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| [#9662] From a Vault in Paris, Sounds of Opera 1907 By ALAN RIDING PARIS — On Dec. 24, 1907, a group of bewhiskered men gathered in the bowels of the Paris Opera to begin a project that by definition they could never see to fruition. First, 24 carefully wrapped wax records were placed inside two lead and iron containers. These were then sealed and locked in a small storage room with instructions that they should remain undisturbed for 100 years. The man behind this musical time capsule was Alfred Clark, a New Yorker who headed the London-based Gramophone Company and had provided the records. And in truth, once the ceremony was over, he had achieved his primary objective of drawing attention to his company and to the new flat-disc records it was promoting to compete with the better-known cylinders. “I know of no other case where a commercial firm has obtained so much free publicity as we have,” he wrote to a colleague two days later. The Paris Opera displayed a more elevated sense of history. Through this selection of opera arias and instrumental pieces, it announced, future generations could discover the musical taste and the quality of sound recording of the early 20th century. French officials also predicted radical changes in recording technology. So in 1912, when they added 24 records and two more containers to the trove, they included a new hand-cranked gramophone, along with instructions on how it worked and a score of spare stylus needles. Now the 100 years are up, and after lengthy examination, cleaning and digitizing of the records, EMI, the heir to the Gramophone Company, is reissuing them on three CDs. The collection will be released in France later this month as “Les Urnes de l’Opéra” and in the United States in early April with the English subtitle “Treasures From the Paris Opera Vaults.” Most intriguing is the repertory chosen for posterity, and here the surprise is the lack of surprises. Wouldn’t any opera season today also offer evergreens by Rossini, Donizetti, Verdi and Puccini as well as by Bizet, Gounod, Wagner and Mozart? And won’t many concert programs this year include instrumental pieces by Beethoven and Chopin? Along with these household names are French composers whose lasting popularity was perhaps less assured. In practice Massenet and Saint-Saëns, who were both still alive in 1907, have fared well in the interim. But operas by Adolphe Adam, Giacomo Meyerbeer, Victor Massé and Ambroise Thomas (apart from his “Hamlet”) are now rarely performed, even in France. The passage of time is also apparent in the way pre-19th-century music was largely overlooked. Although Mozart was hardly in vogue in 1907, he made the list with arias from “Le Nozze di Figaro” and “Don Giovanni.” But there was no room for Gluck, Handel or Monteverdi, who in recent times have been called on to satisfy the opera world’s need for novelty. The quality of the recordings themselves is much as might be expected. A century ago, when recordings were made by piping sound through a horn to a diaphragm attached to a cutting stylus, scratchy sound was inevitable. Further, because string instruments were barely audible in early recordings, technicians favored the piano and wind instruments. The Gramophone Company’s international reach enabled it to feature the top singers of the day. The great tenor Enrico Caruso can be heard in three excerpts from Verdi and one each from Donizetti and Puccini, and the Australian soprano Nellie Melba sings a solo from Verdi’s “Rigoletto” and Cherubino’s “Voi che sapete” from “Le Nozze di Figaro.” The legendary Russian bass Feodor Chaliapin could hardly be omitted, although he sings only a Russian ballad. In contrast, the Italian tenor Francesco Tamagno, who created the title role in Verdi’s “Otello” in 1887, offers a dramatic reprise of the Moor’s dying aria, “Niun mi tema,” to piano accompaniment. Other singers in the time capsule may be known only to opera buffs, but some earned footnotes in opera history. Hector Dufranne, for instance, created the baritone role of Golaud in Debussy’s “Pelléas et Mélisande,” and Ernestine Schumann-Heink created the role of Clytemnestra in Strauss’s “Elektra.” Yet the dream of Alfred Clark and the Paris Opera that these records would be heard a century later has been only partly realized. In 1989, while air-conditioning was being installed, the opera house’s administrator insisted on opening the storage room where the containers were. It was then discovered that one of the 1912 containers had been opened and emptied and that the gramophone was missing. The three remaining containers were moved to the French National Library. So in December 2007, when two of the sealed containers were presented to the news media at the opera house before being opened, the gramophone on display was actually an identical period copy of the one that had been stolen. There were further complications. The records had been wrapped in asbestos-covered cloth, which only technicians wearing all-body protection could handle. They had also been separated by thick sheets of glass; in one container, 9 of 13 sheets had broken. But most records were undamaged. By good fortune, the first 1907 container and the surviving 1912 container included parchments with a detailed list of all the musical pieces chosen in each year. As a result, thanks to the national library’s collection of 350,000 pre-1938 recordings, it was possible to digitize the same records as those missing from 1912. Finally, it was decided to leave the other 1907 container sealed and again to use identical recordings from the library’s collection. “Even if these old records are played once, they are slightly damaged by the needle,” said Elizabeth Giuliani, who oversaw the project at the library. “We decided to await new optical technologies that can read them without touching them.” So even now the experiment is not quite over. But it has at least drawn attention to a long-ignored plaque set in the marble floor at the entrance to the Comédie-Française, France’s national theater. Dated Dec. 10, 1957, it notes that a live recording of a performance of Henry de Montherlant’s play “Port-Royal” is buried there “for the attention of future times.” It just doesn’t say when the recordings should be dug up. http://www.nytimes.com/2009/02/17/arts/music/17vaul.html?ref=music Urnes de l’Opéra — 1907 Officials in Paris on Dec. 24, 1907, preparing to fill a canister with records of famous opera singers and instrumental pieces.  |
george1977 正式會員210.xxx.xxx.97 |
2009-02-18 15:10 | |
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| [#9663] 樂聞樂思》不只食肉糜 還要吃牛排 @ 焦元溥/聯合晚報 幾週前，一位出版業的先進和我訴苦：原來她前一陣子說「休無薪假可以多看書」，結果被罵「不食肉糜」。 看到她的電郵，不知為何，我腦中浮現的倒不是晉惠帝，而是指揮大帝卡拉揚。 當年卡拉揚因為受雇於納粹，戰後被盟軍禁演並接受調查。在那段徹徹底底的無薪假裡，一般人大概就韜光養晦，或努力動用關係讓自己早日平反。但卡拉揚不是。在那段艱苦時日裡，他竟然逼自己學義大利文，每天看文法書背單字不說，甚至還規定進度：只要一天達不到自訂標準，那天就不吃晚壎H為懲罰。 結果等到禁演期結束，卡拉揚不但能說義大利文，更把重要義大利歌劇曲目一併學會，將歌劇音樂、義大利文歌詞與日常用語融會貫通。靠著刻苦自強，卡拉揚在無薪假裡不但大幅拓展自己的曲目，日後義大利歌手在他面前也不能再有些傢府V。事實上放眼二十世紀，能在德、義、法三系歌劇皆有頂尖成就的指揮大師，卡拉揚堪稱箇中之最，至今也無人能出其右。被禁演又何妨？休無薪假又怎樣？不趁得空時自修，景氣好時又怎能找到更好的位置？就算沒工作，卡拉揚甚至連肉糜都看不上眼——他是要吃就吃牛排的狠角色。 不是每個人都是卡拉揚，但我們至少該知道這樣的例子，知道即使是音樂天分奇高如他，其成本P成就仍然來自辛勤努力與不斷充實。我們雖然難以達到卡拉揚心比天高的鬥志與決心，但與其抱怨景氣不佳，何不在得空時看本好書，自蘊藏文字中的藝術或智慧來充實自己——那仍是在經濟蕭條環境下，最基本卻也是最簡單的「自我投資」。 聖嚴法師在今年法鼓山除夕撞鐘錄影裡，病中仍不忘勉勵大家「只要有信心，就可以在失望中看見希望，在艱苦的環境下創造快樂，在不景氣的年代裡擁抱幸福。」明天是台北書展最後一天，不管參不參加，都希望大家能在新的一年裡多讀好書。也願這位偉大的學問僧永遠與我們同在，陪伴我們在嬝疙怳艀w平安，在逆境中磨練成器。 http://paper.udn.com/udnpaper/PIC0002/150372/web/  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-18 16:25 |
| [#9664] 德國指揮家鄧陵鶦S( Klaus Tennstedt, 1926 - 1998 ) 德國指揮家鄧陵鶦S( Klaus Tennstedt, 1926 - 1998 )，1926 年出生於德國莫斯堡( Merseburg )，就讀萊比錫音樂院，1953 年首度登臺指揮，1958 - 1962 年間任德勒斯登歌劇院總監，其間還指揮了德勒斯登國家管弦樂團、萊比錫布商大廈管弦樂團、柏林廣播交響樂團等東德知名樂團，並出訪捷、俄等共產主義國家，1971 年於瑞典尋求政治庇護...，以上這些是大家都知道，但也都不清楚的( 有誰知道他聽蘛w勒斯登歌劇院總監時都指揮那些歌劇作品...)。 Further reading: http://www.southaudio.com.tw/Music%20ABE01.htm  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-18 16:49 |
| [#9665] 指 揮 家 貝 姆 逝 世 25 週 年 紀 念 專 輯 .. 我和歌德出生在同一天，他可是個一本正經的人，而我也是。 --- 貝姆 Further Reading: http://www.southaudio.com.tw/Music%20ABG01.htm  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-18 16:52 |
| [#9666] 好聽的片子該如何讚美？ 2007 年 3 月號的《人民音樂留聲機》雜誌給了美國女指揮家艾索普( Marin Alsop, 1956 - )指揮倫敦愛樂管弦樂團的《布拉姆斯第三號交響曲》( Naxos 8.557430 )“主編特選( Editors Choice )”的好評( 詳見第 83 頁 )，其推薦的口吻非常...非常具有深度 --- Further Reading: http://www.southaudio.com.tw/Music%20AFL01.htm  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-18 16:54 |
| [#9667] 4 Seasons in blue 最近行衰運 中午小休 找來這一張藍碟 當藍調來聽 昇華一下  |
Trollope 正式會員 202.xxx.xxx.32 |
2009-02-19 13:23 |
| [#9668] 4 Seasons in blue Trollope The most sought-after "4-seasons" played by I Musici and Pina Carmirelli, except the legendary version with Felix Ayo! george1977  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-19 14:46 |
| [#9669] 4 Seasons in blue Indeed I am looking for this mono account played by I Muisici and Felix Ayo in their first time collaboration  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-19 14:50 |
| [#9670] 德弗札克的「B小調大提琴協奏曲」 http://music.u-audio.com.tw/musicdetail.asp?musicid=143  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-19 14:54 |
| [#9671] 杜南伊指揮愛樂交響樂團最新錄製的布拉姆斯第二號與第四號交響曲 此碟相關評論 http://music.u-audio.com.tw/musicdetail.asp?musicid=165 http://www.musicalcriticism.com/recordings/cd-philharmonia-0808.shtml  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-19 15:11 |
| [#9672] 天下無雙、古今鮮對 不讓大陸女子十二樂坊專美於前，一支集合國內各大學國樂系美女的「無雙樂團」，由於成員個個有張明星臉，未出片，部落格已爆紅。 國內大學音樂系所美女組成「無雙樂團」，個個都是明星臉，既有模特兒的臉蛋與身材，又有音樂家的才藝，要在國內掀起一股「國樂瘋」。 記者陳瑞源／攝影 催生者劉學軒企圖以美女樂團的力量，拯救宅男女，接受音樂薰陶，還要將國樂推向大銀幕，顛覆一般人對國樂的傳統思維。 無雙樂團的成員平均年齡廿三歲，十人十張明星臉，就像把蔡依林、林志玲等人集合起來，連已故偶像藝人許瑋倫也找得到，讓網友直說：「正翻了，比大陸女子十二樂坊還靚！」曾目睹演出的網友接力背書：「真的很有料。」 美女樂團幕後推手是文化國樂系助理教授劉學軒，他從去年五月起，與音樂家妻子明查暗訪，像超級任務尋找「國樂系美女」，一有人推薦，就瀏覽被推薦者的無名相簿，半年來看完上百本美女相簿，訪遍國內國樂系大專院校，挑出十人成軍。 劉學軒說，文化的姜采希、吳悠帆、郭哲麟、彭詩倫是第一批成員，陸續網羅台灣藝術大學陳咏彤、陳咏欣，台南藝術大學陳詩涵、陳秋彣、林予涵與南京藝術學院李宛慈，去年底開始集訓，除了排練錄音，還有美姿美儀與肢體表演課程。 無雙樂團由笛子、柳琴、揚琴、中阮、古箏、二胡、打擊樂器組成，為彌補國樂器中低音的不足，劉學軒特別加入大提琴，讓音域更完美。不過常見的琵琶是該團遺珠，劉學軒說：「因為擁有琵琶氣質的美女實在難找。」 劉學軒表示，無雙結合交響、流行與電子樂風，顛覆常人對國樂的刻板印象。他說，很多人聽到國樂就聯想到「西索米」，上綜藝節目時，主持人也問，「妳們是禮儀公司派來嗎？」但聽完演奏後立刻改觀，直說：「好聽、好特別。」 他透露，六月發片是第一步，未來將朝「無雙劇場」方向努力，為該團量身打造劇本，讓團員除了演奏樂器，還要能唱、舞、劇，真正成為不可取代的「無雙」樂團。 http://udn.com/NEWS/NATIONAL/NATS5/4750960.shtml  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-23 17:05 |
| [#9673] 前蘇聯歌劇凸顯情欲/《馬克白夫人》剖析人性 拉脫維亞國家歌劇院將會為今屆香港藝術節上演兩齣歌劇，其一是韓德爾《阿爾辛娜》，另一是蕭斯達高維契《莫桑斯克的馬克白夫人》。 喜愛歌劇的樂迷對於拉脫維亞國家歌劇院定必不會感到陌生。該院在二○○二年十二月獲康樂及文化事務署邀請演出威爾第《那布果》與柴可夫斯基《尤金．奧涅金》。該院在音樂總監兼首席指揮林卡維喬斯（Rinkevicins）領導下，演出效果頗佳，當中以《尤》劇更為精彩。 拉脫維亞歌劇院演出 該院今次來港，依然是由林卡維喬斯領導，他將會指揮《馬克白夫人》一劇（下稱《馬劇》），而另一齣《阿爾辛娜》，則由Veismanis指揮。此外，○二年來港的男中音伊祖慕斯（Izjumovs）與女中音庇嘉卡（Bigaca），今次亦會分別演出《馬》劇及《阿》劇。 論歷史，創辦於一九一九年的拉脫維亞國家歌劇院，當然是一個老牌藝團。可惜由於政治等原因，始終地處一隅，一直未能在國際樂團揚名立萬。不過，該劇院自一九九六年開始，在總經理Zagars（亦即今次《馬》劇的導演）大力開拓國外市場後，逐漸在歐洲闖出名堂。在波羅的海一帶，該劇院更是數一數二。 據了解，該劇院今次就所演兩齣歌劇的人手編排方面，頗有不同。《馬》劇是全由該劇院屬下演員擔演；《阿》劇的主角，則由「外援」擔任，而劇裡的舞蹈場面，亦由其他專家及藝團協助。從藝術交流來說，有「外援」參與，當然是好事，從觀眾利益來說，如果有「外援」參與而演出效果更臻美善，亦誠屬好事。 據筆者估計，有不少選擇購票欣賞《馬》劇的觀眾，都是帶著很大的好奇心而來。大家很想透過台上的演出，探索此劇為什麼在前蘇聯的斯大林時代惹起軒然大波，甚至遭受全面封殺。 一九三○年秋天，蕭斯達高維契根據俄國小說家里斯哥夫（Leskov）的同名短篇小說，開始創作此劇。當時的蕭氏，只是一個二十四、五歲的年輕人。三二年十二月，蕭氏完成此劇，但要到三四年一月才在列寧格勒公開首演。由於好評如潮，此劇在同年稍後時期轉至莫斯科續演，並且同樣受到歡迎。再者，海外劇團亦自三五年一月開始，陸續公演此劇。因此，當時的大城市，例如紐約、費城、斯德哥爾摩、布拉格、蘇黎世，都演過此劇。 可是到了三六年一月的某一次演出，斯大林是座上客，當時台上的歌劇還沒演完，斯大林就匆匆離開，沒有給予片言隻字的評論。其實，據悉他提早離開劇場，是要趕赴會議。然而，他提早離場的舉動，在政治環境異常敏感下，卻被解讀成國家領導人對此劇極為不滿，以致拂袖而去。於是，評論界在揣摩「上意」後，統一口徑全力狠批此劇，而蕭氏的「罪名」是以失實虛假的手法，描述一個本屬完美的世界。 此劇受到官方嚴批後，瞬間就在整個蘇聯境內消失。蕭氏所受的打擊根本不言而喻。他亦受到很大壓力，要把原劇改寫。終於到了六三年，他把此劇改稱為Katerina Izmaylova。劇裡的女主角，由原先主動通姦、積極設計謀害翁、夫的邪惡女性，轉變為一位在男性社會備受欺凌的可憐婦人。這個版本其後亦於六六年拍成電影。 聲樂與器樂結合成功 到了七九年，亦即蕭氏逝世後四年，蘇聯音樂家羅斯德波維奇取得原劇的樂譜，把《馬》劇搬到國際舞台。其實，《馬》劇的最大特色，是透過下層人物的粗獷驚慄行為，剖示人的情欲與自由的問題。藝術上，《馬》劇最成功之處，是以聲樂及器樂凸顯人類的情欲、暴力、惶恐、痛苦等狀態，而聲樂與器樂的結合十分成功。樂迷欣賞此劇時，必須注意這一點。 此劇的錄音選擇不多，筆者鄭重推薦羅斯德波維奇在一九七九年領導倫敦愛樂樂團的版本。唱片裡的女主角是由名家Vishnevskaya擔任，而她所唱的Katrina，絕對是權威演繹。《企鵝唱片指南》給予這套錄音四星帶花的「終極」評論。至於視像資料，上述在一九六六年拍成的電影，亦即六三年的修訂本，當然值得一看。以上的唱片及電影，都可以在香港買到。 ○九年香港藝術節導賞系列之五 編者按：歌劇《莫桑斯克的馬克白夫人》由二月二十七日至三月一日在香港文化中心公演。 http://www.takungpao.com/news/09/02/24/MFTX-1037747.htm  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-24 10:19 |
| [#9674] 簡寧天辭任港樂團行政總裁 簡寧天辭任港樂團行政總裁 2009-2-23 【大公報訊】香港管弦樂團行政總裁簡寧天宣布辭任，並將於二○○八至○九年樂季結束後離任。簡寧天於二○○四年一月加盟港樂，任職樂團藝術顧問，並於翌年六月起擔任行政總裁。離港後，他將回到澳洲南部的城市墨爾本與家人團聚。 簡寧天表示：「過往五年，我能與香港管弦樂團及大師艾度．迪華特共事，親身見證樂團茁壯成長，我深感榮幸。」他並說：「香港銳意藉著發展西九龍文化藝術區，確立香港的文化地位，香港管弦樂團亦已準備就緒，為西九未來的發展擔當重要角色。」港樂藝術總監兼總指揮艾度?迪華特表示與簡寧天共事的五年間合作得非常愉快，對他為樂團作出的貢獻表示感激。 港樂監察委員會主席劉元生感謝簡寧天為推動港樂藝術水平努力不懈，並宣布稍後於本港以至全球展開招聘。 http://www.takungpao.com/news/09/02/23/YL-1037124.htm |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-24 11:05 |
| [#9675] 夢幻搭檔玩室內音樂 Martha Argerich 和 Gidon Kremer的夢幻搭檔，又將在唱片中玩室內音樂登場。EMI即將發行兩人2006年在柏林的音樂會現場錄音。 曲目以舒曼第2號小提琴奏鳴曲、Bartok 第1號小提琴奏鳴曲、無伴奏小提琴奏鳴曲為主軸，另還包括舒曼Children Scene、（Liebesleid）、（Schon Rosmarin）。  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-24 11:29 |
| [#9676] 熱愛 Giulini 的樂迷幸甚了! 意大利指揮Carlo Maria Giulini 在 DGG 與 VPO 合作的布魯克納 (Anton Bruckner) 第七及第九交響曲的現場錄音一向得到好評 , 今次是柏林愛樂 (BPO) 更加令人期待 , 原來 Giulini 生前和那麽多演奏家合作的音樂會現場錄音 , 現作相繼出土 , 樂迷幸甚了! 英國歷史錄音牌子 Testament 計劃發行 Giulini 指揮柏林愛樂 (BPO)的錄音，包括布魯克納第七號、第八號等，還有與鋼琴家 Perahia 的莫札特第23號鋼琴協奏曲。  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-24 11:42 |
| [#9677] Decca公司發行了《The Art of Bernard Haitink》 事前率領 CSO 訪港的指揮家 Bernard Haitink 即將迎接他80歲的生日 (3月4日)。他所屬的Decca公司為他發行了《The Art of Bernard Haitink》7CD 碟的套裝專輯，精選他50年來為Philips以及Decca錄製的唱片，這套專輯收錄了多樣化的樂團組合 (Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, Berlin Philharmonic Orchestra, Vienna Philharmonic Orchestra , Boston Symphony Orchestra)，錄音年代也橫跨1950年代末到1990年代末。 Bernard Haitink 的指揮以浪漫和印象樂派曲目最為聞名，尤其是他在Philips唱片時期灌錄的馬勒、布魯克納、德布西和拉威爾，因為有前Mercury 錄音團隊的襄助，音響充份捕捉到阿姆斯特丹皇家音樂會堂內的美聲，大受讚揚。這套錄音是為慶祝他80大壽而發行，從他一生龐大的錄音作品中挑選最能代表其風格的各式曲目，除此之外，他拿手的歌劇指揮則以華格納的《Tristan & Islode 》中的愛與死為代表。另外 Haitink 早期為DECCA灌錄的蕭士塔高維奇交響曲全集也是西方第一套全面性探討蕭氏交響曲的錄音，曾一再贏得唱片大獎 (Gramophone, Penguin Guide)的肯定，本輯也選了第10號交響曲作為代表。 曲目: CD 1 Antonín Dvorák (1841 - 1904) [1]-[4] Symphony No.7 in D minor, op.70 Bedrich Smetana (1824 - 1884) [5] Má Vlast: Die Moldau Franz Schubert (1797 - 1828) [6]-[7] Symphony No.8 in B minor”Unfinished” CD 2 Ludwig van Beethoven (1770 - 1827) [1]-[4] Symphony No.7 in A, op.92 Johannes Brahms (1833 - 1897) [5]-[8] Symphony No.3 in F, op.90 CD 3 Franz Liszt (1811 - 1886) [1] Festklange Gustav Mahler (1860 – 1911) [2]-[5] Symphony No.1 in D CD 4 Richard Wagner (1813 - 1883) [1] Tristan und Isolde — Prelude and Liebestod Anton Bruckner (1824 - 1896) [2]-[5] Symphony No.3 in D minor (1877 version) CD 5 Richard Strauss (1864 - 1949) [1] Tod und Verklarung, op.24 Claude Debussy (1862 - 1918) [2]-[4] La Mer Maurice Ravel (1875 - 1937) Ma mere l’oye [5] Prelude [6] Danse du rouet et scene — Interlude [7] Pavane de la Belle au bois dormant [8] Entretiens de la Belle et de la Bete [9] Petit Poucet [10] Laideronnette, imperatrice des pagodes [11] Apotheose: le jardin feerique CD 6 Igor Stravinsky (1882 - 1971) [1] Scherzo a la russe Le Sacre du printemps 1ere partie – L’Adoration de la terre [2] Introduction [3] Les augures printaniers – Danses des adolescents [4] Jeu du rapt [5] Rondes printanieres [6] Jeux des cites rivales [7] Cortege du sage [8] Danse de la terre 2e partie – Le Sacrifice [9] Introduction [10] Cercles mysterieux des adolescentes [11] Glorification de lelue [12] Evocation des ancetres [13] Action rituelle des ancetres [14] Danse sacrale: l’elue Bela Bartok (1881 – 1945) [15]-[19]Concerto for Orchestra CD 7 Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840 - 1893) [1] Francesca da Rimini, op.32 Dmitri Shostakovich (1906 - 1975) [2]-[5] Symphony No.10 in E minor, op.93  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-24 11:58 |
| [#9678] 海廷克率「芝加哥」奏馬勒六出色 圖：樂團各部全神貫注投入演奏 本屆藝術節其中一項矚目的節目是著名指揮大師海廷克指揮的芝加哥交響樂團的音樂會，筆者欣賞的是2月7日於香港文化中心的演出。樂團的叫座力相當凌厲，很早的時候就經已爆滿。當晚的節目是馬勒的第六交響曲。 馬勒是奧德交響曲傳統的代表人物之一，這個深厚的傳統始自古典時代的海頓，接著的莫扎特，再經歷貝多芬、舒伯特、布拉姆斯、布魯克納，最後在後浪漫時期由馬勒來完成。這七位作曲家均與維也納結下不解之緣，他們當中有定居維也納的或是在維也納成長的，當年的維也納真是民豐物阜，人才濟濟，不但孕育了不少曠世奇才，亦同時見證了奧德交響曲的發展史。 至於這七位維也納的作曲家，筆者亦喜歡用「維也納七子」稱呼他們，皆因他們在音樂史中起了巨大和永不磨滅之影響力，他們所創作的交響曲都能使人洞見藝術家的識力與膽力，彷彿透過抽象的樂聲，縝密的組織，把整個宇宙乾坤，陰晴不定的人生際遇都融貫於樂曲中，使人聽後得到安慰與共鳴。假如要充分欣賞馬勒第六交響曲，也得從這個奧德交響曲傳統入手。 繼承奥德交響曲傳統 談到馬勒所受六位維也納前輩的作品影響較深遠的有貝多芬的第九交響曲，這是首宏大結構的交響曲，首先加入獨唱與合唱的交響曲，滿有人文主義思想的內容，馬勒也繼承了這方面特質，另外馬勒亦受舒伯特抒情交響曲的影響，不過要是談到影響馬勒最深遠的是布魯克納，尤其是布魯克納的配器（Orchestration），當中使用龐大的銅管樂，升降浮沉，瞬間幻變的情緒，馬勒都有所繼承，但體現上各自不同。布魯克納傾向於宗教的敬虔，雖間中有惆悵陰霾之時，但從不失落於沮喪與悲傷之中，總懷著希望。馬勒的交響曲打從第一交響曲起已有不少悲鳴悲寂之聲，不過第一至第四交響曲仍是帶點希望，與宗教人文主義的情懷，但從第五交響曲開始，便逐漸深化了悲觀主義的色彩，到後來的第九交響曲更是一闋惜別的悲歌，音樂會選奏的第六交響曲亦不遑多讓。 奏出排山倒海氣勢 海廷克帶領的芝加哥交響樂團，甫一開始就奏出排山倒海的氣勢與張力，低音大提琴如咆哮的獅子加上管樂、弦樂的短小句子，此起彼伏地交錯，後來匯聚成千尺浪潮，使人置身於無邊苦海之中。樂曲中的大三和弦緊接轉變為小三和弦，具象徵意義，令人想起喜與悲發生於一瞬間。芝加哥樂團的銅管樂與敲擊樂部表現出色，發揮了氣氛情緒以及神秘色彩等動態牽引作用，這亦反映了海廷克的領導，他以矯健有力指揮動作把握了樂曲速度與節奏，力度與色彩的變化，又能使樂團各部全神貫注投入地演奏，欣賞這首結構宏大長一個半小時的交響曲，如今聽來像一首一氣呵成延綿又雜色紛陳的無言之歌。第二樂章《諧謔曲》冷嘲熱諷軍樂聲與較平靜的木管弦樂舞曲相間，演奏的音色美輪美奐。第三樂章《行板》表面雖不用很悲悽的曲調，卻令人聽後頓覺黯然神傷，到了終章才是真正悲寂之聲，樂章運用了一個大木槌，在終結前，在不經意之中猛力重擊，像平地一聲雷似的與管弦樂聲形成混響，儼然一個巨人不敵命運摧殘而倒下，悲涼萬分。樂曲奏畢全場觀眾報以雷動的掌聲，喝采聲不絕於耳，指揮海廷克進出謝幕不知多少次，方才樂曲中悲傷之情瞬即被這等的熱情熔化了。 http://www.takungpao.com/news/09/02/23/MFTX-1037122.htm  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-24 12:03 |
| [#9679] 經典？何必－Douglas Boyd的貝多芬驚奇 @ Lotuseater 忘了多久之前－大概兩個月吧，在翻閱Gramophone雜誌時，看到當月推薦盤出現了這麼一張錄音：Douglas Boyd指揮Manchester Camerata演出貝多芬第四與第七號交響曲的實況錄音。看看評語：充滿充滿力量、野性與清晰度。看看廠牌：Avie－英國牌子；看看指揮：Douglas Boyd，英國人；看看樂團：Manchester Camerata，英國團。所以，八成又是另一次Gramophone的愛國評選是吧？ 是也不是。 Boyd的表現對我來說不可能取代Vänskä、Fricsay、Noseda或Dorati。他的演出缺乏某種真正獨樹一格的特質，無論那是Vänskä的清晰、Fricsay的感動、Noseda的刺激或Dorati的精準，這些特質你很難在聽完Boyd的演出後，說他做的比頂上這些人好。也因此，如果你要把這張演出與過去的偉人諸如Szell、Blomstedt、Wand、Cluytens或頂上那些近代的優異新錄音相比，那我想還是別浪費閱讀時間或買唱片的消費。但，有趣的部分來了：當聽Boyd指揮七號第二樂章，某一瞬間我的確感受到Fricsay的情緒張力；當聽他指揮七號第一樂章，我的確聽見Vänskä所帶出的聲部清晰（當然，拿室內樂團跟明尼蘇達比的確有點超過就是......）；當聽見四號的第四樂章，我的確有如過去聽Noseda時那種腎上腺素開始分泌的興奮，而在Dorati的詮釋裡我所找到近似幾何學的工整對位，四號的外部樂章的確有異曲同工之妙。換句話說，即使Boyd並未超越前人，他仍然給了聽者一些自己的東西。 該怎麼描述Boyd的優點？最簡單的說，他善用了室內樂團與現場的優勢，利用前者創造精準、聲部清晰，利用後者營造情緒的高低起伏。以七號第一樂章為例，室內樂團也罷、傳統編制管弦樂團也罷，你很少能聽見第一樂章主題出現時，如此明亮的法國號，亦或七號第四樂章進入coda時，聲部那份由下而上，銅管、低音部、木管、提琴創造出的明確堆積感；現場的確也為Boyd的演出加分不少：聽聽四號第三樂章的熱烈氣氛，亦或進入第四樂章時那份宛如電流通過的刺激感，即便有著室內樂團的優勢，這仍然是只有現場才能創造的情緒張力。要不，七號第二樂章那份宛如月光下水滴反射的質感，肯定會令人眼睛為之一亮。也因此，即使已經擁有／聽過無數個貝多芬四號與七號的錄音，這張演出仍然有其特別之處：它呈現的是一群熱愛音樂的音樂家，在有著自己想法下，努力演出（當然，演出水準也實在不錯，雖然跟如Paavo Järvi的Deutsche Kammerphilharmonie Bremen或Antonini的Kammerorchester Basel之流還是不能比）的產品。有熱力、有感情、有那份聽完之後心滿意足的愉悅，是不是經典又何妨？ 無疑，這肯定不會是如Gramophone所說，一張足以與經典齊頭論足的錄音。但就本身而言，Boyd的詮釋依然迷人、刺激，且在某些特定的角落讓你窺見某些無論現場也罷、室內樂團也罷、指揮能力也罷，所創造出來的美好事物。我不會把這推薦給任何人當第一套貝多芬錄音，但我相信多數人聽見它，依然可以獲得絕佳的享受，並因自己的好運氣沾沾自喜。 http://blog.chinatimes.com/lotuseater/archive/2009/02/16/376202.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-24 12:18 |
| [#9680] The destruction of Dresden @ Lotuseater 說來可恥，我其實是個相當小家子氣的人。沒什麼特別的嗜好，每天的享受便是電影、電視影集、聽音樂、整理音樂，搭配閱讀與特定的美食便已心滿意足。一切對於世界的認知，僅來自於發生在生活最細微處的經驗，以及從上述事物所得到的知識。第一次認識Staatskapelle Dresden，是聽卡拉揚指揮的紐倫堡的名歌手，那時卡拉揚所指揮的序曲讓我第一次體認到，這才是樂團聲響可以達到的極致。還記得那時候在解說書看到卡拉揚形容樂團的聲音：如陳年黃金般發出溫暖的光澤。 那天之後，我喜歡上這個樂團，進而喜歡上它所處的城市，雖然我到目前為止沒去過歐洲、沒有在非亞洲的地方聽過現場樂團演出，沒有恭逢其盛聽見Sinopoli當年來台灣的現場。倒是幾年前朋友去Dresden住了一個寒假，當時我異常興奮，每天就打電話到德國問他這個城市－像個鬼城，牆壁還留著轟炸的焦黑，一種活在歷史裡的沈重，他如是說。 又過了一年，我讀到Kurt Vonnegut的五號屠宰場，第一次意識到這個城市的毀滅。我讀到Billy Pilgrim如何在時間內穿梭、如何躲在屠宰場裡，聽見轟炸的聲音，如何聞到燒焦惡臭的屍體，如何靠火焰投射器避免死者遺骸的毀壞。透過一個美國作家，我第一次認識一個德國城市的背景，體認到自己心愛事物的被毀滅。我知道Victor Klemperer是如何因為這次轟炸逃出被送到集中營的命運、我知道Semperoper在被毀滅之前，最後一場演出是韋伯的魔彈射手－同一首作品也在Semperoper重建完成的那個2月13日演出。 回到2009年2月13日。在這場演出之後，音樂廳裡沒有任何掌聲，沒有任何雜音，聲音的世界彷彿永遠凍結在那裡，只有接在演出之後，廣播主持（一個頗嚴肅的女聲）靜靜地以德文訴說這演出的廣播範圍，以及它的背後歷史。我想起Vonnegut在五號屠宰場最後的一句話：Poo-tee-weet？ http://blog.chinatimes.com/lotuseater/archive/2009/02/19/377054.html 現今已重建完成的Semperoper  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-24 12:20 |
| [#9681] The destruction of Dresden @ Lotuseater 整整44年後，透過廣播，我聽見一場音樂會：由Sächsische Staatskapelle Dresden與其常任指揮Fabio Luisi演出，為紀念德勒斯登轟炸所舉行的音樂會，當晚演出威爾第的安魂曲，註記寫著短短的一行話：To commemorate the destruction of Dresden on 13. February 1945 。在這之前我聽過Giuseppe Sinopoli這位前任指揮因為同樣場合指揮的同一曲目，翻開資料才發現這個場合已行之有年：自1951年，當時Staatskapelle Dresden的常任指揮Rudolf Kempe開始，每年這天必定會指揮這首作品（倒是為什麼要選威爾第不選如布拉姆斯等人不得而知）。直到在轟炸中被摧毀的Semperoper重建完成，Frauen-kirche一磚一瓦地回復原先的樣子，這個傳統仍未改變。 http://blog.chinatimes.com/lotuseater/archive/2009/02/19/377054.html 1992年，重建中的Frauen-kirche  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-02-24 12:21 |
