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| [#10242] Vishnevskaya的拉赫曼尼諾夫、葛令卡 @ sussicran at 樂多Roodo! 拉赫曼尼諾夫、葛令卡：歌曲集／Galina Vishnevskaya-女高音、Mstislav Rostropovich-鋼琴／DG 00289 477 6195 滿口咕嚕嘩啦的俄文，想要聽得懂Vishnevskaya在唱些什麼，我想這輩子大概是沒機會了。不過這不打緊，重要的是，幸好我沒錯過這張CD：它讓我打從心底感到放鬆與安慰，而這一切卻是在深沉的悲傷之中所探尋到的。 在這張CD之前，我從來沒有將Vishnevskaya視為主角，畢竟他有個名氣更響亮的老公。對於「俄國的Elisabeth Schwarzkopf」這個稱號，我也老想著，有一個獨一無二的Schwarzkopf已經足夠，不需要找來Vishnevskaya和她平起平坐。（何況，誰又能嚼出Schwarzkopf呼吸吐息之間的意境？）但我顯然錯得不太像話。我沒有想到這麼精細工整、品味高雅而兼具無窮深度的女聲，竟然曾出現在地球上的另一個角落。Vishnevskaya的極高音是如此出乎意料之外地平穩飽滿而又游刃有餘，就像一縷裊裊上升的清煙，以極迷人的姿態消逝在空中，「哪兒來這麼有味道的女高音啊？」我應該學著讓自己多見少怪才是。 整張專輯都是平鋪直敘的慢調性，但說實在話，我也不想插一首輕快的歌曲破壞這非比尋常的氛圍。跳開深陷其中的情緒，這些歌曲不免浮著臃腫的浪漫，大家總說，在獨唱的小天地裡更能反映出那紮根於天生的俄式感性。但在Vishnevskaya的歌聲中，這感性與其說是一種宣洩，還不如說是撫平。她總是維持著一種極有修養的節制，輕巧地流轉在聲線之間。我猜這應該是鍛鍊出來的，但它渾然天成到讓你找不到一絲破綻，讓你相信這該是曲子骨肉的基本一部分。Rostropovich的表現有多麼穩，應該不需我置喙，但我實在不得不提他和Vishnevskaya的合作，真正體現那句「琴瑟和鳴」的真諦，有時伴奏美到的確是珠玉再現的地步，讓我相信Rostropovich在鋼琴上也絕對不是貧弱之流。 整張專輯我唯一聽懂的只有拉赫曼尼諾夫的「練聲曲」，因為它只有「啊」這麼一句歌詞。但是請相信我，在Vishnevskaya「啊」了七分多鐘的過程中，她已經高明地敘說了一個淒美無比的故事，非關所能想像的一切。那是我聽過對音樂所能敬上最高的禮讚之一。 sussicran at 樂多Roodo! http://blog.roodo.com/sussicran/archives/4079393.html  |
george1977 正式會員210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 10:54 | |
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| [#10243] 巴爾托克：第一、二、三號弦樂四重奏 @ sussicran at 樂多Roodo! 巴爾托克：第一、二、三號弦樂四重奏／Quatuor Ébène／Mirare MIR 029 巴爾托克的弦樂四重奏，總是髒得令人渾身帶勁。它們是斷碎的惡夢，一開始你抓不到它的秩序，四支帶刺亂竄的藤蔓，在迅速折切轉念的和弦與旋律裡，共構出一個灰不灰、黑不黑的混濁。但相處久了之後，會發現這種無秩序狀態其實只是一種高明的偽裝。 迷上巴爾托克弦樂四重奏的過程，是一場又一場興味盎然的「戰鬥」，猛然地被利刃似的重音剖出傷口，又從幾近虛無的悲傷之中找到癒合的慰藉。聽著許多名團「征服」這六首曲子，彷彿看到四部噴射機在空中耍特技表演，雄糾糾氣昂昂地操練著分裂式，整齊劃一又帶著無比的雄性氣魄。在既定印象影響之下，我必須承認這張在詮釋上完全採相反路線的Quatuor Ébène錄音，逼著我必須打破一些想法。 聆聽其他人的巴爾托克，一到爆發點，四條看似不規則的弦樂線條往往在瞬間結成一張結實的網，帶領著聽眾上沖下洗、忽快忽慢、光影頻頻變換。這些多樣化衝擊在Quatuor Ébène之中幾乎是不存在的，在他們的手中，這些充滿稜角的作品突然光滑、抒情了起來。過去在巴爾托克裡聽慣高超特技，然後整顆心被四條漸強的線揪在一起的快感完全不見了，我其實並不是很能適應Quatuor Ébène軟式的巴爾托克語彙，每每聽完一首之後就必須搬出Emerson String Quartet或quatuor végh平衡一下。 不過，我依然認為Quatuor Ébène在眾多經典夾擊之下，成功地走出自己的路。他們確實是高明的情境製造者，很多地方值得我洗耳聆聽他們的全新解讀。Quatuor Ébène自始至終感性獨白的意味相當強烈，召喚著聽者一同溶解於他們的佈局，然後順著帶出富有情緒的、堆疊到頂端的無奈吶喊。以往在巴爾托克作品裡很難感受到的「細緻」二字，竟成為他們的風格主軸，要說完全顛覆了眾人原先對作品的觀感也不為過。當然，該頂該衝的地方他們也有做足，但明顯地就不是主角，而延長音與留白之處，反倒比起玩節奏的部分更吸引人。 http://blog.roodo.com/sussicran/archives/3913517.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 10:56 |
| [#10244] Fray的巴哈與布列茲 @ sussicran at 樂多Roodo! 巴哈：組曲BWV828、法國組曲BWV812；布列茲：譜記、切口／David Fray-鋼琴／Virgin 00946 38578727 那個天早該黑了卻還沒黑的偽下午，窗外昏澀的夕陽，照得我張不開眼；在掛滿著維多利亞時代風格畫像的偽博物館裡，我戒慎恐懼地品嚐著道地的英式晚宴。一方面為了避免不熟練的刀叉碰撞，一方面牛小排實在令我食不下嚥，讓我索性把注意力放在台上音樂家的演出。David Fray是第二位上台的，前一位Renaud Capucon的「吉普賽人」顯然過high，帶些暖場的意味；而Fray一彈奏巴哈組曲BWV828的「阿雷曼德」，第一個和弦下去，整個晚宴的氛圍出現了本質上的轉變，我確信，注意到這點的不只有我。一切是靜止的，時間就像遇上了紅燈，得先讓Fray將音符給奏完了，才能繼續前進。我必須承認，那是我待在倫敦的兩個星期裡，最甜蜜的時光之一。 一個新人，以巴哈與布列茲兩者風格與結構都如此極端的作品交錯在一起，做為在國際大廠發出的第一聲，基本上膽子與野心就不小，Fray並不讓我覺得這一切是在冒險，反而有一種show的意味。show不代表一定得搞得遍地火樹銀花地，他陷在自己的世界裡玩弄孤寂、挑戰深度，他的show會帶你躲進你自己的殼裡，捲曲著身體，慢慢喚起無來由的悲傷。你一聽就知道，只有心思極端纖細且神經質的人，才能施展得了這令心人醉的魔法。上一個足以讓我陷入到恍神程度的慢板，好像出自於Anatoly Vedernikov那禪之雙手，這回竟然是一個不到30歲的毛頭小子？！Virgin Classics看人真是愈來愈準了。 雖然Fray彈起琴來駝背成那樣子，也有自發性的嗚嗚聲，但他的巴哈與Glenn Gould在風格上卻天差地遠。若是說Gould走偏向理性的整合思維路線，Fray就是儘量挖掘如歌旋律的感性，磨出美到讓人想捧在手心上的音粒，連結成一串獨白。或許和Gould相似之處也在於，Fray的演奏似乎和年齡上成不成熟沒有關係，感覺這人15歲和50歲都能夠彈奏這辨識度那麼高的琴聲。我相信只要Fray在錄音曲目的選擇上不要太鬧脾氣，他絕對是行家眼中忽視不了的潛力股。雖然這麼說，不過拜Fray之賜，藉由他的抒情語彙，我似乎比較能夠接受布列茲的作品了，雖然還是處於一個說不出所以然的狀態。 sussicran at 樂多Roodo! http://blog.roodo.com/sussicran/archives/3665549.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 10:57 |
| [#10245] Guller的蕭邦 @ sussicran at 樂多Roodo! 蕭邦：第二號鋼琴協奏曲、船歌、馬厝卡舞曲、夜曲／Youra Guller-鋼琴，Edmond Appia指揮Orchestre de la Suisse Romande／TAHRA TAH 630 我依稀還記得某天，那位好友透過清晰而量感十足的耳擴，讓我細細品嚐Youra Guller的貝多芬，它聲聲重擊到記憶的最深處，教我認識原來貝多芬是這麼的偉大。好友後來改聽LP，在我不經意的狀況下將那張Erato的CD給轉賣了，而這大概是我的古典聆樂生涯裡最在意的錯過之一。 能夠買到Guller的蕭邦，也是一種緣份。看到它的一瞬間，我好不容易才忘掉的事，也一下子被喚回來：「Guller的貝多芬總有一天會再重發的。」或許真的再聽到它，不會再像數年前耳擴裡的聲音那麼親切卻又震憾，但那終究是一個深藏在內心裡的任務，懸在那裡總是不好受。因此，這張蕭邦乍看之下彷彿成為解饞的工具；但你我心知肚明，它不該僅此而已。 諸如此類廣播錄音出土的「文獻」，十之八九都是將神樣般的演奏者打回人形的重要證據，原來他們也會遲疑、也會錯音、也會交差了事；但說回來，因為不經修飾，裡頭確實也有不少靈光乍現的時刻，總之，好壞總要聽過了後再自個兒斟酌。Guller的唱片少得用一隻手都算得出來，但她之所以迷人，至今又多了一項原因：在她的蕭邦裡，引人入勝的感性與悠閒。或許錄音並沒辦法百分之百地重現管弦樂團的厚度，但在協奏曲裡一沉入第二樂章之後，在Guller的個人秀之中，你會跟著她的撩撥，搖擺在屬於她的浪漫桃花源。當然，獨奏曲是更好的選擇。船歌、三首馬厝卡、兩首夜曲，瞬間展開Guller精細掌控的幅度與規模，她的節奏、輕重分配自有其魅力而不流於俗，娓娓道盡別無分號的美感，那是沈溺在思緒中又能冷靜跳脫於外，才有辦法做得到的精湛表現。 無意間遇見Guller的第三張專輯，實在找不到錯過的理由。 sussicran at 樂多Roodo! http://blog.roodo.com/sussicran/archives/3649515.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 10:59 |
| [#10246] Tennstedt的布魯克納 @ sussicran at 樂多Roodo! 布魯克納：第三號交響曲／Klaus Tennstedt指揮Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks／Profil PH04093 這也是一種「人來瘋」嗎？在Sir John Barbirolli的現場錄音之後，好一陣子沒有聽到如此放得開的錄音了。Klaus Tennstedt的這個布魯克納，使我聯想到的並不是五、六十歲的布魯克納坐在教堂管風琴前向上帝祈禱的模樣，而是星際大戰的場景裡，數百艘太空船發射光束，兩軍對戰的景象。 要認識Tennstedt，錄音室可能不是一個很適當的地點；或許得花點精力找一找，從音樂會現場聽到他投入的模樣，可能恰巧會有那麼一次，你會被他情感上翻天覆地的真本事給嚇呆。在聽過Tennstedt與芝加哥交響現場渲染力十足的馬勒一之後，我終於把長久印象中「Tennstedt是一位紳士風格指揮」的形象給扭轉過來；錄音室裡的他，不知道是情緒不對，還是後製動刀得太厲害，相較之下就是綁手綁腳的。 在約略run過一次這張Tennstedt的布魯克納第三號交響曲現場錄音之後，更加發現要如何適當扭捏每個樂句的彈性與張力、同時衡量每個聲部音量的比例，讓它聽起來像歌唱般自然，又能成功放置指揮家個人的想像力，是一項需要一些天賦、實行起來也是難度頗高的工程。顯然地，Tennstedt並不是一位「老僧入定」的指揮家，一個樂句就變換一次速度，在張狂的亂之中，有一股衝勁接連爆發的秩序，有種讓人布魯克納與華格納傻傻分不清楚的錯覺。不過有趣的是，既然這首交響曲本身就是布魯克納獻給華格納的作品，我想Tennstedt把它演奏得有如華格納序曲，也是個很有意思的切入角度。 老實說，如果這種調調套用在布魯克納第五號交響曲以後的作品，我會直覺認為這在惡搞。不過，假使有機會能聽到像火山爆發一般的布魯克納第八號，或許我也會覺得惡搞有理吧！ http://blog.roodo.com/sussicran/archives/3242497.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 12:36 |
| [#10247] Afanassiev的李斯特 @ sussicran at 樂多Roodo! 李斯特：b小調奏鳴曲、晚期鋼琴作品／Valery Afanassiev-鋼琴／Denon COCQ-83560 以文藝復興人自居的Valery Afanassiev，在他的鋼琴老本行裡持續進行著無止盡的解構遊戲，音符在他的手中有如樂高積木，堆堆疊疊又成了另一幅景象。偶爾Afanassiev會讓音樂出現接近惡搞的外觀，有的面貌甚至已經不能用約定俗成的常態去理解，而李斯特的b小調奏鳴曲，便成為Afanassiev前衛藝術的……，呃，該說是受益者，還是犠牲者呢？ 縱使舒伯特的第九號交響曲副標題是「偉大」，但我覺得在精神意義上最接近「偉大」境界的作品，則是李斯特的b小調奏鳴曲。這首曲子既莊嚴又瘋狂，有一種不自覺激起鋼琴家演奏力量的魔法，它揉和了許多相互矛盾的情緒，也掌握到人類原始而強烈的欲望；在意象上，它是一座抽象的阿爾卑斯山。恐怕理查．史特勞斯再怎麼龐大的英雄氣慨，都難敵李斯特在此曲屢次漸強之際，如同水晶折射光芒一般的，稍有扭轉的和弦變化。 縱使以往受過Afanassiev處理起某些曲子的震憾教育，但頭一次面對b小調奏鳴曲起始幾個小節幾乎走到停滯狀態，該有不少人和我一樣，抱著諸如「怎麼會這樣？」令人掉下巴的無言反應，然後繼續聽著他的李斯特b小調奏鳴曲。線上的鋼琴家彈起這首曲子，我想應該沒有比Afanassiev更病態的人吧！他自始至終採取冷漠政策，音符是當然的主角，但休止符更是搶眼的配角，而高潮也弄得相當機械化，基本上視樂曲天賦的張力於無物，硬是搞出屬於自己的邏輯世界。 這個看似脫序的b小調，事實上一點也不脫序，因為Afanassiev的理性，百分之百地冷靜控制著聽者的想像力，他事先早已想像得更為天馬行空，而且想像得更加縝密。所以，這一個「擴張」到40幾分鐘的李斯特b小調錄音，似乎再也不那麼莊嚴、再也不那麼瘋狂、再也不那麼李斯特了。雖然如此張狂的控制慾望，在綜觀Afanassiev的所有錄音中，並不是找不到失敗的例子，不過一旦只要碰觸到合適的氛圍，諸如李斯特b小調錄音裡這種石破天驚的奇景，並不會成為絕響。 http://blog.roodo.com/sussicran/archives/3149601.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 12:39 |
| [#10248] Emerson String Quartet的普羅高菲夫 @ sussicran 普羅高菲夫：第一、二號弦樂四重奏、雙小提琴奏鳴曲／Emerson String Quartet／DG 431 772-2 場景是柏林，某個寒風刺骨的跳蚤市場。在某個不起眼的攤子瞄到這張CD，我實在藏不住內心的激動，大叫：「你知道我等你重發，等了多久嗎？」嚇到一旁也在挑CD德國佬。 我發現，在唱片櫃前想著要聽什麼弦樂四重奏錄音（沒有特別想聽誰的演奏）的時候，往往最後都會挑上Emerson String Quartet。並非因為Emerson String Quartet的演奏有特出之處讓我留下深刻印象，會抽出他們的唱片播來聽，與其說是偏愛，還不如說是一種安全感；或者更精確地說，就像久了之後，每回進入7-11，站在飲料櫃前，老是懶得用大腦想，拿那幾樣喝出習慣的飲料去結帳一樣。 我想，不止我對他們的錄音有安全感。光看DG前後20年來讓Emerson String Quartet錄遍各式各樣作品，而且在後浪狂推之際，他們仍是現役藝人這兩點，這四位在紐約闖出名號的老大哥，技術層面確是不須置疑。而我相信，在Emerson String Quartet與DG簽約之後幾年所發行的普羅高菲夫錄音之中，可以找到DG的信心來源。 Emerson String Quartet以直率且草根性強的力道，衝進普羅高菲夫高明又帶點詼諧的拼貼藝術之中，他們大喇喇地有話直說，完完全全在第一時間喧嚷出音樂的熱力。就像這張唱片一樣，我有許多弦樂四重奏作品的第一印象，都來自Emerson String Quartet的「強勢灌輸」。他們解讀作品的方式有種很乾脆的戲劇感，向來毫不扭捏地傾倒情緒上的酸甜苦辣，除非樂句本身過於艱澀，否則聆聽的瞬間不管喜歡與否，都會感受到他們傳遞出強大的渲染力。在某些層面上，他們採用的手法類似於Leonard Bernstein，因此也帶給我同樣關鍵的影響。 普羅高菲夫以弦樂為主的室內樂作品，幾乎全都在這張錄音裡了。這都是一些四把（或兩把）樂器必須相互爭峰的曲子（或是說，Emerson String Quartet在這張錄音裡『形成』了我對這些曲子的想法），充滿了默契上合拍的過癮與快意，即使在親和力較強的第二號之中，也有著不少大夥兒搶著競奏的畫面。不僅是強音，即使在極弱音，就像四個小精靈在那裡鑽啊鑽的，也能從他們拉奏著紮實的細碎之中，被他們的張力與密度所震撼。 這是一張重新喚起我在心底對Emerson String Quartet熱情的CD，那時的我覺得，在Emerson String Quartet的演奏中，弦樂四重奏脫下了假髮與澎澎裙的外貌，拿著擴音器大喊：「我們要走入新的時代了！」 http://blog.roodo.com/sussicran/archives/3147259.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 12:41 |
| [#10249] Dausgaard的貝多芬 @ sussicran 貝多芬：第七號交響曲、艾格蒙劇樂／Thomas Dausgaard指揮Swedish Chamber Orchestra／Simax PSC 1182 把貝多芬交響曲的地圖攤開，每位指揮都有自己攀頂的故事，但又有多少人能讓他們插在頂峰的旗幟，清楚地烙印在世人的心中呢？所以瞬間的靈感，有時候便代表一切；往往那不到一秒的節奏差，聽覺猛然就像是勾到什麼似的。Got it！ Thomas Dausgaard的貝多芬計劃也穩健地進行到第八張了，把他擺在一長串貝多芬交響曲的指揮系譜之中，我不敢說他是耀眼的，畢竟玩起這種乾淨俐落本格派的好手們不在少數，要比反應、要比細膩，要說Dausgaard是上上選似乎有點勉強。但毫無疑問地，Dausgaard精力旺盛的企圖心是掩蓋不了的，光是用聽的，就能看到Swedish Chamber Orchestra被操得大汗淋漓的模樣，一場音樂會像一場拳擊賽，貝七的終樂章更像百米賽跑一般，我相信現場聽他們演出的人，十之八九都會覺得自己好像被雲霄飛車牽著跑。Swedish Chamber Orchestra帶給人一種「質勝文則野」的音色，相較這個組合在舒曼交響曲的表現，他們似乎更能從貝多芬的音符裡找到宣洩的出口，因為聽他們的錄音，躁動是最大的享受。 Dausgaard的貝七，對我來說並不算是一個很討喜的演出，事實上他的第二樂章過快，稀釋了樂句的該有的深沉感，搞得有些倉促，第四樂章更撐出一股不尋常的快速，聽久了偶爾會感到不耐煩。Dausgaard在艾格蒙序曲一開始的處理，也喪失了悲劇的氛圍，後頭的勝利更high得有點像馬戲團了。或許Dausgaard有他獨到的解讀，雖然我相信這必定會是個目炫神迷的現場演出，但在錄音裡我始終啃不慣。 不過，我真正在意的並不是綜觀它的不討喜，而是單單在第一樂章第一主題進來時的「搶拍」，就是這個「有心人士的刻意設計」的節奏差，神準地搔到我的癢處，在萬般浮動之中升起被擠壓到的聲響，真的是很美妙的瞬間，聽得整個人精神一下子全上來了，效果和喝蠻牛差不多。哈！就是這麼個百分之一秒，我就想為Dausgaard豎起大拇指。 我並沒有期待Dausgaard在其他貝多芬作品裡也冒出個神來之筆，因為這個梗用在其他地方，可能會毀了曲子的結構。但在一個樂章，甚至一首交響曲之中，只要有一兩個諸如此類的創意，也就已經足夠了。 http://blog.roodo.com/sussicran/archives/3084573.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 12:43 |
| [#10250] Jerusalem Quartet的蕭士塔高維契 @ sussicran Jerusalem Quartet的蕭士塔高維契 蕭士塔高維契：第六、八、十一號弦樂四重奏／Jerusalem Quartet／harmonia mundi HMC 901953 這當然是我私心的（你也當然可以說是過於化約的）比喻：如果Artemis Quartet的品質是傳承自Alban Berg Quartet，那麼Jerusalem Quartet一發聲，我就會不自覺地將他們與Borodin Quartet做連結。在一群詮釋風格邁入銳利前衛的新生代弦樂四重奏之中，Jerusalem Quartet返回傳統的逆光，為我們保留回憶中的語彙。之所以會將它們擺在一起，還有另外一個關鍵的因素，就是他們手中的蕭士塔高維契，除了動聽之外，他們的「悶」都讓我起了相當程度的焦躁與不安。 論實力，Jerusalem Quartet這四位來自以色列的小伙子是絕對沒問題的。他們是我在EMI debut系列裡聽過最值得投資的聲音，而我相信harmonia mundi的負責人看法和我應該相去不遠：短短簽約幾個月，從海頓到德弗札克，再到蕭士塔高維契，絲毫不見青澀，都是難得一見的室內樂佳作。但是這年頭的古典樂壇，外在的完美已經不再能夠有份量地代表什麼（放眼望去一大堆），能不能找到引起共鳴的聲音，才是脫穎而出的關鍵。 Jerusalem Quartet的蕭士塔高維契一出手穩當平靜，沒有時下流行光怪陸離的刺激，但他們的平靜在我的感知裡是逐漸提味的，而非滯悶的墮落。的確，有許多錄音版本充滿刀光劍影，聽完一曲就像是看了一部驚悚片，但在大呼過癮的爽快之後，能不能一而再、再而三保有耐聽度，卻會是個大問號。而Jerusalem Quartet在自律嚴謹之中頻頻表達雖不起眼，但卻是紮實的真性情。不專心聽，會覺得怎麼從頭到尾都那麼鬆散，弦聲孤陋劃個幾聲，要收不收，要斷不斷的。不過卻是它，與濃郁的音色同時支撐著樂曲的流動，重新改變我對「張力」的定義。他們利用中庸且傳統的方式，帶出了蕭士塔高維契無奈的苦味。 就是在這股灰黑遲暮的氛圍之中，感受到Jerusalem Quartet同時也保有乾淨俐落的反應，才有辦法讓我把這四個大男孩的樣子，與他們的琴音串在一起。以下是不負責任的猜測：會拉奏出這樣的蕭士塔高維契，四位年輕的團員要不就是擁有壓抑早熟的心智，要不就是感受到大環境的不穩定，因此藉由他們最愛的蕭士塔高維契，找到抒發的出口。 http://blog.roodo.com/sussicran/archives/2910533.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 12:45 |
| [#10251] Scherbakov的蕭士塔高維契 @ sussicran 蕭士塔高維契：第二號鋼琴奏鳴曲、三首小品、兒童練習冊、五首前奏曲等／Konstantin Scherbakov-鋼琴／Naxos 8.570092 聽Scherbakov彈琴，向來有一種很「用力」的印象。用的不僅是手力，還有心力。一首曲子在他手上乒乒乓乓地，彷彿像跨年101大樓的煙火秀一樣花枝招展，目不瑕給，即便像「兒童練習冊」這種看來不起眼的小品，也能彈出別人想像不到的份量。 音樂再怎麼感動人心，也都是計算出來的，而或許是Scherbakov的琴技太過搶眼了，在他的安排中，更容易察覺到計算的氣息。Scherbakov擅於利用黑白鍵組成的大浪漫調色盤，渲染出令人印象深刻的情緒張力，這點和他的俄羅斯前輩們是有得比。不過這首第二號鋼琴奏鳴曲，交錯在形形色色的節奏與強弱當中，Scherbakov劃出了一個3D立體圖，各類波動斷裂明顯，彼此卻又重疊在一起，因此充滿豐富且華麗的層次感。最有趣的是第二樂章慢板，Scherbakov讓每一個音符依序掉入平靜無波的湖中，讓我慢慢享受每「顆」音符激起的漣漪，我相信這種效果在現場聽，一定迷人無比。 CD不同於現場的，不僅在於氣氛，也在於思考與感受的範圍；反覆聽著同一片段，畢竟和消逝的瞬間有些不同。因此，不由得注意到Scherbakov設計切割這曲子的方式。相較於宣揚此曲的Emil Gilels「跟著感覺走」策略，Scherbakov頻繁地切割（我覺得這個動詞實在很貼切）樂曲行進的氛圍，時時創造新的感覺。這麼做好嗎？老實說，他讓我覺得這首奏鳴曲豐富得有點不太像話：我聽見了他的才氣，卻聽不到它的靈魂。 好品質的終極呈現，不外乎記注欲其方以智，著作欲其圓而神。自己下筆的時候往往會顧慮太多，最後著了前者，卻漏了後者。Scherbakov的磨功了得，尤其他在慢板的音粒，甚至讓我聞到了冷酷的香味，不過如果能收斂一點抽象的撲克臉，或許更能往「圓而神」的境界邁進。這種充滿震顫、缺少感動的偉大，卻也讓後面幾首小品亮了起來，而過去它們正找不到發聲代言的版本。 http://blog.roodo.com/sussicran/archives/2601873.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 12:46 |
| [#10252] Artemis Quartet的德弗札克、揚納傑克 @ sussicran Artemis Quartet的德弗札克、揚納傑克 德弗札克：第13號絃樂四重奏；揚納傑克：第二號絃樂四重奏「親密書簡」／Artemis Quartet／Virgin 0946 353399 2 5 和EMI簽下的Belcea Quartet相比，我覺得Virgin相中Artemis Quartet是更明智的選擇。四把提琴的音色各有千秋，合在一起又很協調、穠纖合度，循規中庸，反應又快，很有我想要的音樂語感。檯面上好幾個新生代絃樂四重奏團，三不五時都會出現棒到令人咋舌的錄音，偶有令人提神醒腦之效，加上老團的積極蛻變，室內樂愛好者做夢想到這個都會忍不住偷笑。其中Artemis Quartet雖不以搞怪為職志，在我私心的排行竟能快速竄升，讓我對自己都感到意外。 Artemis Quartet磨慣現代樂之後的冷色調，有意向他們的前輩Alban Berg Quartet看齊（愈聽愈有氣息相通的傳承意味），而以他們兩團的德弗札克聽來，我對Artemis Quartet的處理更有共鳴。Artemis Quartet不耍過於花俏的對比，密合度不僅有如一體，剛勁的一橫一撇，力道的施與放之間，細節明確而暢快。他們合力衝刺的時候，具有之前聽過mbl與Elac喇叭的味道，德國喇叭不太會有相當甜蜜或鬆厚的音響，而經常帶給人幹練、明快而結實的印象。他們當然不是東歐團的濃厚郁香一派，拉起德弗札克或許會被嫌不夠過癮，但我覺得有時偶爾在巧勁之間冒出的微溫，靚而不膩，真的很合胃口。 至於揚納傑克第二號，戲劇張力耍得比Artemis Quartet還誇張的錄音並不少，連Alban Berg Quartet也放得很開、稜角清晰。當然，豪放的波西米亞味是很吸引聽覺，但Artemis Quartet的這張錄音，讓我抓到揚納傑克每個樂句「有所本」，釐清了印象中的衝突和糾結，瞧他們冷靜地梳理情感的波動，讓張狂始終處於精確控制的狀態底下，到處充斥理性勝於感性的精密起承轉合，讓我百分之百佩服，也信賴他們四人所下的苦功。尤其是他們的分句法，毫無疑問地顯現其高等素養與品味，陽春白雪的氣息。 「以智性為根基所展現的活力」，是我目前對Artemis Quartet所下的最中肯註解。在古典樂壇德籍鋼琴家與指揮家都顯得青黃不接的時刻，這四位呂北克出身的實力派，一躍成為當代高級精緻藝術典範之所繫。是時勢造英雄嗎？我想是英雄造時勢吧！能遇到一個相當喜愛的絃樂四重奏團，在他們發跡的初期就成為其死忠fans，注意他們每年所安排的幾套演出曲目，當然還有錄音行程……，嗯，打從心底羨慕自己。 http://blog.roodo.com/sussicran/archives/2485191.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 12:47 |
| [#10253] R. Strauss的日式慶典音樂 @ sussicran R. Strauss的日式慶典音樂 真的是相當冷門的曲子，要不是因為寫稿子的關係，這輩子我大概與這首曲子完全無緣吧！ －－－－ 理查．史特勞斯：日式慶典音樂，作品84 Richard Strauss: Japanische Festmusik (Japanese Festival Music), for orchestra, op.84 (TrV 277) 日式慶典音樂是理查．史特勞斯1940年的作品，也是他少數在首演之後就塵封至時人回憶之中，至今幾乎無人聞問的神秘作品之一。 日式慶典音樂的來源，要拉回當時的政治時空背景。1938年德國與日本簽訂「防共協定」（Antikominterpakt），軸心國的輪廓隱然成形。這三個國家不僅在軍事、政治方面結為同盟，協定裡也載明深化彼此之間的文化關係，包括加強各國之間運動員、藝術家、科學研究者的交流。另一方面，1940年正是日本天皇紀元2600年紀念，日本境內舉行許多慶祝活動，重頭戲即是日本政府向美國、英國、法國、義大利、匈牙利、德國提出邀請，各自委託一位作曲家創作節慶音樂，12月於東京做盛大演出。 由於先前已有「防共協定」的友好關係，因此德國宣傳部相當重視日本的這項邀請，派出手中的王牌作曲家──理查．史特勞斯進行創作。在宣傳部長戈貝爾（Göbbel）眼中，理查史特勞斯是一位不折不扣的「偉大的聲響大師」，戈貝爾甚至推舉他擔任第三帝國音樂部的主席一職。一心只想好好作曲、賺錢過好生活的理查．史特勞斯，對政治有些冷感，因此他天真地與納粹當局有過好幾次爭執，其中包括他雇用猶太人編劇茲威格（Stefan Zweig），還有他兒媳婦的猶太人身份。如果換作別人，這些「白目」舉動的下場幾乎都是送進集中營，但納粹當局考量理查．史特勞斯這個人「太有名氣，而且太有用處了」（zu namhaft und nützlich）。要創作這麼一首作品，對理查．史特勞斯自然不是難事，他只需稍稍應用向來備受讚譽的管絃樂作曲技法，呈現華麗絢爛的慶典音樂景像，便能做足面子給日本政府。 這場政治氣息濃厚的音樂會於12月7日舉行，首演了四首作品。除了理查．史特勞斯的日式慶典音樂之外，還有法國作曲家易白爾（Jacques Ibert）的慶典序曲、義大利作曲家皮澤替（Ildebrando Pizzetti）的交響曲、匈牙利作曲家威瑞斯（Veress Sándor）的第一號交響曲「日本風」。美國政府因為當時的政治情勢，最後拒絕了日本的邀請；英國政府找來布列頓創作，但是他的作品後來卻被認為不適合演出（極有可能是政治因素）而未被選入節目之中。1940年，布列頓和其他四位作曲家都抵達日本參與首演，相對於理查．史特勞斯的日式慶典音樂被擺在音樂會最後的高潮演出，布列頓的處境確實是有些難堪。 日式慶典音樂由五個樂章組成，分別是第一樂章「海景」、第二樂章「櫻花祭」、第三樂章「火山爆發」、第四樂章「武士的攻擊」、第五樂章「讚美天皇」，五個樂章不間斷奏畢，時間約14分鐘。雖然理查．史特勞斯對日式慶典音樂下了很明確的標題，但聽者其實不需要照著標題想像，便能感受到此曲誇張華麗的特色。樂團編制的特色除了使用管風琴之外，還用了14座銅、鑼、鐘等不同的聲響樂器。為了那次首演，日本當局花了兩個月，跑遍東京近郊的總持寺、本門寺、妙法寺、築地本願寺、淺草本願寺、護國寺、寬永寺、青松寺、淺草寺傳法院、增上寺、妙音寺等地，大費周章敲敲打打，找到適合音色與音高的鐘，商借至演出會場。 此曲的首演是由當時正擔任東京音樂高等學院教授一職的費爾默（Helmut Fellmer）指揮「紀元2600年慶典交響樂團」演出。這個1940年10月臨時成軍，成員共有165人的管絃樂團，是由宮內省樂部、東京音樂學校管絃樂部、新交響樂團、中央交響樂團、星櫻吹奏樂團、東京廣播管絃樂團、日本廣播交響樂團之中挑選優秀樂手集結而成的。 至於如果你想找這首曲子聽聽，恐怕是一件不容易的事。目前有留下記載的版本，其一是費爾默指揮日本管絃樂團於1940年12月19日的廣播演出，由日本哥倫比亞發行，其二是理查．史特勞斯親自指揮巴伐利亞國立管絃樂團於1941年的慕尼黑錄音室演出，由Deutsche Grammophon發行。不過前者已經絕版，而想找到後者，則得要碰碰運氣。 http://blog.roodo.com/sussicran/archives/2284765.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 12:49 |
| [#10254] Bostridge的沃爾夫 @ sussicran 沃爾夫：藝術歌曲集／Ian Bostridge-男高音，Antonio Pappano-鋼琴／EMI 00946 34225625 Bostridge的聲帶裡住著納西斯(Narcissus)的靈魂，他一開口，周遭一切便註定黯然。然而，在各式風格作品的嘗試之後，Bostridge終究得走入沃爾夫的世界裡，納西斯才會眉開眼笑。 在Bostridge的沃爾夫之前，我對他最有印象的錄音是舒曼的「連篇歌曲」與「詩人之戀」，不染於塵世的書卷味兒，怎麼聽都彷彿像是夢遊仙境一般令人神迷，那個調調直覺讓我想像，Bostridge必定是個絕佳的沃爾夫藝術歌曲詮釋者。我覺得唱起沃爾夫的歌曲要有點躁鬱的緊張感，同時還要夠咬文嚼字，才能磨亮曲子，呈現出世的氣質；運用過多所謂的真性情，反而會讓曲子覺得平淡。飽讀詩書的Bostridge，客觀而言是有這個條件，畢竟，之前他的有些舒伯特是唱得over了些，他的歌唱有時甚至讓人有「這是在吟詩作對嗎？」的錯覺。 Bostridge聲質的辨識度極高，在這張沃爾夫藝術歌曲裡，他的聲音像是一支柔軟的尖刀，往往冷不防刺進聽者意識的心房，看似平靜無波，但瞬間迸發的聲勁就是俐落，有時還真被嚇到了。Bostridge花了很大力氣切析詩文與聲韻，這使他的沃爾夫聽起來鏗鏘有情，每個轉折都是精心設計安排的。沃爾夫的藝術歌曲需要層層細微雕琢，而Bostridge的精緻刀工，正符合頂級工藝的要求。以下里巴人的語彙形容：這麼做作的曲子，就是要這麼做作的聲音來唱才能對味，Bostridge與沃爾夫搭在一起，簡直是天作之合。 自Arleen Augér的錄音之後，我再也沒有領教過如此深刻的沃爾夫，Bostridge的出現，是一個同樣醒目的印記。兩人皆是「詩凌駕於歌」，而相對於Augér的出污泥而不染，Bostridge濃厚的學究味同樣令人耳目一新。 sussicran http://blog.roodo.com/sussicran/archives/2079467.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 14:48 |
| [#10255] Harnoncourt的韓德爾 @ sussicran 韓德爾：彌賽亞／Christine Schafer, Anna Larsson, Michael Schade等人演唱，Nikolaus Harnoncourt指揮維也納古樂合奏團、荀白克合唱團／deutsche harmonia mundi 82876 64070 2 當初韓德爾在寫完「哈里路亞」一段時，立刻被自己感動得淚流滿面，他說他在這音樂裡看到了天堂的模樣，上帝坐在王座上，四周圍繞著天使，一副終極祥和的景象（依我們的說法，就是西方極樂世界吧）。類似這種強調「功能性」的音樂軼事，是我對這齣神劇的第一印象，因此聽著「彌賽亞」時，我也儘可能想像著能不能看到什麼。結果當然是什麼都看不到。看不到什麼也就算了，我還不由自主地被這招「宣傳」給模糊焦點，以致於從來沒有認真好好聽過一次這齣神劇。 要不是Nikolaus Harnoncourt跳槽到DHM錄了這張「彌賽亞」，我大概沒有什麼動力重新認識這首曲子。Harnoncourt有如聖經學者，翻修出他心目中理想的「彌賽亞」，但我注意的，無非還是他自古樂派蛻變而來的，一種極有魅力的詮釋手法。在器樂方面，Harnoncourt探索一種簡潔、平滑而紮實的可能。固然後輩Philippe Herreweghe等人將這套顯學發揚光大，但帶頭的Harnoncourt可沒一直閒著。或許，我們更該感謝「指揮家愈老，身價愈高」的大環境，實習夠久了，等到了纍纍結果的時刻，自然特別迷人。回到熟悉且賴以成名的樂曲裡，回到老夥伴維也納古樂合奏團身旁，Harnoncourt彷彿有著源源不絕的活力與創意，讓神劇迸發出非宗教的美妙價值。 韓德爾不喜歡別人將「彌賽亞」視為「高貴的娛樂」，他認為這闕作品是與上帝對話的方式、充滿讚頌上帝的歡欣；然而，現在愈來愈多人透過去除宗教的純粹抽象音樂美，去肯定它是件偉大的作品。我相信Harnoncourt的指揮也有些屬於後者的因子（抑或這就是他顯揚上帝的方式），著名的「哈里路亞」一段，在他手中變成了一項有趣的音樂實驗，慶典意味不濃厚，反倒成為一首有氣無力的搖籃曲。 目前對於Harnoncourt能跨到浪漫樂派作品的錄音，原先的期待依然大過現已接收的失望，他的布魯克納與史麥塔納，怎麼聽都覺得不太對味。但在回頭探索最擅長的巴洛克音樂過程之中，卻發現他能夠不拘泥於過去的偉大成就，持續向上突破，Harnoncourt青壯年代的骨架全在，而精緻則有過之而不及。在領教過形形色色的南腔北調之後，Harnoncourt的巴洛克音樂逐漸會是我心目中的王道，現在只求唱片公司能夠「只看大牌，不看曲目」。 sussicran http://blog.roodo.com/sussicran/archives/1951710.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 14:51 |
| [#10256] Walter的布拉姆斯 @ sussicran 布拉姆斯：第三號交響曲、海頓主題變奏曲／Bruno Walter指揮哥倫比亞交響樂團／CBS MK 42022 一定有很多人希望，晚年的Bruno Walter在Sony的錄音，能夠搭配哪怕是任何一個歐洲管絃樂團都好，而不要是哥倫比亞交響樂團。在開始認真聆聽Walter的指揮之後，我也不自覺地抱著這種「殘缺的美感」繼續享受下去。原因不止在於美國樂團做不出歐洲樂團的氣質，更在於哥倫比亞交響樂團本身就是一個雜牌軍，默契與音色都待調整，而爛好人Walter顯然得過且過。他們一系列的唱片就是最佳明證。於是，在這張布拉姆斯第三號交響曲的錄音裡，出現一種奇妙的揉合：Walter對音樂自然且浪漫的卓越理解，與哥倫比亞交響樂團的粗線條與不合拍。 Walter讓布拉姆斯第三號交響曲唱得相當痛快，雖然不起眼，但卻是我印象中最有魅力的布三，它是一張能夠讓我可以聽到入神的錄音，我曾經想仔細地分析它到底在哪個地方觸動了我，但想了想，總是找不到一個很具體的切入點。在瘋狂的版本比較之後，我才發現，風格是主觀的，功力是客觀的。有些人的指揮功力能夠高深到讓聽者完全忘了個人風格的存在，成為一種理所當然的認同。這種放諸四海皆準的「好」，彷彿如先驗哲學(Transzendentalphilosophie)般令人，嗯，無話可說。 二戰後的新大陸，Walter與Leonard Bernstein一老一少，為美國樂團增色許多，Bernstein的活力固然是王道，而Walter讓音樂歌唱的表現也著實不凡。我打從心裡佩服Walter讓音樂歌唱的方式。過去我一直誤以為那是他「溫和」形象的一部分；說穿了，我被那張他在Sony的貝多芬第六號交響曲錄音本身，還有衍生的各種讚賞給矇住了。 你覺得Walter的指揮溫和嗎？打從聽過他與維也納愛樂在EMI的馬勒第九號交響曲1939年錄音之後，我始終覺得那是宣傳文字的一種錯覺。貝六錄音使得Walter的溫和形象被無限上綱了，模糊了我覺得屬於他最重要的那一部分：悠揚。相對當下「緊湊、衝擊」被視為主流的樂曲詮釋，Walter「放」的音樂哲學似乎已被摒棄，這麼說似乎有些武斷，不過現今要找出有膽識將音樂密度拉到那麼鬆垮，還能夠讓樂句唱出如此迷人好聲的指揮，還真是件難事。譬如說這張布三的首樂章和終樂章，Walter就是有在四平八穩的架構中，唱出屬於他自己「精、氣、神」的功力。 這張CD的補白，布拉姆斯的海頓主題變奏曲，又是另一個莫名奇妙令人感動的典範。我可以因為Walter的關係，一整天聽布拉姆斯也不會厭倦，並且因為這樣子而大力向你說服，布拉姆斯其實遠比舒伯特還會「歌唱」。 sussicran http://blog.roodo.com/sussicran/archives/1903217.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 14:53 |
| [#10257] Yudina的貝多芬與布拉姆斯 @ sussicran 貝多芬：第29號鋼琴奏鳴曲；布拉姆斯：晚期鋼琴作品集／Maria Yudina-鋼琴／Vista Vera VVCD-00072 這麼想想，似乎很久沒有與歷史錄音一同起化學作用了。學生時期曾砸了不少盤纏，瘋狂地與歷史錄音為伍，為的就是那一份「想像中的可能」。破爛的收音與後製，保存住每一個神奇時刻，讓我可以動腦子重建現場，假裝自己曾經參與過Willem Mengelberg、Wilhelm Furtwängler的現場，模擬現場究竟會是多麼不得了的聲響……。後來試著說服自己，不要一味追求時空距離所造成的迷濛感，Sviatoslav Richter早年現場一大堆錯音的CD也沒有什麼好收藏的；然而那片虛幻但完美的烏托邦偶爾仍會蠢蠢欲動，向我證明它無可取代的地位。Maria Yudina大概就是那烏托邦的女主人吧！ 前陣子聽了某位小有名氣的鋼琴新秀彈奏貝多芬第29號鋼琴奏鳴曲新錄音，音響發燒、音色華麗、技巧全面，但就是死腦筯了點。很不幸地，這份死腦筯正是分辨這張錄音是否無可取代的負面關鍵因素。或許真是歷練不足，或許他該試著讓自己的生活過得不那麼像公務員一般routine（這當然純粹是我的想像），哪天悟到了什麼，才能夠彈出與Yudina媲美的貝多芬。 舊蘇聯的鋼琴錄音盤帶，弄出來總是乾澀到瀰漫金屬味的程度，偏偏那個遙遠而神秘的世界總有許多像Yudina這樣不僅有感情有想法，也懂得將感情與想法毫不保留地傾倒在黑白琴鍵上的人物，偏偏Yudina又是其中的佼佼者。她的琴技結實迅速地嚇人，不怎麼用踏板，唰的一聲琶音，都能粒粒到位，琴音的輕重收放之間，在在說明Yudina不只是一位要比鋼鐵指鍵並不輸給Emil Gilels的豪傑，也是一位充滿智慧的女性。別的不說，她是第一個在第三樂章彈得這麼快，還能讓我覺得抓到意境與深度的鋼琴家，光這點就足以幹掉一大批平庸之輩。 驚奇之旅並未在貝多芬第29號的最後一個合弦終止，Yudina的布拉姆斯又是另一個會令人隨之神遊的奇景。恰巧目前我最鍾愛的兩個布拉姆斯晚期鋼琴作品終極詮釋版本，都是這種彷彿被削了一層皮，只剩骨架一般的鋼琴錄音。會如此著迷Yudina這份錄音與早年Wilhelm Kempff錄音（Decca）的原因，當然不在於令人皺眉的音響效果，而是他們都相當高明地隱藏情感，灑落在音符上看似如此澄澈且不經意，但這種透明的處理反而成功地逼出布拉姆斯滿溢的孤寂。在今日，不僅Yudina的歷史錄音難尋，連後世鋼琴家仿效這種化學作用所使用的方程式本身，也逐漸式微了。 sussicran http://blog.roodo.com/sussicran/archives/2959379.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 14:56 |
| [#10258] Michelangeli的舒曼 @ sussicran 舒曼：狂歡節op.9、青年曲集op.68, no.37-39／Arturo Benedetti Michelangeli-鋼琴／EMI 00777 74932523 在我踏入Arturo Benedetti Michelangeli冷峻神話世界的路途中，這張舒曼是少數比較有人味的其中一張。不知或許是因為這張錄音效果優於EMI普遍水平的關係，在琴鎚敲擊鋼弦所集結的厚度之中，Michelangeli總算比較不像披著神樣外衣的魔術師，流露了一些溫暖的情緒。已經好幾年了，這張唱片仍然是我個人最有共鳴的Michelangeli錄音，也是最有共鳴的「狂歡節」錄音。老實說，其他人的「狂歡節」與Michelangeli一比，說好聽一點是粗線條；而索然無味、慘不忍睹的更是大有人在。Michelangeli的「狂歡節」好似一道仙餚端上桌，味精醬油鹽巴，多一滴少一粒都會走味。 在德布西之中，Michelangeli的無色無味，硬是對味；但他並沒有在舒曼的音符裡如法炮製，而是挑選了各式各樣的角度揣摩，讓「狂歡節」的每一小曲有如閃閃發亮的十四行詩，同樣對味。在「狂歡節」裡，Michelangeli輕而易舉地開啟自己的幻想世界，他的每個小宇宙渾然天成，帶著欣喜、遲疑、愁悵、頑皮、優雅……，彷彿主角只有多重人格到一種境界，才能如此狂妄地咀嚼、精準地將他精心設計的各種勁道灑落在黑白鍵上，讓音符散發著作夢的本事。聆聽的同時我不禁想著，Michelangeli到底是怎麼樣讀譜的？他讀著「狂歡節」的同時，腦子到底想出了什麼玩意兒，才會彈出這麼完美的音符？即使是舒曼本人，也未必有這番能耐，讓自己的作品像Michelangeli一樣化為詩句。 厚古薄今雖然是我儘量想避免的偏見，但在Michelangeli典藏式的示範之下，腦子裡實在很難再裝得下其他人的「狂歡節」。還好，有如精品店的Michelangeli，不像Sviatoslav Richter像海綿一樣對曲子狂吸狂吐，否則現今職業鋼琴家們的壓力會更大。 sussicran http://blog.roodo.com/sussicran/archives/2624532.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 14:58 |
| [#10259] Pollini的蕭邦 @ sussicran 蕭邦：夜曲全集／Maurizio Pollini-鋼琴／DG 477 5718 聽著Pollini的蕭邦夜曲全集，在我的腦子裡總會竄流著一股矛盾的想法：它的特別，就在於它的不特別；它之所以不好，實在是因為它太好了。別以為我在故弄玄虛，這是我對Pollini的蕭邦夜曲錄音，所能夠找到最精準的描繪方式。原因在於我一直在說服自己接受另一種夜曲的可能，而目前這個動作仍然是現在進行式。 我想，我的盲點可能出在對於「夜曲」的吸收方式。它們不是巴哈或荀白克的作品，它們是蕭邦的特有品種。雖然它們不像敘事曲或詼諧曲擁有排山倒海的戲劇性，但基本上鋼琴家們仍舊總是利用彈性速度的嫵媚勾惑，牽著聽眾的內心小鹿亂蹦。當然，我們早知道Pollini不搞這一套，不過在Pollini的蕭邦夜曲出現之後，我第一次嚴肅想過這個問題：我真的把夜曲的「整個樣子」給聽進去了嗎？抑或，我聽到的是一種殘留在心影的反射，以相對逸樂的姿態，如同快要消散的棉花糖一般，瀰漫在我的回憶中？ 老實說，以幾乎像是禁慾境界的節制與平靜去品嚐蕭邦夜曲，就我的個性而言算是一件苦差事。要拋棄絕大部分的想像空間，不是很無趣嗎？在Pollini的音樂裡，我首度以旁觀者的立場面對蕭邦夜曲，像是觀察或研究蠶蛹、或是盯著鐘擺的晃動一樣。Pollini的處理與我滿心期待的夜曲面貌，是兩條看不到交會點的平行線。相同的印象，好像也曾經出現在Pollini彈貝多芬幾首早期鋼琴奏鳴曲身上，就是熱不起來，帶不動神經，陷不進去，無處發洩。你問我需要把自己搞得像個苦行僧一樣嗎？這可真是個大哉問！ 私心覺得Pollini是應該要往巴哈或當代音樂兩道方向快點兒留名了，而不是在蕭邦夜曲的風花雪月裡製造爭議。然而，面對這顆嚴肅的震憾彈，我卻不忍心將它丟入二手深淵，因為，它讓我第一次認真面對自以為很熟悉，但實事上忽略已久的蕭邦夜曲。不過話說回來，其他人的蕭邦夜曲錄音對我而言又算什麼呢？奇也怪哉，這問題反倒讓我愈來愈感到困惑了。 http://blog.roodo.com/sussicran/archives/2372802.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 15:00 |
| [#10260] Ameling的舒伯特與舒曼 @ sussicran 舒伯特、舒曼：藝術歌曲集／Elly Ameling-女高音，Joerg Demus-古鋼琴，Hans Deinzer-豎笛／deutsche harmonia mundi GD77085 不食人間煙火的「沙龍女主人」，是第一次聽到Elly Ameling唱片的驟然印象，要鎮服一群文藝人士，沙龍女主人的談吐必得具有一番修為，她一開口，就有這種以柔克剛的能力。能唱好舒伯特的女高音不在少數，不過能把藝術歌曲品味琢磨到這般境界的，除了Ameling之外，找不到第二個。即使整張唱片聽下來是少了些活力，但因為這是Ameling的聲音，所以，那又如何？ 這張CD「頭重腳輕」確是事實，不過，這不是Ameling的錯。她的舒曼是理所當然的美，但她的舒伯特更美；尤其是舒伯特真正的「天鵝之歌」，《岩石上的牧羊人》(Der Hirt auf dem Felsen D.965)，你要如何拿其他的舒曼與它一起「稱斤兩」呢？Hans Deinzer的豎笛聽來相當內斂，這恰恰使得舒伯特「愁」站在更巍峨的制高點上，幾乎反客為主地與Ameling進行如對話般交錯。能把豎笛當做自己的第二聲帶，隨心所欲的表達情感，已算是難能可貴，Deinzer更是讀盡舒伯特的心酸滋味，把這種痛藏到自己的心坎裡，溫溫地、若隱若現地用豎笛唱出舒伯特未竟的青春。31歲辭世前幾個月的舒伯特，在感受些什麼，隨著Deinzer的豎笛聲一起想像，我似乎也可以碰觸到那麼一點點。「晚年」的舒伯特是應該多寫些豎笛作品的。 Ameling的演唱在眾家女高音之中堪稱無敵經典，但她自始至終的優雅在這位豎笛仁兄之前，確是有點吃了虧。Ameling不僅唱得輕，更是沒有肉感，她有一種讓音樂飄浮，形成空中花園的能力，穿透力不強的她，發出彷彿折射在寶石上的耀眼光芒，在抒情女高音領域中已然成為頂級高貴的金字招牌。不喜歡的人卻覺得踩不到地，她唱出的不是風景，而是一幅畫而已，像是《你不愛我》(Du liebst mich nicht, D.756)一曲，聽起來幾乎一點怨氣都沒有。但是，Ameling在極高音由強漸弱的處理能力，能夠完美到令人啞口無言的美妙境界，在她輕鬆的換氣與咬字之間，展現出別人再怎麼訓練也散發不了的氣質。 聽Ameling唱起《春天》(Im Fruehling, D.882)這類型的曲子，真的很享受，天真優雅而從然自若的聲音，加上一點若有似無的淘氣。Ameling的音質會讓我聯想到開始聽Ian Bostridge唱舒曼《詩人之戀》時的感動，他們在弱音方面都有一種與眾不同的特質，還有那股文人雅氣，這些彷彿都是天生的。 有前輩說過，聽Ameling的演唱，是聆賞女性聲樂家演唱藝術歌曲的必修課程。「別人的是選修課，她的憑什麼是必修課啊？」久了，卻也能咀嚼出這句話意義何在。 sussicran http://blog.roodo.com/sussicran/archives/701224.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 15:03 |
| [#10261] Lifschitz的舒伯特 @ sussicran 舒伯特：第20、21號鋼琴奏鳴曲／Konstantin Lifschitz-鋼琴／若林工房 WKLC-7001-2 我相信50年前，世界上許多地方一定傳頌著「俄羅斯鋼琴學派」的偉大事蹟，這一票鋼琴家的琴聲，和戰爭炮火一樣令人震憾，他們掌握了一種刺激他人腎上腺素的訣竅，如同獨門秘方代代相傳。即使到學派分野已趨模糊的今日，當我第一次聽到和我年紀相彷的Konstantin Lifschitz這張舒伯特錄音，好像隱約還能嗅出那份獨門秘方在他身上所起的作用。 我很喜歡嘗試俄羅斯鋼琴家彈奏德奧作曲家作品的錄音，因為到目前為止，我覺得這批人最有辦法挖掘在嚴肅的撲克臉面具底下，如同烈焰的情感噴放。或許有時也有不對盤的例子出現，但是秉持著no news is bad news的精神，能夠享受他們在這些作品上的想像，依然是一件很過癮的事。聽到這張Lifschitz在20歲彈的D959錄音時，我心裡第一個疑問是：「這傢伙怎麼那麼早熟啊！」在樂曲骨架規模上，有那麼一點Sviatoslav Richter晚年的遺風，但又有著屬於他自己的氛圍在，而且能夠全面、成功地滲入每一個音符之中。「又來了一位個性派！」你知道的，挖到寶就是這種感覺。 我不想在這裡將Lifschitz捧上天，因為就這張錄音來看，要稱為經典未免有些勉強；不過，這裡頭的確出現不少很有意思的地方。雖然兩首曲子的錄音相差6年，但Lifschitz以一貫之，運用「對比的藝術」巧手一揮，讓這兩首質地軟潤的崑崙彩石，變成另一個形貌。 一方面是音色的對比。Lifschitz不假修飾地將強音彈奏到幾近爆裂的狀態，與他弱音有如吟詩獨白的美感，確實有很大的差異。與部分俄羅斯鋼琴家相同，Lifschitz在留白的部分，膽敢拉長到產生令人著急的迫力；而雖然整體配速極慢，但始終沒有裂解掉的危險。日本的錄音的確夠搶眼，將Lifschitz彈奏時透徹的響度與鮮麗的音質，像透過放大鏡一樣攤在我們的面前，任何細枝末節的收尾，更能看出Lifschitz不是泛泛之輩。 另一方面是意境的對比。這兩首曲子雖然大小調交替頻繁，但在Lifschitz手中卻沒有一絲明亮的陽光，甚至可以說喪失了一些旋律的歌唱性。Lifschitz在灰色的基調中，再創造不同層次的灰色，同時也利用了音色上衝突，再加上左手伴奏部大幅度的音量對比，強化複雜微妙的陰暗氛圍。如果你認為舒伯特音樂就應該如同舒伯特長相那樣單純明淨，那麼這張CD可能會讓你倒盡胃口；而我必須承認這種「向陰影呼喊」絕對不是舒伯特的本意，不過它卻是我心目中的舒伯特。如果Lifschitz能夠再誇張一些，那麼Valery Afanassiev就不用怕後繼無人了。 http://blog.roodo.com/sussicran/archives/1688593.html  |
george1977 正式會員 210.xxx.xxx.97 |
2009-06-11 15:09 |
