個浪漫主義者. 可是他的浪漫又與霍洛 維茲有所不同. 霍洛維茲的浪漫是戲劇性的,是讓你從頭到尾都會像是被他的音樂電擊一樣. 又或者,他的音樂有種特別的魔力,那種"浪漫"卻又不是我們三言兩語能夠道出的,除非是真正聽過他的音樂的人才知道. 至於肯普夫,他的浪漫是舒緩怡人的,你在他的音樂裡聽不到戲劇性的處理手法,可是你還是能輕易的指出: " 這就是浪漫主義". 我這次討論的這張是由加拿大小廠PALEXA所發行的霍洛維茲1986年在列寧格勒的現場錄音. 這時的霍老雖然已經八十有三了,但是他的曲目仍有不少大部頭作品,像是舒曼的克萊斯勒魂, 李斯特的佩托拉克短詩還有蕭邦的英雄波蘭舞曲. 當然,他也是不忘要插進一些小曲,像是史卡拉第的奏鳴曲,拉赫曼尼諾夫兩首較短小的前奏曲,蕭邦兩首馬祖卡舞曲,舒曼的夢幻曲以及拉赫曼尼諾夫的義大利波卡舞曲. 霍洛維茲的晚期演奏,他的價值不是在他詮釋了哪些大曲或是他又彈了哪些炫技的作品,反而是他彈了哪些小品. 我們縱觀霍老一生來看,他的演奏會是不乏小曲的存在,而大曲有時候甚至只是拿來被當作一種襯托而已,這是有別於其他鋼琴家一些的有趣現象. 我自己是認為,在小曲的表演裡我們才能聽到鋼琴家最細膩的演出,也能聽到最完美的詮釋. 因為這不像大曲,聽眾可能會在聽大曲時因為某個樂段而忘記去聆聽另外一個樂段. 相反的,小曲的演奏反而更能夠讓聽眾從頭到尾聚精會神的聽完. 霍洛維茲最珍貴的價值是在於他能夠在這些小曲子裡做出最微妙的變化,像是音色的變化,速度的變化或是到整體處理的變化等等. 這是在那些偉大鋼琴家裡面,相當難能可貴的一個現象. 最好的證明就是當他在這場音樂會上所詮釋的馬祖卡舞曲不僅僅是在音色上的變化,就連在節奏上的彈性速度也是讓人耳目一新的. 這場音樂會的曲目跟那場在莫斯科的現場稍有重復,可是他兩場音樂的演奏風格卻大不相同. 莫斯科那場音樂會顯得較為內斂,而列寧格勒這場音樂會卻顯得格外的開放, 若是到了錄音室裡,霍老想必又是用了另一種截然不同的風格去詮釋. 霍洛維茲在這場音樂會裡,錯音還是百出,甚至在李斯特的短詩裡以及舒曼的克萊斯勒魂的錯音多到讓人頭皮發麻,可是他卻有魅力能夠讓聽眾聚精會神的聽下去. 我想,這個可能除了他之外,並沒有其他的鋼琴家能夠像他一樣達到這種感受. 從另一個角度來講,霍洛維茲幾乎在他的一輩子的現場音樂會裡完全不缺乏錯音,1953年退隱前的現場,1965年的卡基現場, 1975年的rediscover系列到這場列寧格勒的現場錄音,我們都能夠輕易的聽到他彈的錯音. 這四場音樂會僅僅是我認為他比較重要的現場錄音,其他的林林總總音樂會我就不再多提了. 有人可能會問彈錯音不就是技巧不足嗎? 其實,技巧的好壞與否跟彈錯音並沒有太多的關連,因為在現場錄音裡彈錯音的偉大鋼琴家比比皆是,並不是只有霍洛維茲一人,像是李希特和基利爾斯在音樂會裡的錯音也是一籮筐,甚至也常有出現失控的情形,至於魯賓斯坦和肯普夫的現場錄音的錯音更是不必我們多說了. 其實,霍洛維茲的晚期錄音早就不在乎錯音的多少了,而是強調的韻味. 至於他彈的那些錯音,就留給那些最最挑剔的音樂評論家或愛好者們去評吧. 曲目: 史卡拉第: 三首奏鳴曲, L.33, L.23, L.224 舒曼: 克萊斯勒魂 拉赫曼尼諾夫: 前奏曲 Op.32-5, Op.32-12 李斯特: 第104號佩托拉克的短詩 蕭邦: 馬祖卡兩首, Op.17-4, Op.7-3. "英雄"波蘭舞曲 舒曼:夢幻曲 莫斯柯夫斯基: Etincelles Op.36 拉赫曼尼諾夫: 義大利波卡舞曲 時間/ 1986年四月二十七日 Palexa CD-0536 http://blog.roodo.com/wallaceandclassicalm/archives/5690415.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-19 22:41 |
| [#8784] 朱里尼的馬勒第九與舒伯特第八號交響曲 Conductor：Carlo Maria Giulini Orchestra：Chicago Symphony Orchestra Label：Deutsche Grammophon Originals Catalogue Number：463609 Number of Discs：2CD Balance Engineer：Volker Martin, Klaus Behrens(Mahler Sym. No.9); Jobst Eberhardt(Schubert Sym. No.8) Recorded：Chicago, Medinah Temple; 4.1976 (Mahler Sym. No.9); Chicago, Orchestra Hall; 3.1978 (Schubert Sym. No.8) Times：here 十年前封棒的朱里尼，已經沒有新唱片問世了。就馬勒而言，朱老只有錄過第一、第九與大地之歌這三部作品而已，其中第九號是令我最無法忘懷的。朱里尼錄音的範圍其實是相當狹小的，他曾表示對沒感覺的作品他是從來都不沾邊的，至於這幾部有錄音的作品，則是反復斟酌精心排練，直到胸有成竹才會決定錄音的。這張 DG發行的朱里尼指揮芝加哥交響樂團的版本，就算已經重發為大花版，依然要價兩張中價位五百多塊。 朱里尼年輕時曾批評馬勒與布魯克納的音樂大而無當，沒什麼內涵可言，主題到發展部就成了碎片，他無法指揮。沒想到1971年後卻開始指揮起來，還獲得「布魯克納協會」的黃金勳章。後來朱里尼表示是他自己當初瞎了眼，至於何以突然領悟，朱老卻說這就像愛情一樣，是無法用言語形容的。 XD 當年這張錄音的出現朱里尼足足花了十五個小時進行排練。他說：「可不能像演奏布拉姆斯那樣來表現馬勒，首先要把音符搞正確，然後再努力理解概念。馬勒的作品要求一種特殊的聲音、情緒與結構，樂團必須理解這點，並使之成為演出的第二天性，使之成為好比軀體的器官一樣。」 聽來似乎莫名其妙，然而卻是直指馬勒詮釋的關鍵。太多馬勒作品詮釋者搞不清楚這點，高潮來了就開始狂催猛催，卻忽略到馬勒音樂中特殊的音響性。朱里尼用極慢的速度推進，雖是1976年的錄音，弦樂卻極為飽滿，宛如室內樂一般。芝加哥交響樂團雖然銅管水準極高，朱老卻相當克制，管樂各聲部相當均衡的出現。然而芝加哥交響樂團那種咄咄逼人的氣勢依然猶在，銅管與木管步步逼近，效果十足。 這張唱片有著龐大的溫暖與骨架，而且情感毫無疑問是極為真摯的。第一樂章無疑是非常精彩的鉅作，高潮處銅管排山倒海而來，特別值得注意的是精緻的平衡與細節。低音弦盡情放肆，鐘聲迴盪在音樂廳中，整個樂章被包圍在廣大的情感之中。 第二樂章亦步亦趨，低音弦率直的奏出充滿色彩的前奏，定音鼓搥擊在最脆弱的地方，彷彿在訴說著命運的無情。朱里尼刻意強調從Tempo I的蘭德勒舞曲到Tempo II的華爾滋舞曲，而且情感越來越強烈，效果令人印象深刻。 第三樂章則略嫌濫情，因為速度實在太慢了，卻也達到了似乎痛苦的作嘔一般的效果。朱里尼相當沈迷於其中，讓這個令人深思熟慮的樂章非常宏偉，甚至有一種尖叫的味道。有樂評稱朱里尼的這個樂章似乎在休息，是將原本應該呈現的金色與藍色替代成灰色與褐色，這是相當有趣的。 第四樂章頂點處有著令人震驚的精神暴力風格，歌唱性卻也極高，似乎是在聽著義大利的抒情詠嘆調。聲音極為高雅、率直，具有相當的說服力。不是極度悲傷的淒慘，而是深沈的悔恨，朱里尼以禁慾的風格讓最後的樂章呈現極為莊嚴的味道。不同於傳統演奏第四樂章的風格，豐富而多樣性的音色讓這個樂章聽來十分美麗。 有異於大多數的版本，朱里尼這張第九號交響曲相當意識到弦樂的比例，其輪廓與揉弦音色突出，並製造出一種深沈嘆氣的效果，這是其他版本聽不到的現象。慢速的緩步趨移中，聽到整個樂團的掙扎，直到趨於寧靜，獨奏段落盪氣迴腸。唯一的遺憾就是因慢速犧牲掉馬勒音樂中另一份該有的激情，此也為馬勒音樂中的兩難全。錄音也略嫌乾澀，根據有聽過LP的朋友表示，這張錄音經由大花版重新轉製後，已經成旦L濾掉釵h外來的雜訊，然而在某些樂段依然會聽到奇怪的聲音。但整體而言DG已經算是成左滷N整個莊嚴的演出由LP轉錄成CD了。 補白的舒伯特第八號交響曲寧靜恬澹，音色柔美，並使兩個樂章之間製造出一種不可思議的連結。第一樂章在龐大的架構下，產生了猶如輓歌一般的厭世味道。第二樂章則是宛如水面般的平穩，幅度遼闊，感人至深。某些樂評甚至還稱此演出為小型的馬勒，這無疑是這首曲子最精彩的版本之一。 這張唱片亦獲得日本唱片大獎、法國ACC大獎、蒙特婁國際唱片獎、國際唱片批評家獎。企鵝評鑑則嫌速度太慢、過度雕琢，只給了兩顆星；不過企鵝評鑑的觀點常常跟朱老唱反調，頗受好評的布魯克納第九號也被評為不具說服力，只有一顆半。因此企鵝的觀點作為參考即可。 http://rachsu.lenhost.info/reviews/Giulini_Mahler_Symphony_9/Giulini_Mahler_Symphony_9.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-19 23:03 |
| [#8785] 孟根堡的貝多芬交響曲全集 Conductor：Willem Mengelberg Orchestra：Concertgebouw Orchestra Performers：To Van Der Sluys, Suze Luger, Louis Van Tulder, Willem Ravelli, Amsterdam Toonkunst Choir, Royal Oratorio Society Label：Philips Catalogue Number：468 530-2 Number of Discs：5CD Balance Engineer：unknown Recorded：All Live in Amsterdam; 14.Apr.1940 (Sym. No.1); 21.Apr.1940 (Sym. No.2); 11.Nov.1940 (Sym. No.3); 25.Apr.1940 (Sym. No.4); 18.Apr.1940 (Sym. No.5); 21.Apr.1940 (Sym. No.6); 21.Apr.1940 (Sym. No.7); 18.Apr.1940 (Sym. No.8); 2.Mai 1940 (Sym. No.9) Times：here 孟根堡可以說是二十世紀最具爭議性的指揮之一，不管是在音樂上或政治上。二次大戰期間因為捲入了納粹對猶太人的壓迫，例如對猶太籍音樂家的遺棄不管，放任納粹捕殺等。因而被視為是納粹的合作者，在1945年戰後從荷蘭被流放到瑞士，並於1951年飢寒交迫地去世了，在這段期間雖然有幾次被允陬u暫的回到荷蘭，然而就算已經去世多年了，大多數的人甚至包括荷蘭人自己，都因其政治立場影響，而沒有給予其指揮藝術重視。直到近年來，孟根堡在藝術上的名聲才被找回，並給予應有的地位。 孟根堡於一九四零年中，在一年之內演出了整套的貝多芬交響曲全集，而且全部都是現場演出。從演出時間可以觀察到，當時應該是一系列的音樂會，因為除了第三號與第九號之外，所有的演出都集中在四月十四號到四月二十五號之間，而且第二號、第六號與第七號是同一場演出，還有第五號與第八號是同一場演出。因此這套全集可以說是完整的系列，而不是雜七雜八的大雜燴湊成一套全集。 唱片上寫了一個慶祝五十週年紀念限量版，卻沒說清楚是什麼事情五十週年，可見環球義大利版製作品質並不是很好。不過唱片內頁發行時間是2001年，而孟老剛好於1951年去世，因此這個五十週年應該是指孟根堡逝世五十週年。值得一提的是，可能因為錄音年代過於老舊，怕大部分的樂迷無法接受這些mono的錄音，因此Philips還特別將這套唱片重新以數位處理，並模擬成立體聲。雖說已經經過轉錄了，然而光芒四射的詮釋，並沒有因為試圖消除表面的雜音而受到影響。 比較其他貝多芬交響曲全集，以當年就任於柏林愛樂與音樂會堂的兩大天王－－福特萬格勒與孟根堡來看，兩人雖說都是以動態速度知名，然而兩人的特色卻有不同。如果說福特萬格勒是以瞬間加速讓人大呼過癮，孟根堡就是以緊急減速來讓人驚愕不已；福特萬格勒以銅管來拉大張力，孟根堡則以定音鼓刻意凸顯重點處。 第一號交響曲才在開始兩分鐘左右，孟老就給我們見識到了什麼是孟根堡的音樂，慢處故意放慢，快處特別加快，直到第一樂章結束之前，又玩了一次速度遊戲。第三樂章開頭那幾聲定音鼓可說是孟根堡的正字標記了，弦樂的效果使得音色較為清晰，尤其是在第四樂章更為明顯，儘管是mono錄音依然清楚，由此可見孟老的奶O了。 第二號交響曲依然使用定音鼓強調重音，而且並不是隨便猛敲的，而是在特定的關鍵處才加強。第一樂章結尾處再次向所有的聽者傳達了「這就是孟根堡！！」。第二與第三樂章極度展現了其極盡浪漫的詮釋手法。第四樂章開頭弦樂的效果緊湊至極，這種強烈個性派的演出，也可以說是時代性所造成的差異。 第三號交響曲受限於錄音，整首交響曲聽起來聲音都悶悶的。不論錄音的狀況，至少在詮釋上孟老是相當傑出的。整體呈現出了早期的貝多芬詮釋特色，英雄的形象是以逐漸塑造的方式呈現，重音的表現手法至今也無人能仿效。舉個例子，第一樂章大約十三分鐘左右，那個銅管的效果就可說是相當罕見的；第二樂章十二分鐘左右，加強的定音鼓；第三樂章法國號三重奏前的小停頓；第四樂章的轉調技巧，都可說是無與倫比的。 第四號交響曲本身的重點就是在定音鼓，因為貝多芬在這首交響曲中使用了突破性的手法來，也就是採用音量壓低的鼓聲進入再現部，而非以最強進入。大部分的指揮在此處都會因為克制不住而加大音量，讓之前灰暗氣氛的營造毀於一旦，孟根堡則更加克制鼓聲，然而卻在最恰當的地方更加加強了鼓聲，讓音樂的張力拉到最大。第三樂章三分五十秒左右的銅管滑音，以及最後幾秒的減速，更顯示了指揮與樂團極為強烈的個性。第四樂章刻意拉長的銅管讓樂段的過渡非常流暢，結尾極其燦爛華麗，樂團也熱情的給予回應。貝多芬第四號交響曲往往不受大多數樂迷的重視，然而殊不知這首交響曲的偉大，例如第一樂章開頭引子使用的手法，在音樂史上也只有布魯克納第六號交響曲也曾這樣使用過而已，更遑論這首交響曲對第五、六號交響曲的重大影響。這首曲子極其微妙的節奏變化，使孟根堡的詮釋手法更具有戲劇性，也將音樂中表現的愉悅心境展露無疑；無怪乎小克萊巴對這首交響曲也是情有獨鍾。孟根堡在這首交響曲中繼承了浪漫風潮的傳統，還能自創新意且無人能仿，本曲可謂整套全集中最值得推薦的曲目之一。 第五號交響曲孟根堡不但依舊採取以定音鼓加強重音，更透過強而有力的延長音，將第一樂章著名的節奏詮釋的極度狂暴。從頭到尾四個樂章中，驚人的銅管與弦樂展現了驚人的爆發力，聽來似乎充滿即興式的演出，其實是經過精密計算與辛勤排練的成果。若說福特萬格勒的第五號交響曲是在充滿懸疑的困境中勉力前進，孟根堡就是在黑暗中奮力恣意奔馳。特別的是，孟根堡在第三樂章有如酒醉一般的忽快忽慢，配上定音鼓的重音，直至連結第四樂章的橋段時，從未放鬆的鼓聲緊追在後，緊抓不放的節奏將張力拉到最大。而且有異於一般指揮家只會用弦樂去撐，孟根堡使用銅管讓張力再加倍。如果這時候以為進入第四樂章後就比較輕鬆，那就錯了，緊接而來的是逐漸的加速。雖說有些部份樂團有些明顯的出錯，然而卻依然無損於黃金般的見解。銅管與定音鼓分別猶如一把夾子與一隻槌子，將貝多芬C小調交響曲鍛造為千錘百鍊的不朽名演，直至最後一個音符。 第六號交響曲可以說再次展現了孟根堡的強烈個性，繼承上個世紀的演奏風格，伴隨而來卻又是能夠有自創新意卻又言之有物。刻意的停頓與瞬間加速減速，造成了第一樂章雖然速度偏快，卻又不會過於緊張，第二樂章卻又是如此從容不迫。第六號交響曲最忌諱就是在第一樂章因過快而影響後面的樂章，第二樂章會感覺過於冗長珊瞗A聽到更後面的樂章甚至會有筋疲力盡的感覺。當初貝多芬在創作這首曲子就是以和聲為出發點，而非以線條為出發點，因此偏慢的速度較能夠達到這種效果，例如華爾特、克倫培勒、阿胥肯納吉、貝姆等偉大版本正是如此。如此相較之下，孟根堡的奶O即在於此展露無疑，不需要整個降低速度就可以讓整首曲子寬闊愉悅，而不是緊張兮兮的。且孟根堡並不單純只是從渲染效果的角度出發，而是更加強整體樂曲的結構，然而超過半個世紀以來竟沒有其他指揮能做的到。例如第四樂章四分四十秒開始，也就是巨大的「最強音」爆發處，還有誰能達到這種境界呢？為了使結構穩固，孟根堡有小小的修改了配器，例如特意加強延長的銅管、弦樂的停頓及特別的定音鼓，這並非是建立在只是凸顯個人特色，而是要使本曲的和聲更加清晰，所以市面上有些偏快的其他版本需要稍微動過手腳正是為此。最後聽聽末樂章零分五十四秒處的轉折，這並非胡亂變速的，若沒有如此精準的控制，節奏怎麼可能還沒亂掉？這首第六號交響曲，可謂整套全集中最偉大的錄音。 第七號交響曲孟根堡建構了一個巨大的架構，並以無懼於一切的姿態邁開大步前進。不同於大多數指揮家對於第七號交響曲的掌握，孟老採取了大開大闔的手法放任音符流動，展現咄咄逼人的氣勢。其他指揮都是製造緊張氣氛，來呈現一種不安的摸索感覺，孟老則毫不猶豫的放出木管與定音鼓來探路，銅管部隊緊接在後。例如第一樂章的再現部與第三樂章，也閉X軟的地方速度放的極慢了，然而在節奏緊湊的樂段，孟根堡與音樂會堂卻從未猶豫。而在狂暴的第四樂章，有些指揮家在這裡採取了慢速，孟根堡則是依照貝多芬的標示「Allegro con brio」演出，其成果自是令人激賞。 第八號交響曲孟根堡用極為壓迫的氣勢開展，甚至某些部份不只特別加強定音鼓，還同時減速。孟根堡在前三個樂章的準備都是在替第四樂章鋪陳。值得一提的是，第四樂章大約零分四十四秒左右那個轉調，使用瞬間凝結的方式相當大膽，獲得的成果卻是讓聽眾更加注意末樂章的美妙。因為這個末樂章有相當複雜的奏鳴曲式，包含兩個發展部與兩個再現部，從第91小節的第一個發展部到第355節的第二個再現部為止，加強的重音得到了最大的張力，彈性速度得到了最大的呼吸。最後結尾的定音鼓，我想可能也是令人相當難忘的。 第九號交響曲不能免俗的，依然是整套貝多芬交響曲的完結，我們在此又得以一窺前一代浪漫派大師的風格。大多數的指揮遇到貝多芬第九號交響曲，面對的態度都是前三個樂章替第四樂章鋪陳，孟根堡也不例外，然而又盡力給予每個樂章足夠的呼吸。第一樂章的處理手法相當過人，主題開展極為壯闊華麗，甚至可說唯有福特萬格勒可匹敵，畢竟這種張力沒有幾個指揮辦得到。聽第一樂章的結尾手法，當然啦，相信一定也有釵h人會對其聲響效果大驚小怪。在第四樂章孟老展現出來的感官是相當融合的，而且令人吃驚。你很難不對他的指揮藝術與個人特質專注，光是開頭那幾分鐘，就可以聽出孟根堡指揮奶O之深奧，這種動態速度需要對音樂的細節極為小心，而孟老處理手法之精緻可謂用心良苦，例如六分十五秒處其旋律的處理何其漂亮啊！！男低音的演出相當結實，就一個六十年前的錄音來說依然是輪廓分明。在十分五十秒左右那段留白，手法也是前無古人後無來者啊。雖是單聲道又是現場錄音，然而歌唱者與合唱團的水準卻不受到太多影響，我們還是可以聽出歌手們的精彩表現。最後兩分鐘前結尾處由慢速衝刺至急速，當大家都在興奮於貝多芬第九號的壯闊，並準備迎接其結束時，孟老卻在最後那一瞬間開了我們一個大玩笑，來了個緊急超級大煞車。無論我們對於這個結尾表示讚賞或相當有意見，這就是孟根堡。 這整套的演出是相當具有特色的，因為是不會有人像這樣子演出的：不斷的變換進行速度；過門頻繁的使用portamento，也就是從一個橋段流暢的轉進到另一個橋段；對於細節的專注更是令人難以相信。而且在這些錄音當中，孟根堡與音樂會堂卓越的展示了管絃的非凡技巧，雖然不是完全完美的，畢竟現場演出難免會有瑕疵，然而瑕不掩瑜，失誤並未掩輒o套錄音的輝煌。另一方面，我們也可以聽出製作人亦試圖使這些偉大的演出轉錄的更好。 這套錄音的出現彌補了音樂會堂與孟根堡指揮藝術的空缺，讓我們得以完整的回到那個榮耀的年代。也閉O孟根堡修正了原譜中的釵h小細節，而其演出也不同於大多數貝多芬交響曲指揮的縝密柔細，所以不受企鵝評鑑的青睞似乎也是意料之中。雖然這套錄音中有一小部份與Pearl之前發行的孟根堡貝多芬交響曲選集重疊，也就是第三號交響曲。然而這套錄音依然相當值得珍藏，音樂會堂在二次大戰期間的輝煌時光，也永遠被記錄在這套錄音當中。儘管其政治事件影響了大家對其指揮藝術的觀感，然而在這套全集之中，孟根堡已經用音符替自己應得的地位說話了........ http://rachsu.lenhost.info/reviews/Mengelberg_Beethoven_Symphonies/Mengelberg_Beethoven_Symphonies.html Rach 2003.08.02  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-19 23:06 |
| [#8786] 布隆斯泰德的貝多芬交響曲全集 Conductor：Herbert Blomstedt Orchestra：Staatskapelle Dresden Performers：Helena Doese, Marga Schiml, Peter Schreier, Theo Adam, Rundfunkchor Leipzig, Chor der Staatsoper Dresden Label：Brilliant Classics Catalogue Number：BRL99927 Number of Discs：5CD Balance Engineer：unknown Recorded：Lukaskirche Dresden; Dec.1979 (Sym. No.1&2); Mar.1973 (Sym. No.3); Oct.1978 (Sym. No.4); Mar.1977 (Sym. No.5); Sep.1977 (Sym. No.6); Feb.1975 (Sym. No.7); Feb.1978 (Sym. No.8); Mar.1980 (Sym. No.9) Times：here 這套唱片並不起眼，五張CD包裝都只用一張小紙卡當作唱片的夾頁，而且幾乎沒有提供什麼資訊，例如錄音時間、地點等等，但是一張張唱片中卻裝著非常精緻的演出。過去由Berlin Classics發行高價位，現在則由Brilliant Classics重新以低價位發行。 雖說是出生於美國，但布隆斯泰德的確是標準的瑞典指揮。他的指揮充分發揮管絃樂團的個性，並相當接近作品的本質，不會讓過分的情感淹沒樂曲。布隆斯泰德強調音樂美感與節奏遠勝過誇張的詮釋來譁眾取寵。指揮過斯德哥爾摩愛樂、丹麥廣播交響樂團、德勒斯登管絃、舊金山交響、萊比錫布商管絃等樂團。不管是接掌哪個樂團，布隆斯泰德總能輕鬆的將各個樂團的特性發揮到極致，並跟朱里尼一樣極度重視樂團的平衡，朱里尼創造的「朱里尼美聲」，而我則稱布隆斯泰德創造了「布式美聲」。 這套錄音錄於七零年代與八零年代最初期，布隆斯泰德以古典形式展現貝多芬的音樂，卻又加入了釵h新意，令人不禁豎起大拇指。整體而言可以說是精緻又帶有新意的古樸，就像日本料理一樣，整體而言是非常豐盛的料理，然而每道料理又如此細膩。精彩的錄音收錄了德勒斯登管絃的美妙音色，然而究竟錄音師是誰，卻沒有標示出來，實在很想對這些無名英雄致敬，若非他們的成就，豈有「布式美聲」可聞呢？ 布隆斯泰德在這個版本中採用了些微的動態速度，並將「布式美聲」徹底發揮。究竟「布式美聲」強在哪裡？話不多說，隨便拿這套全集中的任何一個慢板，實在精緻到不行。為了創造出特有的美聲，布隆斯泰德還調整了銅管與定音鼓的比例，以加強重音。在諸多貝多芬交響曲全集版本中，還敢大玩定音鼓特效的，也只有 Zinman、Kubelik與Mengelberg等少數幾個版本而已。但除了Kubelik以外，其他這幾個版本玩出來的效果都是偏向暴力美學，只有布隆斯泰德展現了猶如絲綢一般細膩的音色，閃閃發亮的詮釋讓這套全集名列偉大版本之一。 第一號交響曲就可以聽到布隆斯泰德加入了一點動態速度的變化，而且平衡掌握極佳。木管相當透明，在某些樂段弦樂與木管的比例恰到好處。為了整體的平衡，某些部份加強定音鼓(例如第四樂章5:00左右)，讓高低聲部維持美妙的均衡。聽聽那第四樂章的銅管的效果是多麼精緻啊。 第二號交響曲布隆斯泰德用心經營，使結構相當強固，木管清晰明亮。並由古典主義的角度出發，結構緊湊而流暢，動態速度的展現卻又添加了釵h新意。聽聽第四樂章釵h過門處的延長，這種效果不禁令人莞爾，是個相當具有節奏且熱情奔放的演出。 布隆斯泰德在第三號交響曲中，採用立即塑造英雄形象的方式。重點在於布隆斯泰德使得這首曲子真正符合「英雄」這個標題，而不是使其成為一個虛名而已。而且定音鼓的點裝是非常細膩，結構相當結實。釵h定音鼓的加強更不是為了耍效果才加強的，而是更著重於整體的平衡。聽聽第一樂章4:40到5:00的木管、還有13:40直到結束前的銅管與定音鼓，這種平衡掌握的極為精妙。某些部份銅管雖然刻意拉出來，但音量卻相當適中，聽起來相當舒服。例如第三樂章0: 45到1:00處的銅管，與4:50到5:15的定音鼓及銅管，真的符合了所謂「精緻又帶有新意的古樸」。跟諸多版本比起，布隆斯泰德所塑造的竟是一位喜劇英雄，而非傳統演出的悲劇英雄(如福特萬格勒、克倫培勒等)，耳中聽到的驚奇演出不斷冒出，這種特殊的詮釋您能不聽聽嗎？ 第四號交響曲可以說是整套全集中最精彩兩首的演出之一(另一首是第七號)，而且堪稱不朽版本。布隆斯泰德成左漁i現所謂的「布式美聲」，而且平衡、張力、爆發力等等都非常完美。在第一樂章布隆斯泰德非常成左瑭葅C出氣氛，還透過刻意的停頓營造出極大的張力，讓樂曲得到最大的呼吸。聽聽第一樂章7:40 開始那個木管的弱音、鼓聲的微震、弦樂的細訴，逐漸漸強到9:30處，已可讓這版第四號交響曲名列偉大版本之列。再聽聽第三樂章1:30到2:30那個音量在強弱之間的變化、第三樂章最後三十秒的齊奏、以及第四樂章6:20到6:30處低音提琴的音色，是何其精緻啊。最值得一提的是第二樂章，那種弱音來營造氣氛的效果，直到了最後幾個小節發展到極致，聽了這版您能說第四號交響曲的第二樂章，沒資格與第三號及第五號的第二樂章齊名嗎？這版第四號交響曲可稱為不朽版本的原因，在於成左爾鉔斃第四號交響曲並列至與第三號、第五號交響曲等同偉大，我想能夠將第四號交響曲詮釋到這種境界的，除了小克萊巴之外，也只有布隆斯泰德得以堪當此任了。 第五號交響曲中，布隆斯泰德不同於一般使用銅管猛加重音，定音鼓也不會亂敲一通，反而是以整體平衡做首要考量，讓第五號交響曲迥異於常見版本中鋼鐵般的意志，呈現的竟是一種細緻、有如絲綢一般的質感。在第一樂章，布隆斯泰德採用了類似福特萬格勒的延長音手法，將張力拉大，並更加著重音樂內涵的展現。但又並非像福特萬格勒一般為了誇大懸疑性，每個音都拉的很長，布隆斯泰德則是該延則延、該收則收，聽聽4:48秒處，弦樂收的多為精妙啊；還有4:00到5:35處，音量強弱之間收放自如，直達金庸小說中張三豐太極拳法的極致境界。第二樂章德勒斯登管絃展現出來的弱音只能說超強，聽聽6:35到7:05那個延長與慢速，若非有超強錄音在撐，也無法表現出「布式美聲」了。最後注意第四樂章樂團的整齊性，您會不禁為了這個擁有四百年歷史榮耀的樂團喝采。布隆斯泰德在第五號交響曲中，謹守傳統卻又富有創意，讓人不禁向這對指揮與樂團致敬。 在第六號交響曲中，布隆斯泰德再次展現了其「布式美聲」。第一樂章木管的手法相當傑出，透過加強比重來描繪田園景象，更可證明布隆斯泰德是標準的美聲指揮家。第二樂章極具層次感的演出極為精緻。再聽聽第四樂章那個定音鼓跟銅管，這種平衡的掌握極為困難，但聽來卻十分輕鬆，更可知布隆斯泰德對於樂團整體平衡的掌握奶O，在地球上可以說是數一數二的。 宏偉是第七號交響曲的主要素材，布隆斯泰德以偏慢的速度詮釋，而且力道漸強，音量強弱之間的變化讓人讚嘆，將第一樂章不安與摸索的情緒拉到最大。看看第二樂章的弱音，貝多芬在第二樂章寫著「相當慢的急板」，只要聽聽前兩分鐘的演出，立即令人折服。第四樂章為了維持調性，貝多芬採用反覆的節奏，循環式的重現，大多數版本均因高速演出、加上定音鼓太過強硬而導致結構崩潰(尤其是阿巴多版，我不認為他的第七號真的這麼經典)，然而布隆斯泰德則更加強結構，稍降定音鼓音量、提高銅管的比例，讓第四樂章強度竟能跟猛敲定音鼓的版本一樣。突出的銅管與處處完美的詮釋，讓這個版本足以名列不朽。 第八號交響曲中，布隆斯泰德以較慢的速度表現。第一樂章5: 50到6:10那個定音鼓、與6:35到6:50銅管的效果，這是多麼精緻美妙，卻又如此用心啊。仔細聽聽第三樂章的速度委婉的變化，各個樂器又是如此從容不迫的將樂句吐露出來。各家版本中，還有誰能夠像布隆斯泰德一樣用木管將第四樂章裝飾的如此漂亮呢？ 第九號交響曲的詮釋，布隆斯泰德在第一樂章用緩慢的速度鋪陳，效果極佳。而第一樂章的手法更是令人動容，緩慢的速度中銅管伴隨弦樂前進，實在是無以言喻的美妙。第二樂章乾淨俐落，有如抖掉肥肉一般，只剩精練堅硬的鋼骨，聽聽10:00到10:20的木管，美妙的點綴著整個管絃樂團。再聽聽第三樂章12:35到13:20 處，前面的銅管跟後面的弦樂，還有誰比這個版本更為精緻呢？第四樂章開頭定音鼓的漸強手法，效果極佳，木管極為美妙，弱音若隱若現，除了完美兩字，已無其他形容詞了。終樂章的歌唱部份令人訝異的好，不管是獨唱者與合唱團，演出直達滿分。布隆斯泰德再次展現了平衡優先的觀點，將人聲與樂團比重調到極為美麗。「快樂頌」極為振奮，並展現超高度的熱情，令人懷疑這是否真的是錄音室錄音而非現場演出。 布隆斯泰德的貝多芬九大交響曲全集，足以列名唱片史上諸多偉大版本之一，宏偉的演奏來自這個德國最好樂團之一的德勒斯登管絃，然而布隆斯泰德以輕鬆的姿態詮釋一切。唯一稍弱的詮釋，可能也只有第五號交響曲的第一樂章開頭，缺乏像小克萊巴一般的激烈的情感。然而從另一個角度來看，布隆斯泰德這種不合乎慣例的詮釋，在感情上的詮釋卻比諸多版本更有體悟。 榮耀的第三號、抒情的第二號、經典的第四號、清澈的第六號、不朽的第七號、還有最令人激動的第九號。詮釋處處充滿的閃閃發亮的光澤，加上完美的平衡與透明溫暖的錄音，無怪乎David Hurwitz會給予10/10的評價。聆聽這套唱片的經驗相當美妙，如果您不喜歡這個版本，相信您必定沒在聽古典音樂。若有人對布隆斯泰德是偉大指揮家之一的說法有意見的話，這套全集必定會讓此人閉嘴，可惜這套全集在台灣算相當罕見，因此沒機會讓釵h樂迷們了解布隆斯泰德的指揮藝術。就算價格便宜，但是這個演出絕對不會令您失望的。對於這個版本，我直接給他滿分的評價。 Rach 2003.08.16 http://rachsu.lenhost.info/reviews/Blomstedt_Beethoven_Symphonies/Blomstedt_Beethoven_Symphonies.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-19 23:07 |
| [#8787] 馬克拉斯的貝多芬交響曲全集 Conductor：Sir Charles Mackerras Orchestra：Royal Liverpool Philharmonic Orchestra Performers：Joan Rodgers, Della Jones, Peter Bronder, Bryn Terfel, Royal Liverpool Philharmonic Choir Label：EMI classics for pleasure Catalogue Number：5757512 Number of Discs：5CD Balance Engineer：Mike Clements(Sym. no.1, 3-7, 9), Mike Hatch(Sym. no.2, 8) Recorded：Philharmonic Hall, Liverpool(Sym. no.2, 5, 7-9); Studio 7, New Broadcasting House, Manchester(Sym. no.1, 3, 4, 6); Sept 9-10, 1994 (Sym. No.1); Nov 25-28, 1997 (Sym. No.2); Sept 9-10, 1994 (Sym. No.3); Nov 26-27, 1994 (Sym. No.4); June 25-26, 1992 (Sym. No.5); Nov 26-27, 1994 (Sym. No.6); June 25-26, 1992 (Sym. No.7); Nov 25-28, 1997 (Sym. No.8); Jan 3-5, 1991 (Sym. No.9) Times：here 這套全集的錄音至今已經歷十年了，而在不知不覺中馬克拉斯爵士也已經將近八十歲，就算目前貝多芬交響曲全集版本眾多，然而這個演出依然是受到相當矚目的。由於這套錄音是屬於EMI classics for pleasure系列，因此只有在英國地區發行，所幸最近台灣引進了這套唱片，讓遠在台灣的樂迷們也能夠聽到老大師在七十歲時留下的這套錄音。 整套錄音採用了Jonathan del Mar的新版本，而這也是第一個對del Mar版做完整全集錄音的版本，馬克拉斯甚至還在唱片內頁中詳細說明了第九號交響曲頗受爭議的節奏問題。del Mar的新版本參考了釵h現有的文獻資料，並做了很多重要的修正。所以在這一套全集中，可以聽到釵h對Breitkopf 1862-4版的修正。這個演出號稱是正統的樂器配置，因此採用了一些不同的演出與樂團配置方式，例如將第二小提琴配置在右邊、使用當時學者研究後的節拍器速度等等方法。由於為了盡量忠實地依照節拍器的記載演出，因此這套全集展現了極為緊繃且刺激的節奏。 可惜樂團水準未達一流，某些樂器例如大提琴並無法完全發揮，在馬克拉斯無情的疾速輾壓之下，缺陷因此暴露出來。相對於阿巴多那套快速演出的貝多芬交響曲全集，卻不會有這方面的問題，因此柏林愛樂與利物浦愛樂兩者畢竟還是不同等級的樂團。 過快的速度也導致某些曲子並未得到適度的呼吸，部份延長音遭受壓縮，使得曲目本身的張力大減。但是這還是一套了不起的演出，馬克拉斯以精緻路線來詮釋這套演出，整體平衡極佳，樂團音量還會隨著節奏變化強弱，整體呈現出一種均衡美。雖說這套算是個較為缺乏戲劇性的版本，但相對的卻是個非常健康的演出。每個細節都呈現了完全真摯而發自內心的情感跟熱情，在當前各種濫情誇張的錄音中，也可謂清淡脫俗。 第一號交響曲第二樂章在第二主題(bars 33,133)處，原本小提琴的連結線在這一小節中間有個排版錯誤，但修改後旋律已經更單純自然。第三樂章弦樂主題的重音完全改變，而包括小節線、強音記號等等都變的更有組織，也更為有力。 第二號交響曲振奮無比，樂團與指揮情緒彼此相互激盪。第二樂章著名的法國號solo，在第二次出現時(bar 254)在開頭沒有連奏。第三樂章的三重奏木管樂器也完全不一樣了。第四樂章非常激烈。整體呈現出一種均衡的美感。 第三號交響曲過快的速度影響了整體音樂的結構，使得這首應該是堅韌無比的曲子變得稍嫌軟弱。缺乏強烈的戲劇張力可能是這個演出最大的缺點。但暢快淋漓、不失威猛的味道，也是其他版本難以尋得的。第二樂章在30小節的大提琴與183-4小節間半小節轉為強音的弦樂等處，也有了不同的漸強，聽來亦別具趣味。 第四號交響曲在第一樂章開頭的醞釀效果精彩，而定音鼓不斷地挑動著血脈，光輝燦爛的結尾使人感到愉快。第五號交響曲充滿新意，釵h地方的詮釋都令人感到新鮮，速度更是逼的讓人喘不過氣來，情感極為激動，旺盛的動力不斷湧出。 第六號交響曲非常令我感動，雖然速度偏快，然而漂亮的音色與完美掌握的平衡，讓我邊聽邊忍不住哼出來，節奏的脈動如此完美，聽這首曲子已經很久沒這麼被感動過了。第四樂章的定音鼓跟銅管非常特別，厚重的爆發力建構出飽滿的音色。 第九號樂團十分振奮，突出的木管與銅管常帶來意外的驚喜，整體詮釋相當緊密，可惜部份獨唱者演出令人失望，所幸Terfel的演唱還是非常華麗，稍微彌補了人聲部份的缺憾。 這是維持傳統精神卻又令人振奮的貝多芬交響曲全集，某些演出甚至讓我留下了非常深刻的印象，例如第六號交響曲。精彩的錄音捕捉到del Mar版中釵h引人注目的細節，包括獨樹一格的聲響與節奏，其中極具戲劇化的定音鼓，想必是所有樂迷印象最深刻的一部份。 客觀的來說，這套演出的速度普遍偏快，但馬克拉斯爵士相當謹慎地處理樂句，因此整體演出依然相當好，而且又相當具有特色。詮釋雖非頂極，少數部份曲目表現也稍微平凡，然而絕大部份曲目都非常值得一聽。整體表現依然屬中上，適合入門者與對馬克拉斯這位指揮較有興趣的人購買。 Rach 2004.08.26 http://rachsu.lenhost.info/reviews/Mackerras_Beethoven_Symphonies/Mackerras_Beethoven_Symphonies.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-19 23:13 |
| [#8788] 巴倫波因的貝多芬交響曲全集 Conductor：Daniel Barenboim Orchestra：Berliner Staatskapelle Performers：Soile Isokoski, Rosemarie Lang, Robert Gambill, Ren Pape, Chorus of the Deutsche Staatsoper Berlin, Eberhard Friedrich (Chorus master) Label：Teldec Catalogue Number：3984.27838 Number of Discs：6CD Balance Engineer：Michael Bramman(Sym. no.5, 1&4 Mov, Sym. no.9), Eberhard Sengpiel(other) Recorded：Studio One at the former GDR Radio studios, Nalepastra絽, Berlin ; May - July 1999 Times：here 在這套全集發行之前，巴倫波因只有在Erato發行過一張與也是與柏林國立歌劇院合作的貝多芬第九號交響曲。當初這張唱片已經頗受好評了，現在這整套全集的出現著實令人興奮。過去在台灣只能買到單張的DVD-Audio版，價格實在嚇人，播放使用的設備也是一大問題，但現在在某些唱片行已經可以找到這套唱片的全集CD版了。 巴倫波因是從1992年開始擔任柏林國立歌劇院音樂總監，他不但把樂團和歌劇院重整，而且使歌劇院的聲譽和水平逐漸提升。這套全集的發行當初是巴倫波因與柏林國立歌劇院的獨立製作，大膽的公開讓各唱片公司競標，最後由Teldec公司得標發行。我們由最後的成果了解，巴倫波因在提升樂團水準方面確實奶ㄔi沒。儘管巴倫波因身為猶太人，然而這套交響曲全集卻展現出巴倫波因具有的德奧傳統與音樂深度，更證明討論這種指揮所屬種族議題實在意義不大。樂團的演出水準也超越了早年Suitner在Denon的錄音。 在完成這套錄音之前，巴倫波因已與樂團完成貝多芬交響曲全集的世界巡迴演出，因此也算是磨練後的成果。這套全集處處充滿新意，隨時都會有意外的發現。例如第一號交響曲第四樂章，就是個相當令人興奮的演出，定音鼓、銅管、木管的特色十足。第二號交響曲的詼諧曲部份，聲部極具特色，更使本曲趣味盎然。第三號交響曲第一樂章結束前銅管的突出創意具有高度的洞察力，使人久久難忘；第四樂章8:33處的爆發甚至興奮到讓人發顫。第五號交響曲雖然不是像小克萊巴一般令人興奮的演出，然而卻極為莊重高雅。緩慢動人的第六號交響曲。第八號交響曲第四樂章充滿了流暢的連貫性與飽滿的動力。演唱動人、醞釀精彩的第九號交響曲。而每個慢板速度都相當緩慢，並充滿了表現力。錄音部份亦符合樂團的音色以及巴倫波因的觀點，儘管稱不上發燒，但也已是很好的錄音了。 巴倫波因將其對貝多芬交響曲的意志與理念貫徹在錄音中，與樂團合作的默契極佳，整體平衡掌握出色（少部份還是稍嫌遜色）。沈重的音色、極端膨脹的音響等，都讓人耳目一新。雖然釵h人稱這套演出有很濃厚的福特萬格勒味道，我卻認為儘管聲部處理手法接近，卻沒有極端的動態速度、極為誇張的延長與休止（不過這個特色在第五號交響曲中就有稍微現身）。因此這套演出在各種風格中依然是特立獨行的，只能說有一部份福特萬格勒的觀點存在，然而相較於同一段期間發行的阿巴多與柏林愛樂的貝多芬九大交響曲全集，巴倫波因反而還比較接近傳統德奧的味道；兩套比較之下，就彷彿看到了托斯卡尼尼與福特萬格勒的影子。巴倫波因從另一個全新的角度來審視貝多芬的九大交響曲，提供樂迷一個不同的新觀點，在這裡看到的是一個肩負傳統、卻又精力旺盛充滿活力的貝多芬。 當然還是有一些我個人不太喜歡的小缺點，例如音色的渲染力不夠、木管並未如期盼中靈活、弦樂稍嫌厚重等等，但這些都是演出風格的差異，而非樂團或指揮真正的缺陷。某些部份的風格依然是我相當喜愛的，例如刻意浮現的定音鼓、相當自然的情感、精準的控制等，更重要的就是完美的漸強，而且樂段中每一個反覆都沒有放過，並相當注意這些樂段擴展，所有細節也都十分精緻。整體而言口味並非完全令我滿意（例如第四號交響曲、第七號交響曲），可是這依然是值得推薦的一套堪稱偉大的錄音。 到目前為止，巴倫波因應該可以算是史上唯一一位同時錄完貝多芬鋼琴奏鳴曲全集、鋼琴協奏曲全集與交響曲全集的音樂家了。在EMI與DG的兩次鋼琴奏鳴曲全集錄音，與克倫培勒合作演奏、替魯賓史坦伴奏、自彈自指揮的三次鋼琴協奏曲全集錄音，到這次的九大交響曲錄音，我們可說巴倫波因的指揮已驟成熟了。姑且不論他所錄下的鋼琴協奏曲全集或鋼琴奏鳴曲評價如何，然而這次在這裡所展現出來的交響曲全集，卻是毋庸置疑的精彩演出。最令人振奮的一點，就是巴倫波因成左滷N上一輩的演出風格，使其在世紀末的錄音中重新呈現，從整個音響呈現方式、樂團音色到速度變化，都是屬於過去mono時代才能聽到的演出風格。儘管目前貝多芬九大交響曲全集已經多到噁心的程度了，然而這套唱片依然值得讓您的唱片架上再多一套。 Rach 2004.11.02 http://rachsu.lenhost.info/reviews/Barenboim_Beethoven_Symphonies/Barenboim_Beethoven_Symphonies.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-19 23:15 |
| [#8789] 賀格納貝姆【莫札特：法國號協奏曲】(3) 再者，貝姆與維也納愛樂的伴奏的的確確以「伴奏」的角色烘托著賀格納的演出，將莫札特音樂中的維也納風格提煉出來，一方面安分守己地以適當地速度烘托著賀格納的演出，另一方面在樂句的表情上也展現其詮釋莫札特的優勢。確實有其獨到之處。雖然這是整個七零到八零年代貝姆指揮莫札特管樂協奏曲的其中一張專輯，但是貝姆仍以趁職的伴奏者為獨奏者服務。 結語 雖然這個版本在速度上沒辦法營造出血脈噴張的快感，在技巧上礙於機械性的不足偶爾會有手指頭與舌頭搭不上或是不靈光的情形，使得樂句偶爾會有瑕疵。但瑕不掩瑜，賀格納無論是在音色或是詮釋上均有其不可忽視的一面，亦是目前聽過十幾個版本中最「奧地利風格」的演奏版本。 http://blog.roodo.com/roshan/archives/1895527.html 樂團中常見的法國號，圖中所示的為較常使用的Double Horn，具有兩種調性，分別為F major與E-flat major。  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:25 |
| [#8790] 賀格納貝姆【莫札特：法國號協奏曲】(2) 首先就樂器來說，賀格納所使用的樂器與其說是法國號，更正確的名稱應該稱作「維也納號」（Viennese Horn）。這跟一般樂團所見到的轉閥式（valve）法國號有什麼差別呢？從唱片內頁中摘錄一段話或雪|比較清楚：“ The Viennese horn in F played here has a sound approximating very closely to that of the valveless natural horns used in Mozart’s time. ” 換句話說，維也納號所吹奏出來的聲音較一般轉閥式的法國號更接近自然號的聲音。雖然同樣有按鍵可以自由操作樂器，沒必要吹奏出某部份自然號需使用的手塞音使音層相差半音，但是在音色上的表現的確比機械性能較好的法國號接近當莫札特當時的音色，在按鍵上也採用所謂的活塞式轉閥（piston valve）。這種轉閥的優點是較可演奏出更柔和的圓滑奏（legato）並且在聲音也較一般的雙排法國號（double horn）更為強壯、音量更大。而缺點則是在快速音群上因為機械性的不足，容易糊成一片，演奏上舌頭和手指的搭配要更為小心謹慎。也因為先天上樂器的優勢，讓賀格納的版本在音色上比起其他使用現代法國號的演奏更有說服力。 樂團中常見的法國號，圖中所示的為較常使用的Double Horn，具有兩種調性，分別為F major與E-flat major。 再來是樂句的分句。賀格納的演出不為炫技而快，就速度上來說他的版本比起其他法國號名家們的版本更為慢速。速度慢了下來對管樂來說有著更多的考驗，因為慢速所以對於氣的使用要更謹慎，因此在分句上就要多花點奶牷C但也因為速度放慢，沒辦法兩三句併做一句吹長大的樂句，因此較能穩定地在該吸氣的地方從容的換氣。就像一個老練的游泳選手知道該在什麼時候適切地換氣，速度上雖然不快但是維持著一定的優雅。 http://blog.roodo.com/roshan/archives/1895527.html 相較於一般的法國號，維也納號在號口的地方多轉了兩圈，轉閥的構造也完全地不同  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:27 |
| [#8791] 賀格納貝姆【莫札特：法國號協奏曲】(1) Guenter Hoegner, Horn (Viennese Horn in F major) Karl Boehm, Conductor Wiener Philharmoniker Wolfgang Amadeus Mozart Concerto for Horn and Orchestra 1. ~ 2. Concerto No.1 in D major, K412 3. ~ 5. Concerto No.2 in E flat major, K417 6. ~ 8. Concerto No.3 in E flat major, K447 (1st movement cadenza by Guenter Hoegner) 9. ~ 11. Concerto No.4 in E flat major, K495 (1st movement cadenza by Guenter Hoegner) Production and Recording Supervision: Werner Mayer Recording Engineer: Guenter Hermanns Art Direction: Peter Schuppe Cover Illustration: Dorothea Desmarowitz DG 413 792-2 賀格納 1943年出生於維也納的君特．賀格納（Guenter Hoegner）長期於維也納愛樂擔任法國號手，直到前幾年才卸任首席的位置，同時也是維也納愛樂當中最負盛名的管樂演奏者之一。賀格納於1956年至 1962年之間就讀維也納音樂學院師從寇赫教授（Prof. Koch），並且逐漸展現才華。到了1965年賀格納擔任Volksoper的法國號首席，並於兩年後受聘於維也納愛樂擔任第三部法國號的職務。也時常在維也納國立歌劇院（Vienna Stat Opera House）擔綱演出。1971年開始，賀格納正式成為維也納愛樂的法國號首席。 演奏與錄音 市面上的法國號協奏曲，無論是愛樂人或是法國號同行，大多會推薦英年早逝的丹尼斯．布萊恩與卡拉揚指揮愛樂管絃樂團的不朽錄音（EMI, Dennis Brain / Herbert von Karajan / Philharmonie Orchestra）。的確，年輕氣盛的卡拉揚與布萊恩在這張唱片中演飾出朝氣蓬勃的莫札特，甚至說得誇張點，兩個人多少有點互相較勁的味道。就一個表演來說，很「精采」。 但是這次要介紹的賀格納與貝姆合作的莫札特，卻是很「道地」。如果只是單純地告訴讀者們說，因為霍格納是維也納愛樂的法國號首席，貝姆指揮維也納愛樂詮釋的莫札特赫赫有名。如果只是這樣，那麼所謂的「道地」顯得只是崇尚名牌的盲目。 http://blog.roodo.com/roshan/archives/1895527.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:28 |
| [#8792] 席夫【莫札特：鋼琴協奏曲全集】 Andras Schiff, Piano(Boesendorfer) Sandor Vegh Camerata Academica des Mozarteums Salzburg Wolfgang Amadeus Mozart Piano Concertos for Paino and Orchestra 2 Rondos for Piano and Orchestra Recording Location: Millstatt Kirche, Millstatt; Mozarteum, Salzburg; Grosser Saal Konzerthaus, Vienna(1984-1993) Producers: Christopher Raebum; Michael Haas Recording Engineers: Simon Eadon; David Frost; Stanley Goodall; John Pellowe; Jonathan Stokes Recording Editors: Simon Bertram; Nigel Gayler; Matthew Hutchinson; Deborah Rogers; Ian Watson; Jenni Whiteside Art Direction: Jeremy Tilston Booklet Writers A performer's approach by Andras Schiff Mozart's Utopian visions by Jeremy Siepmann DECCA 448 140-2 2006年是莫札特（Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791）冥誕250周年的紀念，這位出生於1756年的神童僅僅只活了35歲，在1791年底，逝世於維也納。而唱片公司也趁這個機會推出釵h莫札特的作品。名義上是紀念，然而實質上商業利益的味道倒是將前者的蹤影跼o無影無蹤。 特色 席夫這套莫札特鋼琴協奏曲，雖然沒有收錄雙鋼琴或是三鋼琴的號數，但是獨奏鋼琴的部份則是完全收錄，並且加上兩首C大調與A大調的輪旋曲。此外，所有的裝飾奏，除了二十號第一樂章以外以及二十二號第三樂章以外，莫札特在裝飾奏中所留下來的空白，幾乎都是席夫親自譜曲完成（見表2）。因此在完成度上來說，可以算是貫徹席夫對這套作品的意志。 眼尖的人可能會注意到，這套全集的介紹冊當中，第一部分是由席夫本人所撰寫的A performer's approach。由演奏者本人來撰寫的內容更可以一窺席夫內心對這套作品的想法。無論從什麼角度來說，都是十分具有個人色彩的一套全集。而在文中，席夫也不諱言地指出當鋼琴家被問及最喜歡哪位作曲家的協奏曲時，有部分的答案是莫札特。但是要從莫札特的協奏曲中選出一件最喜歡的作品，卻是件不可能的事情。 文中討論了一些關於莫札特鋼琴協奏曲的趣事以及演奏這些作品遇到的問題，如在莫札特的手稿中，第二十六號的第二樂章左手的部份是空白的，換句話說鋼琴家在處理這首作品的時候要非常地小心。直到出版商J. Andre幾乎以準作曲家的姿態譜上該時期莫札特的特色風格之後，這個疑問才宣告一個段落，但那也是件非常困難的工作。另外裝飾奏也是個很大的問題，莫札特在這裡提供了釵h揮灑的空間讓鋼琴家自由發揮，同時也造成了釵h的問題。令我印象比較深刻的是席夫在K467當中第一樂章的裝飾奏，甚至還把費加洛婚禮當中著名的樂句安插進去，令人不禁想到莫札特鋼琴協奏曲和他譜寫的歌劇角色中的相對關係。諸如此類的趣事都在手冊當中交代得相當清楚，有時候讀到一半會令人莞爾一笑。 演奏與錄音 從基本資料表當中不難發現，席夫在灌錄這套錄音的時候，並沒有一定的法則去灌錄這套全集。從1984年最早的K453, K456到1993年灌錄的K537，無論是號數的順序、錄音場地或是兩位製作人的選擇，均無特定的規律可循（見表1）。唯一可以確定的是合作的指揮和樂團均勢維格（Sandor Vegh）以及薩爾茲堡莫札特音樂學院樂團（Camerata Academic des Mozarteums Salzburg）。此外比較特殊的是席夫維持他一貫的特色，使用了德國鋼琴貝森朵夫（Boesendorfer）。眾所皆知，貝森朵夫有別於一般鋼琴家使用的史坦威（Steinway & Sons）具有宏偉的音量以及明亮的音色，貝森朵夫聽起來相較之下溫暖、柔順釵h，但相對的音色也較晦暗，對於浪漫樂派欲表現強而有力的協奏曲較不容易達到要求。但是以莫札特的協奏曲來說，如此的音色卻可以彈奏出令人怡然自得的樂音，或陳u是如此吧！（也可能是心理因素造成？）席夫的莫札特雖然沒有怪誕的表現，但是在音樂上的呈現總是令人感覺到舒服暢快，沒有一絲絲的勉強。聽著他的莫札特令人會想要跟著動動手指或是揮舞雙手，透過席夫的演奏感受到莫札特所欲帶來的愉悅。 錄音方面，相較於DECCA一貫給人發燒片的印象，在這裡的每張錄音聽起來都相當地自然，但是樂器的質感都掌握的相當好，沒有特別怪異的平衡出現，或鹵製莫札特的鋼琴協奏曲困難度上比較小吧！總而言之，聽起來不會令人感到怪異或是莫名奇妙就是了。 後記 今年是莫札特兩百五十週年的冥誕，雖然商業氣息的味道真的遜L了意義。但是選購一套莫札特鋼琴協奏曲礎b家裡，想來點莫札特時就有唱片可以聽，也算是人間美事一樁。 http://blog.roodo.com/roshan/archives/1431878.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:31 |
| [#8793] 羅伯•列文【莫札特：鋼琴奏鳴曲】 Robert Levin, Fortepiano Wolfgang Amadeus Mozart CD 1. ~ 3. Piano Sonata in C major, K. 279 4. ~ 6. Piano Sonata in F major, K. 280 7. ~ 9. Piano Sonata in B-flat major, K. 281 DVD Bonus DVD features Robert Levin in discussion on different aspects of Mozart's keyboard music DVD also includes a performance of Piano Sonata K. 279 (third movement). Recording Location: Mechanics Hall, Worcester, Massachusetts, 2005 Recording Producer: Marc Aubort, Elite Recording Inc. NYC Recording Engineer: Marc Aubort, Elite Recording Inc. NYC Executive Producer: Laurence Chud Video Producer & Director: Gil Gilbert Deutsche Harmonia Mundi 82876-84236-2 The Instrument The instrument played in this recording is a copy made by Thomas McCobb in Pilip Belt's workshop of a Johann Andreas Stein fortepiano that was generously loaned by Cornell University through the kindness of Malcolm Bilson. It was tonally and mechanically refined and tuned to A430 Hz in Thomas Young #2, an 18th ceuntry well temperament (that differs from the equal temperament used today) by Rob Loomis, RPT. Mozart was familiar with Stein's instruments and in 1777 wrote to his father praising them. 這張唱片在台灣推出至今，似乎從來不曾成為人們討論的話題。但確是我數月來感到最興奮的唱片之一。 羅伯．列文是當今著名的莫札特權威，不僅彈奏鋼琴，也多次發表論文並且以其作曲技術補寫莫札特的斷篇殘稿，其中甚至包括了莫札特始終未完成的安魂曲（在 Telarc就有兩份安魂曲的錄音是以列文的譜版錄製）。而克萊曼（Kidon Kremer）與哈農庫特合作的莫札特小提琴協奏曲（DG），部分裝飾奏更是以列文譜寫的版本演出。 回到這張專輯，在這裡列文使用Thomas McCobb依照Johann Andreas Stein設計的古鋼琴，製作出一台複製琴。Stein是鋼琴製造商，亦是莫札特的好朋友。他所製造的鋼琴莫札特十分喜愛。古鋼琴與今日的鋼琴有著極大的不同之處，例如今日的鋼琴是以極厚的的羊毛包覆著鎚子敲擊三根琴弦，而古鋼琴則是僅僅使用皮革包覆琴槌，敲擊一根或兩根琴弦；另外在音域或是尺寸上也有極大的不同，而琴槌的重量也因為使用上的需要有不同的差別。這些物理現象均造就了兩者發出來的聲音有相當大的不同。古鋼琴就聽覺上來說較今日鋼琴輕巧多，而且在低音域也不似今日的鋼琴厚重。 除了琴的選擇，列文在演奏上也較一般演奏莫札特的鋼琴家有相當不同的考究。他很注重分句上的清晰度，因此在legato與staccato或是 accent上面都很小心處理，絲毫沒有含糊的空間。雖然詮釋上少了其他演奏家參雜個人色彩或是像Andreas Staier一樣讓人感到驚豔，但是卻多了一分說服力。 最後在附贈的DVD當中，大約二十分鐘的時間列文示範了現代鋼琴與古鋼琴演奏上實際的差別以及機械性能上的差別。沒有中文字幕，加上列文英文講得頗快，因此英聽不好的話看起來會比較辛苦（就像筆者這樣），但是仍舊可以在片段的訊息中學習到不少東西。希望DHM可以延續這樣演奏加上教學的效果，推出一系列莫札特鋼琴奏鳴曲。 http://blog.roodo.com/roshan/archives/2454707.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:32 |
| [#8794] 李希特【1977年薩爾茲堡現場音樂會】 Sviatosla Richter, Piano Ludwig von Beethvoen (1770-1827) 1. Andante favori in F major, WoO 57 Frederic Chopin (1810-1849) 2. Waltz in A major, Op. 34-1 3. Waltz in a minor, Op. 34-2 4. Waltz in F major, Op. 34-3 5. Scherzo in b minor, Op. 31 6. Barcarolle in F-sharp major, Op. 60 Claude Debussy (1862-1918) 7. ~ 10. Suite Bergamasque 11. ~ 13. Estampes Recording Location: 26 August, 1977, live in Salzburg Festival Artistic Supervision: Gottfried Kraus Recording Supervision: Josef Ihring Engineering: Harald Waldl Digital Remastering: Othmar Eichinger, Gottfried Kraus Literary Editing: Matthias Freienstein ORFEO C 491 981 B 「我高中時候常常聽史維亞托斯拉夫．李希特（Sviatoslav Richter）這位鋼琴家的唱片。聽過好幾次好幾次好幾次，重複聽得唱片都磨得破破爛爛的為止，每一個細節我都記住了。」這是日本知名作家村上春樹在日本《anan》雜誌上所連載的短篇專欄，後來均收錄到同專欄名稱的《村上收音機》一書當中。其中一篇便是分享他對李希特所演奏《版畫》的喜愛。 「李希特是冷戰時代的蘇維埃人，是過去西方幾乎沒看過的幻覺般的鋼琴家，但1960年前後他第一次到外國旅行演奏，在義大利做實況錄音。這張《版畫》就是當時所演奏的，真是非常非常精彩的演奏。一方面觸感強韌，又極為細緻，而且底部好像漂流著一種渾身是泥的情念似的東西。以一句話來表現可以說『鬼氣逼人』吧。或雩簼瓵袧w布西式的又有一點不同，到現在我所有的《版畫》演奏中，個人最喜歡的，還是這時候李希特所演奏的這張。」雖然這張義大利現場實況並非本文要介紹的薩爾茲堡實況演出，但是如此生動的文字的確是筆者當初購入這張唱片的主要原因。「聽聽李希特演奏德布西吧！應該是很特別又有趣的詮釋。」我想。 「可是這張李希特的演奏因為是現場錄音，所以最後觀眾的拍手聲音也錄進去了。這拍手也非常好噢。果然是義大利人，曲子最後一個音被吸進空氣裡去，即將消失又好像還沒完全消失的時候，正好就像對歌劇的aria（詠歎調）時那樣絕妙的反應，哇啊……的狂熱拍手與歡呼聲一湧而起。觀眾是多麼被那演奏所深深著迷，可以身歷其境似地傳達過來。讓你感覺到真正的掌聲就該這樣，如此盛大的鼓掌。就因為這樣，連拍手也包含在演奏中，確實地輸入我的腦子裡去了。」筆者目前找不到村上春樹文中所描述的義大利現場演奏，但是可以聽到這張薩爾茲堡的現場演出也頗心滿意足的了。 雖然不像村上春樹那樣把唱片聽到磨得破破爛爛的地步，但是這張現場演出的確十分精彩，也時常被拿出來在夜深人靜的夜晚播放。除了李希特特有的半透明略帶混濁的音色外，如同村上春樹在文章中所提到的，強韌而又細緻的觸感（其實應該是「觸鍵」吧！我猜）。 三位作曲家的作品中，除了貝多芬以外，蕭邦與德布西均十分迥異於一般演奏的方式。噢不，即便是貝多芬這首小品仍舊只有李希特會彈奏成這種樣式。蕭邦A大調圓舞曲在李希特的手中成了狂風變為驟雨，雖然怪異又似乎言之成理。聽他的a小調圓舞曲卻又如此感傷，像極了秋天流落街頭的失意人，居無定所又妻離子散，時而想起輝煌快樂的過去卻又低頭啜泣。誰說李希特不深情呢？誰說李希特不適合蕭邦呢？聽，蕭邦晚期的傑作《船歌》是如此深邃的作品，到了李希特手中同樣精彩。波光瀲灩的景緻歷歷在目，隨著李希特的琴音思緒也不知搖到哪兒去了。 德布西的《貝加瑪斯克組曲》到了李希特手上，又是完全不同的風味。沒有閃耀的光芒，沒有絢麗奪目的音色。半透明的珍珠由天際的一頭無止盡地落下，時而細膩卻又時而堅韌有力。組曲中除了有名的月光讓人不禁懷疑時間是否終止外，Passepied舞曲的表現最讓筆者感動。在「動」與「靜」之間，李希特掌握得十分恰到好處，整顆心都被他的音樂給牽著走。 最後則是富有東方風味的《版畫》。聽過這個演奏後大概可以理解為什麼村上春樹會在文章中以「鬼氣逼人」來形容李希特的演出。信手拈來的樂思在李希特手中處理得層次分明又融洽，真是鬼斧神工的演出！！ -- 最後附上《版畫》一文的後半段： 於是有一天，請想像我從學校去觀賞一場當作課外教學的音樂會。是一位日本女鋼琴家的recital（獨奏會），曲目剛好也包含德布西的《版畫》在內。那當然還不到李希特的演奏那樣令人感動的程度，不過公正地說，也是別有一番味道的優美演奏。當演奏結束時，我當然拍手了。可是很糗的是，因為全神貫注在音樂裡，所以那拍手忍不住就像被李希特的唱片錄音的拍手聲同樣的時間開始拍。換句話說，就在「曲子的最後一個音被空氣吸進去，即將消失還未消失」那樣的時候。我就反射性地哇……開始拍起手來。真是丟人現演，糗死了！這裡是日本P。沒有一個人在那樣的時候拍手的。如果有個地洞，真想鑽進去。 現在雖然偶爾也會聽李希特的《版畫》，可是一到拍手的地方就會想起當時的事情而臉紅起來，人生有很多讓我感動的事情，而讓我羞恥的事情也同樣多。不過，人生如果光有感動的話，或酗]很累吧。 http://blog.roodo.com/roshan/archives/2725735.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:34 |
| [#8795] 李希特【布拉姆斯：第二號鋼琴協奏曲】(2) 雖然我沒聽過RCA版的演出，無從比較這兩份錄音到底差異性何在，況且音樂家古怪的個性（李希特尤其嚴重）常將自己的錄音批評得一無是處。因次也無從斷言 RCA版是否真如李希特說得那麼糟糕（鋼琴家羅伯•列文甚至認為這份錄音對他而言，是最偉大的演奏之一！）但是單從EMI這次的錄音，我卻聽到李希特掌控鋼琴相當了不起的一面，這是無庸置疑的。 以前聽鋼琴家演奏這曲子時，總覺得他們在跟布拉姆斯在做決鬥，鋼琴與管弦樂團不斷地轟炸再轟炸，深怕一閃神就被對方的氣勢壓倒。但是聽李希特彈這曲子，卻是一種全然的掌控。總以一種十足把握的架勢輕鬆寫意地將曲子彈奏出來。不知道他彈這曲子的時候會不會抱怨：「媽呀！沒事幹嘛把曲子寫得這麼難？」我想應該不會吧！如果會的話李希特就不是李希特了。況且李希特讓我漸漸愛上這首龐然大物，我想我也得感謝他的演奏。至於他筆記裡面囉唆抱怨的小動作，就像保羅•麥卡尼（Paul McCartney）唱的：「讓他去吧！」即使巴黎管弦樂團是個李希特口中的三流樂團，我也認為他們的木管演奏以及各項獨奏是獨步武林，這麼精彩的法國號、雙簧管、大提琴獨奏還真沒幾個樂團有呢！ http://blog.roodo.com/roshan/archives/6209441.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:36 |
| [#8796] 李希特【布拉姆斯：第二號鋼琴協奏曲】(1) Sviatoslav Richter, Piano Lorin Maazel, Conductor Orchestre de Paris Johannes Brahms Piano Concerto No. 2 in B-flat major, Op. 83 Robert Schumann Papillons, Op. 2 Recording Location: 24-28 October, 1969, Salle Wagram, Paris (Brahms); 21 October 1962, live in Florence (Schumann) Producer: Christfried Bickenbach & Eric Macleod; Wolfgang Lohse (Schumann) Balance Engineer: Allan Stagg; Heinz Wildhagen (Schumann) Remastering Engineer: Yoshio Okazaki EMI TOCE-13250 Richter_Brahms No. 2 「與才氣非凡的馬捷爾和三級的巴黎管弦樂團合作這份錄音是多麼艱困的工作。他們不斷地為所欲為且趕拍而忽視對指揮該有的注意力。那就是為什麼這份錄音如此受到爭議。但是無論如何，仍舊遠比萊因斯朵夫（Erich Leinsdorf, 1912-1993）那次來得好。」 李希特在他1970年的筆記中，清楚地記載關於這份錄音的心得。這兩個錄音前後差了九年（RCA版錄音為1960年10月）卻在李希特的心目中有相當不同的地位。李希特在他的對話錄中相當強調對於RCA版的厭惡，他是這麼說的：「和萊因斯朵夫合作的布拉姆斯第二號鋼琴協奏曲是我所有錄音中最糟糕的其中一張，既使人們將這張錄音捧到了天上也是如此。我花了相當多的時間在尋找這份錄音的好處，但每次我只聽到失望。咚！咚！咚！咚！小快板（allegretto）的速度，跟你賭！他將速度指到了快板（allegro），讓人相當頭痛。」 http://blog.roodo.com/roshan/archives/6209441.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:37 |
| [#8797] 李希特【德弗札克：鋼琴協奏曲】 Sviatoslav Richter, Piano Carlos Kleiber, Conductor Bayerische Staatsorchester Antonin Dvor嫜 Piano Concerto in g minor, Op. 33 Recording Location: 18-21 June 1976, Burgerbraukeller, Munich Producer: John Mordler Balance Engineer: Ernst Rothe Remastering Engineer: Yoshio Okazaki EMI TOCE-13022 「再度讓人相當失望。不，這不該是這樣的。卡洛斯依舊相當流暢飛快，而我自己則顯得十分緊張。因此德弗札克音樂中特有的純樸與吸引力消失了。我永遠記得花了多久的時間在學習這首協奏曲（約三年的時間），反之學習巴爾托克第二號鋼琴協奏曲只花了兩個月的時間，其間也不曾受到什麼困難的挑戰。……」1977年李希特在他的筆記中記錄下這樣一段話，我們不難看出他又再度對自己（的錄音）設下相當嚴苛的標準，我很懷疑如果什麼都要他點頭才能發行的話，李希特流傳至今的正規盤還剩下幾張？（笑） 不過讓我還是把話題拉回德弗札克這首鋼琴協奏曲上。坦白說我認為這張錄音唯一的敗筆就是德弗札克的寫作技巧過於貧乏。相較於一氣呵成的大提琴協奏曲，顯然德弗札克在這個時候寫作大型管弦樂作品仍舊相當外行。釵h主題上的運用常常像個皮球似的踢過來又踢過去，在同一個死胡同中繞不出一個所以然來。即便旋律再怎麼優美，仍舊缺乏一股魔力吸引著聆聽者的耳朵進入他的樂思當中。追根究底還是德弗札克的寫作技法出了釵h問題，其中鋼琴本身寫得既笨重又不平衡。釵h鋼琴家企圖透過改寫扭轉這樣的局勢，這首作品最終還是簡璊ㄓF冷門的命運。 這也難怪李希特要說相較於巴爾托克他只用了2個月的時間學習，德弗札克卻得用18倍的時間來學習這首曲子。不知道他當初是基於什麼樣的動機來碰這首吃力不討好的協奏曲，試想同樣的時間他可以多練幾首像巴爾托克第二號鋼琴協奏曲一樣精彩的曲目呢？身為一個後生晚輩的我，也只能無奈的嘆：「李希特大師，我還真是搞不懂你噢！」 http://blog.roodo.com/roshan/archives/6147143.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:38 |
| [#8798] 李希特【舒伯特：鱒魚鋼琴五重奏】 Sviatoslav Richter, Piano Member of Borodian Quartet Michail Kopelman, Violin Dimitri Schebalin, Viola Valentin Berlinsky, Cello Georg H顤tnagel, Double Bass Franz Schubert Piano Quintet in A Major, D.667 Recording Location: 18 June 1980, Schloss Hohenems, Austria Remastering Engineer: Yoshio Okazaki EMI TOCE-13031 一年前的酷暑曾經推薦過揚多與高大宜弦樂四重奏團員的鱒魚鋼琴五重奏，沒想到一年後的夏日聽了李希特與包羅定的團員在80年代合作過的鱒魚鋼琴五重奏，也被這份演奏的某些特質給吸引住。 在坊間流通的釵h文章中，總是會提到李希特是個室內樂高手。撰述的是他在進入莫斯科音樂學院以前如何地與其他樂手合作室內樂。但是翻開李希特公開演奏的列表一看，單從數據上看起來這樣的說法還有待考證。 Richter photo 就拿鱒魚五重奏的次數來看，李希特演奏這首A大調鋼琴五重奏在40年代的時候演奏過2次，80年代演奏過5次，生涯共正式演出7次；德弗札克兩首A大調鋼琴五重奏（作品5與81）在80年代分別演出21次；舒曼的鋼琴五重奏（作品44）陸陸續續從40年代到60年代演出7次，80年代到90年代共計5次。諸如此類的作品不勝枚舉。這些統計數字雖然不能完全代表李希特對於室內樂的愛好，但數字會說話，從列表上可以清楚看到李希特早年滿常演出類似的曲種，但是到了全盛時期的50到70年代次數少到難以想像。直到80年代才又陸陸續續撿回這些曲子與其他室內樂高手一同「對話」。 第一次聽到這份錄音，著實嚇了一跳。跟我印象中的李希特那種質地堅實音色呈現半混濁（類似白珍珠的質感）有相當大的落差。在這裡的李希特觸鍵一樣堅實帶勁，相當具有穿透力的樣子。但是音色卻突然呈現透明水晶的光芒。讓我在驚喜中略帶一點意外。包羅定弦樂四重奏所演奏出來的音色與當初預測的結果差不多，一樣是十分硬朗。從第一樂章開始的和弦便注定這是一張十分「精彩」的室內樂。 不知道為什麼聽他們演奏室內樂讓我想到義大利大鍵琴家亞歷山卓里尼（Rinaldo Alessandrini）對協奏曲（Concerto）這個字所闡述的的意義：「『協奏曲』這個字，所包含的概念是極端的動態風格。他涉及到的想法可以是對話、對比、競爭、競賽，但同時也是和諧與共處。」李希特與包羅定之間的關係就像在競爭一樣，輪流展現個人的音樂魅力。有時候鬧起來就像在打架一樣，但是音樂銜接得卻又完美無缺。與去年介紹的楊多與高大宜是天南地北的詮釋。 Georg H顤tnagel 另外我想特別提出來的是關於反覆的問題。在這份錄音當中李希特與包羅定將所有的反覆都照譜演奏一遍。原本以為這應該是常態，但是檢查了手邊幾個拿得到的版本，才赫然發現並不是自己想像中的樣子。柯爾榮與維也納愛樂團員的演奏直接省略了第一與第五樂章的反覆。而楊多與高大宜四重奏以及吉利爾斯與阿瑪迪斯四重奏則是省略了第五樂章的反覆。原本以為雷翁絲卡雅與阿班貝爾格弦樂四重奏（本片的低音大提琴手Georg H顤tnagel 同樣在該片中擔綱演出）會照譜也出，沒想到第五樂章也同樣省略掉D. S.的反覆。這表示當年演奏慣例是習慣省略這些反覆嗎？雖然沒有直接的證據證明這樣的推斷，但是我相信以舒伯特的手法來看，在那些演奏家的眼中似乎是過於鬆散而冗長的。因此他們選擇了忽略舒伯特的想法而做「適度的」修改、刪節，這在那個年代是個常有的現像。但是在李希特眼中似乎不是正確的做法。 在李希特的筆記當中，多次表達了他對奏鳴曲式當中反覆記號的重視。在1985年12月27日的筆記當中，他寫到當天去聽了普萊亞的蕭邦獨奏會。會後他問普萊亞為什麼沒有反覆b小調奏鳴曲當中的呈式部。普萊亞相當驚訝地辯稱「沒有人這樣做阿！」對此李希特所表達的看法雖然沒有明講，但卻看得出來不甚高興。「難道舒伯特的奏鳴曲也真是如此嗎？」他這樣捫心自問。另外一個例子是他去聽了布列茲指揮海頓的99號交響曲後，在1971年7月4日的筆記中記載著他對布列茲的稱部A但卻因為他在海頓的交響曲沒有反覆而表示對他抱有任何期待。 除了古典時期的奏鳴曲式李希特十分堅持呈式部反覆外，在巴洛克時期的作品當中他也相當強調反覆的重要。名導演Bruno Monsaingeon才剛與顧爾德完成一部關於郭德堡變奏曲的影片後，李希特問他：「顧爾德是否遵守反覆？」Bruno Monsaingeon答說：「是的，在卡農變奏曲的第一部份有反覆。」這時候李希特大吼：「什麼？不是全部！1957年他來莫斯科開演奏會時我老早就告訴他，這件作品的結構相當複雜；少了這些反覆就沒有任何人可以瞭解這部作品。這樣一位鋼琴家，這樣一位了不起的大鋼琴家…。」 從這些小故事不難看出李希特對於樂曲結構的重視。抱歉，扯遠了，回到鱒魚五重奏吧！雖說李希特這份鱒魚將所有反覆演奏出來後相當冗長，但是在精彩的演出與強烈的節奏感為前提下，加上音量的動態十分劇烈，讓人絲毫不因為舒伯特樂曲的結構鬆散而感到無聊。友人元程兄提出舒伯特在發展部的手法十分不純熟，其中舉的例子便是鱒魚的第一樂章。的確，略懂曲式的朋友都不難聽出舒伯特在第一樂章的發展部寫得有點莫名其妙，在呈式部寫出這麼漂亮的主題後發展部長度過短加拙劣的寫作手法，草草收尾後就回到再現部。或雪礄阞犖t奏家也因為看準了這項缺點，而刻意省略掉呈式部的發展讓樂曲的結構聽起來較為緊湊。在我看來第一樂章就變得有點像鏡像的效果，以發展部為分界，呈式與再現變成主要的演出內容。唯獨李希特堅持演出全部的反覆，從時代的眼光角度來看，李希特的真知灼見是相當明確的選擇。這讓我想到知名汽車廣告標語：「追隨者只能看見領先者的腳步。」 http://blog.roodo.com/roshan/archives/3670773.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:41 |
| [#8799] 卡拉揚【貝多芬：三重協奏曲】 Sviatoslav Richter, Piano David Oistrakh, Violin Mstislav Rostropovich, Cello Herbert von Karajan, Conductor Berlin Philharmonic (Beethoven) George Szell, Conductor The Cleveland Orchestra (Brahms) Ludwig van Beethoven 1. ~ 3. Triple Concerto in C major, Op. 56 Johannes Brahms 4. ~ 6. Double Concerto in a minor, Op. 102 Recording Location: 15-17 September 1969, Berlin (Beethoven), May 1969, Cleveland Sevelance Hall (Brahms) Producer: Peter Andry Remastering Engineer: Yoshio Okazaki EMI TOCE-13037 Sviatoslav Richter: Notebooks and Conversations 「這是一份可怕到讓我想完全切割的錄音。在錄音間時我只記得這是一場相當可怕的夢魘。」1969年的9月俄羅斯三大巨頭於柏林與卡拉揚錄下這一份爍古震今的世紀演奏，於30多年後的今日釵h要聽貝多芬三重協奏曲的人第一個會想到的還是這份「經典演奏」。但是在李希特的看法裡，這卻是一場全然不想承認的災難。 「戰線是這樣劃開的，卡拉揚和羅斯托波維契站在一邊而歐伊斯特拉赫夫和我則是站在令一邊的陣線上。羅斯托波維契亦步亦趨地做出每件卡拉揚想做的事情，但是卡拉揚卻犯了對這件作品相當清楚、明確的錯誤而不自知，但我卻相當介意。在這些錯誤中，第二樂章進來的速度就過於緩慢。卡拉揚阻礙音樂自然的流動。他在扭曲音樂，無論是我或是歐伊斯特拉赫夫對此都感到相當感冒。但是羅斯托波維契卻試著迎合敵人卻使得自己失去了自我。卡拉揚看到我相當不高興而歐伊斯特拉赫夫非常生氣。他問為什麼？我故意留在後台而不去惹他。但卻是因為羅斯波拖維契讓人相當惱怒。」在李希特對話與筆記（Sviatoslav Richter: Notebooks and Conversations）一書中，記錄了這段相當生動有趣的錄音場景。也看得到所謂的大藝術家對於自我見解的看法與堅持，雖然有時候爭吵起來真的很像四個小孩子在鬧脾氣的樣子，但或陷N是這份「堅持」讓這些藝術家與別人那麼的不同而自成一格。 其實貝多芬這首三重協奏曲，對我而言就跟李希特對這份錄音的看法一樣，是一場可怕的夢魘。貝多芬或閉O考量當當時演奏家的演出實力亦或陪n平均去分配戲份給每個獨奏樂器與指揮，使得整首曲子聽起來不像貝多芬其他作品那麼多變，常常同一主題就在三種樂器和樂團總奏中如同繞迷宮一般，怎麼走也走不出新的花樣。這在貝多芬的作品中相當罕見。或釦A可以說是我對貝多芬有太多不切實際的遐想吧？但是我就是不喜歡這樣的貝多芬。透過這四巨頭台面上「光輝燦爛」的演出加上台面下「暗潮洶湧」的鬥法，增添一點傳奇的色彩，才讓我從這個窠臼中逐漸聽到這件作品美麗的一面。 http://blog.roodo.com/roshan/archives/6114163.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:45 |
| [#8800] 伯恩斯坦【貝多芬：弦樂四重奏】 Leonard Bernstein, Conductor Wiener Philharmoniker Ludwig von Beethoven 1. ~ 4. String Quartet in F major, Op. 135 5. ~ 11. String Quartet in c sharp minor, Op. 131 Recording Location: Wien, Musikverein, 9/1989 (Op. 135); Wien Konzerthaus, 9/1977 (Op. 131) Executive Producer: Alison Ames (Op. 135); Gunther Breest (Op. 133) Balance Engineer: Hans-Peter Schweigmann (Op. 135); Klaus Scheibe (Op. 131) DG 435 779-2 經過一年的沈澱，我終於有機會從比較遠觀的角度來看這張錄音。當初的感動並沒有被時間的洪流給埋沒，而是隨著歲月的增長而越磨越亮。 記得那是一個夏季炎熱、蟬鳴如雷的中午，在中和市區某所國中陪考。哪個單位招考什麼職位早就忘了，除了極低的錄取率還有一堆臉上寫著炮灰的考生外，對那天印象最深刻的就是從MD中傳出來的貝多芬弦樂四重奏。演奏這曲子的不是真正的弦樂四重奏，而是近乎管絃樂團邊制的維也納愛樂弦樂團。 關於這張唱片時空要拉到1937年1月。當時希臘指揮家米卓波羅斯（Dimitri Mitropoulos）才剛到美國指揮波士頓交響樂團做為他在此地的首演，演奏的曲目就是改給弦樂團的貝多芬弦樂四重奏，Op. 131。當時的伯恩斯坦只是個哈佛大學的大二生，之所以會讓他印象這麼深刻是因為當時正是哈佛大學的期中考。 前陣子在看友人元溥訪問眾多鋼琴家集結成冊的《遊藝黑白》時，鋼琴家王青雲教授是這麼形容貝多芬的：「他的音樂就是真正的『神性』，他心中真的有神，他也和神對話。不只是《皇帝》，他的釵h作品，特別是晚期的《弦樂四重奏》，都能聽到這種感覺。」 當我看到這裡，第一時間想到的就是這張唱片。因此把塵封一年多的記憶從唱片架上再度拿出來感動一次。不知道到底是伯恩斯坦厲害，還是維也納愛樂的弦樂部神奇？聽到Op. 135的慢板樂章時，幾個走鋼絲的高音在空中滑來滑去時，似乎感受到透過音樂，我正與貝多芬還有上帝面對面坐下來。 這張唱片最早在LP發行的時候只有1977年現場演出的Op, 131，一首曲子就佔滿了LP的兩面。後來1992重新發行CD時才又加入1989年現場演出的Op. 135。CD發行絕版一陣子以後，今年才又以低價盒裝的方式，收錄在一套6張裝的伯恩斯坦低價系列裡面。除了弦樂四重奏以外還包含了伯恩斯坦在柏林圍牆倒塌時演奏的《自由頌》，以及最後一場公開音樂會與波士頓交響樂團合作的貝多芬第七號交響曲。雖然少了高價版唱片那張意氣風發的指揮照片，但是內含的音樂依舊讓人感動百分百。無論是新舊樂迷，都百分百推薦這。 http://blog.roodo.com/roshan/archives/4304695.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:48 |
| [#8801] 阿巴多【馬勒：第九號交響曲】 Conductor：Claudio Abbado Orchestra：Berliner Philharmoniker Label：Deutsche Grammophon Catalogue Number：471624 Number of Discs：1CD Balance Engineer：Klaus-Peter Grosz Recorded：Philharmonie, Berlin; Sep 1999(Live Recording) Times：here 這一系列連續推出的三張阿巴多馬勒新錄音，可以說是該年度最受矚目的馬勒唱片了。主要還是因為這幾張錄音發行時間，正巧是在阿巴多卸任柏林愛樂總監之前；在這個時機發行這一系列的馬勒錄音，可以說是阿巴多對於這幾首曾錄音過的曲目作再一次的檢視，這也代表著阿巴多的馬勒新觀點，而這張第九號的演出特別令人滿意。重點在於阿巴多透過純淨的音色，終於使這個樂團發出異於卡拉揚的聲音，而是屬於阿巴多自己的聲音。 這張唱片是1999年九月柏林音樂節的現場錄音，阿巴多已經是這首交響曲的精彩詮釋者，阿巴多早期與維也納愛樂的第一次錄音本身是相當幸運，但第二次錄音我更感覺到強烈的情感，尤其是第一與第三樂章。演出相當纖細，並且以更為收斂的觀點來出發，並漫佈著深遠的離別味道。 第一樂章從第一小節到最後都充滿著整體性極佳的效果，而且我認為重複聆聽下依然可以得到很好的成果。在音樂推移之中，雄壯的交響曲必須有著深層的呼吸，否則音樂也只是一系列破碎的塗鴉。所以整體而言，阿巴多靈活的控制是相當傑出的，但是相對於伯恩斯坦指揮柏林愛樂的演出，雖說一樣都是同一個樂團、同一個音樂廳中的「現場演出」，還是有些馬勒樂迷會抱怨阿巴多犧牲了激情的力量。但其實禁慾般的觀點比較適合這個樂章，例如克倫培勒的演出，只是克倫培勒的速度慢的太過誇張，因此可以說阿巴多更接近於馬勒的觀點。在平靜的樂段可以感到聲音保持著相當程度的甜美，弦樂亦是非常生動，法國號與長笛的二重奏是如此的美妙，阿巴多對樂符的闡述可說樂團的音色變得柔美，小心翼翼的使聲音不至於過度銳利。不像伯恩斯坦的演出一般立即令人折服，這個演出必須花下不少心思才能領略其精彩，特別是在第一樂章中間的轉折點部份，那種將所有哀愁吐露出來的味道，幾乎可以說超越了其他所有的版本。 中間兩個樂章的演出更是令人沈醉在其中。第二樂章詼諧曲阿巴多將馬勒所有的細節與色彩清晰的呈現出來，特別是木管部份令人非常滿意。雖說阿巴多有注意到馬勒在樂譜上的標記，但他卻沒有確實依照上面的指示演出，某些樂段逐步加速令人屏息。在某個程度上來看，這種方式在情感上反而更為貼近、更具有吸引力的，而阿巴多對於第二樂章中厭世情緒的掌握更為精彩。 第三樂章迴旋曲的重點在於馬勒哀愁音調的掌握，而阿巴多卻輕鬆的傳達出來了，低音與低音號的咆哮令人恐懼。尤其到了第三樂章最後部份(522小節處)速度激增，整個指揮與樂團進入了激烈狀態，甚至比伯恩斯坦還要瘋狂，宛如整個樂團著火一般。我認為阿巴多不只是在詮釋馬勒，甚至在替自己在說話了。阿巴多將節奏不斷增快，直到最後將整個音樂推向自我的崩潰，令人幾乎忍不住想要離開座位，阿巴多累積了釵h令人害怕的憤怒與恐懼。 第四樂章反應出了阿巴多的觀點，厭世的感覺從來沒有消退過。深沈強烈的弦樂使音樂有著巨大的質量，幾乎到達了血液凝固的程度；而另一個值得注意的地方則是弦樂出色的滑音。雖說有時可以感到音樂中的哀愁，但卻又不至於過於痛苦，因為不過度誇大的正是阿巴多的特色。樂章最後結尾處也是相當美麗的，在告別氣氛濃厚的第四樂章完結後，全場竟然沈浸在哀傷的餘韻之中，連續沈默數十秒才響起熱烈掌聲，由此更可見此張錄音的經典。 在錄音方面，這張唱片還入選了TAS年度發燒名盤，但也是名至實歸的。雖說平衡從頭到尾都過於灰暗，感覺就像是你坐的太接近前方舞台了。然而當演奏開始時，聲音細節反而清楚的嚇人，而這種平衡讓你在家裡聆聽時會感到令人驚訝的好。整個壯麗的音響都被搬到房間裡面，特別是豎琴與英國管的聲音是如此的清晰，長號與法國號更是如此的嘹亮。 通常「Live」相對的在某些程度上也代表著演出的意外，但這場演出中，柏林愛樂以精湛的技巧令所有人折服。馬勒第九號交響曲有釵h差勁的版本，當然也有釵h好版本。而這個版本更是足以名列偉大版本之列，甚至我可以說這場演出是阿巴多最偉大的一張馬勒錄音。阿巴多經歷多年癌症，長年處於死亡陰影使其成為馬勒的偉大詮釋者，而他這次的詮釋也比上一次的錄音更為接近馬勒。 http://rachsu.lenhost.info/reviews/Abbado_Mahler_Symphony_9/Abbado_Mahler_Symphony_9.html  |
george1977 正式會員 222.xxx.xxx.52 |
2008-07-20 08:50 |
